Un cuaderno de bitácora para navegar por la historia del arte. Cada entrada está relacionada con algunos de los estadios de la creación artística a lo largo de la Historia. Desde la Prehistoria hasta la más rabiosa actualidad. Todo un curso al ritmo pausado del calendario. Para aquellos que consideran que el arte existe porque la vida no es suficiente.

3/23/2012

LA PARTE POR EL TODO 19


 La Magdalena penitente (1664), 165 cm. . Pedro de Mena (1628-1688). Madera policromada. Museo Nacional de Escultura de Valladolid.

Y la pena se hizo arte.
¿Quién es este personaje? ¿Qué representa? ¿Qué técnica empleó su autor?
No olvides que se aproxima la Pascua y que la pasión de Cristo está cerca!

     Pedro de Mena, escultor formado en el taller de Alonso Cano (otro de los grandes escultores del barroco español), posee un estilo en el que se aleja del virtuosismo preciosista del maestro granadino para adentrarse en un naturalismo de gran intensidad dramática. Frente a la dulce sensibilidad que Cano muestra en sus jóvencísimas Inmaculadas, De Mena se interesa mucho más por el patetismo de los personajes religiosos, imbuidos de profundos gestos de pena y dolor, como se demuestra en esta hermosa talla de la Magdalena penitente.
   La imagen fue realizada para la casa Profesa de la Orden de Jesús en Madrid,  inspirándose el artista en modelos castellanos. La obra se exhibe en una sala de tenue iluminación en el museo nacional de escultura de Valladolid, un auténtico santuario para la imaginería española, que alcanza en esta obra una de sus más geniales creaciones; tras pasear por salas pobladas de grandiosos retablos y poderosas esculturas renacentistas, desembocamos en esta silenciosa estancia donde la Magdalena, a solas con su amor doliente por Cristo, se interroga en un gesto transido por una amorosa pena. La imagen, concebida con un intenso realismo, destaca por la belleza del rostro consumido por un fervoroso sentimiento de místico amor, reflejado en la emotiva mirada dirigida al crucifijo que sostiene con una de sus manos. En ese gesto de abstraido amor la santa aparece aislada de su entorno (y solitaria en esa parte de la sala donde la iluminación refuerza sus teatrales gestos), como ausente de este mundo. La Magdalena aparece vestida, de forma austera, con un vestido tejido de palma, subrayando su alejamiento de este mundo, como si fuera una eremita del desierto. El cordón que le sujeta el talle y el cabello que cae sobre sus hombros acentúan la íntima soledad en la que la santa parece abismarse. La desnudez de los hombros y el brillo luminoso de la piel de sus brazos, acentuado por la iluminación de la sala, dotan a la imagen de un sutil erotismo, mezclando el dolor y el gozo místico que el amor divino producen (recordad a Bernini y su Santa Teresa). Destaca el perfecto acabado de la talla, con el que De mena consigue unos magníficos y potentes efectos realistas en el tratamiento de las calidades, aunque lejos del efectismo teatral de las imágenes de vestir que algunos artistas contribuyeron a difundir.

LA PARTE POR EL TODO 18


                                         Rembrandt, autorretrato

¿Quién es este hombre que nos mira? ¿Qué aspectos del arte de la pintura revolucionó con sus pinceles? Atrévete a salir desde las sombras y adéntrate en las profundidades de la luz... Cuéntanos quién fue y qué lo hace tan grande.

Pocos artistas han sido tan sinceros consigo mismos; Rembrandt es, acaso, la excepción en una época de ampulosos retratos, más atentos a destacar la mundanal posición del retratado que a explorar las interioridades de su alma. Si el retrato verdadero ha de perseguir representar aquello que singulariza al personaje, Rembrandt es, sin duda, el mayor maestro. Su galería de autorretratos es una auténtica biografía de la condición humana; sus pinceles son capaces de captar el gesto altivo del artista que triunfa y, tras la ruina y el fracaso, volar a la misma altura a la hora de representar la decrepitud de la edad y la soledad, la miseria material y el olvido que la acompañaron. El pincel como un escalpelo del espíritu, como un instrumento al servicio de la introspección más íntima y sincera. Rembrandt.

3/20/2012

ARTEMISIA GENTILESCHI, PINTORA


Dánae
Artemisia Gentileschi, 1612. Óleo sobre cobre. Medidas: 40.5 cm × 52.5 cm.- Museo de Arte de San Luis, San Luis, Estados Unidos



 Judith decapitando a Holofernes (1614-20) 
Óleo sobre lienzo 199 x 162 cm 
Galleria degli Uffizi, Florencia.


              Judit y su doncella
              Hacia 1618-1619
             Óleo sobre lienzo; medidas: 114 cm × 93,5 cm. Palacio Pitti, Florencia (Italia)




Entre los seguidores del naturalismo tenebrista del genial Caravaggio, encontramos a una extraordinaria pintora: Artemisia Gentileschi (1593-1654), hija de pintor y, gran extravagancia para la mentalidad de la época, mujer. El diario EL PAÍS, publica hoy un interesante artículo sobre esta pintora romana del s. XVII; os recomiendo la lectura del mismo... ya está bien de hablar de las "mujeres pintoras" en la historia, en el marco formal del 8 de marzo. Cualquier dia es bueno si el talento y el genio, que no conocen de géneros o sexos, ilumina nuestra vida. La entrada va precedida de algunas de las obras de esta reputada artista que llegó a lo más alto en la Europa barroca del s. XVII.

Aquí os dejo el enlace al artículo:

http://cultura.elpais.com/cultura/2012/03/19/actualidad/1332184059_166107.html


Y por si acaso queréis profundizar, algunos enlaces más:

 http://www.artehistoria.jcyl.es/genios/pintores/2025.htm

http://es.wikipedia.org/wiki/Artemisia_Gentileschi

http://www.artemisia-gentileschi.com/index.shtml

http://www.arthistoryarchive.com/arthistory/baroque/Artemisia-Gentileschi.html

http://www.mostrartemisia.it/

LA PINTURA BARROCA: ACTIVIDADES


El rapto de las hijas de Leucipo (Rubens)

La elevación de la cruz (Rubens)

Para seguir con nuestra aproximación a la pintura barroca europea y antes de volver nuestra mirada a España, donde nos aguardan Ribera, Zurbarán, Murillo y el genial Velázquez, aquí os dejo un esquema sobre la escuela flamenca. Rubens es, con diferencia, uno de los artistas, sino el artista, que mejor sintetiza la diversidad de tendencias de la pintura barroca. En su obra tiene cabida todo: desde el tenebrismo naturalista de Caravaggio, pasando por el clasicismo colorista o la rotundidad anatómica de un Miguel Ángel, hasta llegar a la exhuberancia y la opulencia de formas y colores que le son tan características. Frente al pesimismo introspectivo de Rembrandt, el optimismo energético y vitalista del pintor flamenco, que fue en su tiempo mucho más que un pintor. La Bélgica católica y, con ella toda la Europa contrarreformista, se rindió ante este "Homero" de la pintura.

PROPUESTA DE COMENTARIO
Para fijar algunas notas de su estilo y profundizar en el conocimiento de su vastísima obra, aquí os dejo un par de obras para que elijáis cual de ellas comentar. Una de tema religioso y otra de tema mitológico. Que lo disfrutéis.

3/13/2012

LA ESCULTURA BARROCA: PROPUESTA DE ACTIVIDADES.

 El éxtasis de Santa Teresa. G. L. Bernini.


 El rapto de Proserpina, G. L. Bernini.

Aquí os presento dos obras extraordinarias... para que podáis elegir la que más os interese. Realizad el análisis de una de las dos.

LA PARTE POR EL TODO 17

 Palacio Barberini, Roma

 Escalera del palacio

 Mira este sitio: 
http://bitofinspiration.com/design/architecture/a-bit-of-spiral-inspiration/

Después de examen, algo de distracción... un poco mareante.
Viaja hasta donde esta magnífica escalera se retuerce hasta el infinito y averigua quién la construyó, en qué ideas basaba sus proyectos, qué innovaciones introduce en el noble arte de la arquitectura... y cuál fue la tragedia de su vida. Será un viaje apasionante, ya lo verás...

¿Antiguo Borromini? ¿desfasado? ¡Un visionario! Lástima que sus contemporáneos no lo entendieran así. La escalera que el genial arquitecto construyó en la palacio Barberini contiene los elementos básicos con los que Borromini quiso revolucionar el espacio y la arquitectura. La espiral, la elipse, la curva infinita... se despliegan ante nosotros como un perfecto mecanismo espacial, los muros se flexibilizan como materia plástica, los efectos de claroscuro, junto con el rigor geométrico que fundamentan sus creaciones, hacen de Borromini un visionario, a pesar de que se sirve del viejo y venerable vocabulario clasicistas convertido en norma durante el Renacimiento. Él crea una nueva sintaxis, una nueva lengua al servicio de la fantasia más atrevida; y sin descuidar la funcionalidad de la forma que le sirve de recipiente. Ved si no la última imagen de escaleras semejantes, pero muy posteriores en el tiempo...

3/02/2012

LA PARTE POR EL TODO 16

 Fábula (también llamado «El soplón». 1577.
Óleo sobre lienzo. 49 x 64 cm. Museo del Prado. Madrid (España).
   
¡SILENCIO! Se pinta.


   De entre la abundante producción pictórica de El Greco, he escogido una de las más singulares y enigmáticas, pues de todos son conocidas sus grandes obras de altar o la excelente galería de retratos o figuras de santos que llenan su obra. He elegido una que me gusta especialmente por  la pincelada suelta y el uso de la mancha para conseguir dar forma a las figuras y, sobre todo, el portentoso contraluz que hace que la cara del joven soplón resplandezca al soplar la candela. Las concentradas miradas de los acompañantes, un pícaro de sonrisa socarrona y un atento mono, pueden ser interpretadas de diversa manera, pero da igual: a mí me impresiona este uso de la luz y el color. El Greco, quizás sin saberlo, emulaba al genial Caravagio, el introductor del tenebrismo en la pintura italiana del seiscientos. El tema del soplón fue tratado por este pintor en otra ocasión, pero sólo con el personaje central y su juego de contraluces. Esta alegoría, señalan algunos críticos, puede que se inspirara en la Naturalis Historia de Plinio el Viejo. Algunos pintores italianos ya habían explorado antes las posibilidades lumínicas del color, como Jacopo Bassano o Piero de la Francesca mucho antes, en "El sueño de Constantino". No obstante, las personales aportaciones del Greco en lo que a escorzos y paleta cromática se refiere, son ya rasgos de su estilo. Recordad que las dos obras las vimos en el Museo del Prado, aunque nos detuvimos (es un decir) sólo ante sus grandes lienzos. Allí seguirán, para cuando volváis.
Un saludo a aquellos que han participado en este recorte. Serán recompensados por su incansable tenacidad.

EL RENACIMIENTO EN ESPAÑA: EL GRECO.

El bautismo de Cristo (1596-1600)


El expolio (1577-1579)

Con el fin de fijar las características del estilo pictórico de El Greco, os propongo la realización del análisis y comentario de una de estas dos obras, correspondientes a diferentes momentos de su evolución estilística. Revisaremos los comentarios en clase. Ambas obras se incorporan al catálogo básico de las obras de El Greco, junto con "En entierro del conde de Orgaz".

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