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Identificación de la obra:
Hombre rojo con bigote, 1971

Óleo sobre papel montado sobre lienzo. 186 x 91,5 cm

Sala 46 - Colección Thyssen-Bornemisza, Madrid

DESCRIPCIÓN Y ANÁLISIS FORMAL:

Los más significativo de la obra reside en la textura cromática, de gran efectismo expresivo. Es difícil examinar la obra a la luz de las convenciones formales que guían cualquier comentario artístico; no obstante, se pueden señalar algunos rasgos que, por su ausencia o presencia, nos permiten establecer diferencias con la pintura figurativa tradicional. Veamos algunos ejemplos: el volumen: no existe tal sensación. Tendencia a la abstracción, aunque sin romper del todo con la figuración. Es posible reconocer, através de los gruesos trazos de color, la silueta distorsionada del hombre, incluso algunos rasgos del rostro. La línea (el dibujo) de trazo grueso, por lo que no hay no hay dibujo. El contorno resultante es apenas una insinuación de la forma humana. Aplicación del color con gruesas pinceladas, dedos, espátula, etc. La estructura compositiva es irreconocible y la perspectiva está ausente, ya que no existe interés alguno en representar el espacio. El tratamiento del color: predominan los colores cálidos y fuertes, de intensa agresividad, que salen hacia el espectador. La luz (expresión y composición): no hay tratamiento más allá de la intensidad de la gama cromática utilizada, que resulta muy luminosa.

ANÁLISIS ESTILÍSTICO:
El lenguaje de aplicación casi salvaje del color de De Kooning, llega en esta obra a su máximo paroxismo final. Siendo el único de todos los expresionistas abstractos (aquí procedería explicar las características de este movimiento artístico surgido después de la II Guerra Mundial, 1945) americanos que nunca llegó a romper de manera definitiva con la figuración; podemos identificar aquí el cuerpo distorsionado de este hombre rojo, color asociado a la pasión sexual y a la intensidad emocional.
El comentario se completaría con la explicación del contexto histórico en que surge el expresionismo abastracto, esto es: la posguerra (1945) y la importancia del arte norteamericano (Nueva York) para entender el desarrollo de las nuevas corrientes artísticas.

IDENTIFICACIÓN DE LA OBRA:

Titulo: Giovanna Tornabuoni, 1488

Autor: Ghirlandaio

Museo: Museo Tyssen Bornemisza

Caracteristicas técnicas: Témpera sobre tabla

Dimensiones: 77 x 49 cm

ANÁLISIS Y DESCRIPCIÓN FORMAL:

Se trata del retrato de tres cuartos de una dama que se muestra de perfil, sobre un fondo neutro, oscuro. El tratamiento de la figura sobresale por la calidad del dibujo, de trazo fino y continuo, lo que contribuye a la perfecta descripción del contorno de la joven. Los colores son cálidos (anaranjados, amarillos) y se modulan en su intensidad para modelar la figura, que destaca por contraste sobre un fondo negro. La luz parece provenir de un foco lateral, situado a la izquierda, que baña suavemente el rostro de la muchacha y atenúa los colores. La imagen resulta, no obstante, estática y serena. La pose quieta y la mirada fija en un horizonte que se halla fuera del cuadro transmiten el mismo sosiego que se desprende del conjunto de la obra. El contraste entre la luminosidad suave de la figura retratada y la oscuridad del fondo, permite destacar la elegancia y hermosura de la joven.

En la composición destaca la colocación de la joven sobre estructuras geométricas: un eje axial en mitad del cuadro, ángulo recto para su brazo y una suave pirámide para el cuerpo. Esta composición subraya el equilibrio y la armonía visual, aspectos básicos de las composiciones de esta época, imbuídas de platonismo (belleza ideal). A su vez, sobre el fondo negro destaca un marco que, a modo de ventana ciega, sirve de alacena en la que, mediante cuadrados y rectángulos, se insiste en la perfección idealizada de la escena. En esta alacena hay más complementos que aluden a la perfección de la joven: la hilera de cuentas de coral, que simbolizan el amor a Cristo, las joyas y el libro, aficiones de las jóvenes de buena familia, y un letrero escrito en latín por el autor que reza: "¿Podría el arte retratar su carácter y virtud? Ninguna pintura en el mundo podría ser más hermosa. 1488". La leyenda, como la composición, subrayan la virtuosa perfección que la joven encarnaba.

ANÁLISIS ESTILÍTICO
El retrato de Giovanna Tornabuoni resume el espíritu del retrato florentino, dominado en el Quattrocento (Primer periodo del Renacimiento italiano, s. XV) por la elegancia, la sofisticación y al mismo tiempo, la fidelidad al retratado y la verosimilitud de la imagen. Giovanna Tornabuoni era hija de Lucrezia, también retratada por Ghirlandaio en un cuadro frío y soso, que pudo tener alta participación de los aprendices de su taller. Giovanna aparece también en el retrato de la alta sociedad florentina que Ghirlandaio realizó con el pretexto de pintar la Aparición del ángel a Zacarías. La joven se había casado dos años antes y el retrato resulta un triste documento de su belleza, puesto que Giovanna moriría el mismo año que el pintor terminó el cuadro.

El comentario (aquí apenas un esbozo) sólo estaría completo si explicamos el contexto histórico en que se produce la obra, esto es: el Primer Renacimiento o Quattrocento, una etapa de la historia del arte caracterizada por un "renacer" de la cultura grecolatina y la recuperación del individuo desde el Humanismo cristiano. Florencia, bajo el gobierno y patrocinio de la familia Médicis, será el escenario de este florecimiento cultural y artístico que acabará extendiéndose por gran parte de Europa.