LA PARTE POR EL TODO 26

Esta vez no resultará fácil hallar la ubicación de este recorte! (¿pecaré de ingenuo?). ¿Dónde está? ¿Qué características presenta esta obra? ¿Qué se representa en su fachada principal? ¿Y en su interior?. Recordad intrépidos artenautas que no siempre hay que ir a buscar demasiado lejos para hallar la belleza.

En efecto, no había que ir muy lejos para identificar este recorte. Estamos frente a la basílica de Santa María, en nuestra ciudad de Elche.

UN EJEMPLO DE ARQUITECTURA BARROCA EN NUESTRA CIUDAD

Situada en la plaza de Santa María, en el centro del antiguo recinto de la “Vila Murada”, es el monumento barroco más importante de la zona levantina. Colaboraron en esta monumental obra, que se inició en 1673, con restauraciones de gran importancia hasta los años 1902 y 1939, varios autores de los que citamos a los arquitectos Francisco Verde, Pere Quintana, Joan Fauquet, Marcos Evangelio, etc. Como figura importante y singular destacamos a Nicolás Bussy, escultor y arquitecto que fue quién diseñó y realizó la monumental portada de la fachada principal.

Por su imponente altura la basílica se distingue como un valor importante del centro urbano. Es un punto singular que se contempla desde el campo, y la torre, especialmente, se divisa entre los huertos de palmeras siendo un hito que señala la vida religiosa de la cuidad. La cúpula rematada en azulejería de un tono azul fuerte se distingue también a distancia y renueva en el espectador esa imagen a la que está tan acostumbrado cuando visita la zona de levante y contempla sus iglesias con medias naranjas azuladas

El templo actual comenzó a construirse en 1672 bajo las órdenes de Francesc Verde, al cual sucederán Pere Quintana y Ferrán Fouquet en el cargo de “mestre major” de las obras. Desde 1758, continuará la construcción, con sustanciosas aportaciones, el arquitecto Marcos Evangelio. Las obras acabaron definitivamente en 1784.
Se pueden seguir los distintos estilos, desde el primer intento de superación del estilo desornamentado, hasta el neoclasicismo puro, pasando por el italianizante barroco decorativo de la fachada de La Asunción, en la portada mayor, una de las más hermosas del Barroco, o el Rococó de alguna de las portadas menores. Tanto esta fachada como la de San Agatángelo, son obras del escultor de Estrasburgo, Nicolás de Bussi (1680-1682).

LA PLANTA Y LA CONCEPCIÓN ESPACIAL DE LA BASÍLICA DE SANTA MARÍA

En cuanto a la obra, la iglesia de Santa María se desarrolla en planta de cruz latina con capillas laterales y un crucero corto que es envuelto por una girola que da entrada a su vez a la capilla de la Comunión. A un lado, entre el cuerpo principal de la iglesia y la capilla de la comunión, se emplaza la sacristía y la escalera que da acceso a los corredores superiores. Sobre el crucero de la iglesia se levanta una gran cúpula con pechinas barrocas cuya ornamentación vale destacar y donde figuran los cuatro evangelistas. La cúpula de la capilla de la comunión es también muy interesante y se remata con una linterna que da una luz ambiental bastante intimista. El interior de la nave principal se cubre con bóveda de cañón seguido, la cual se va interrumpiendo en algunos puntos por arcos torales. Esta bóveda tiene una iluminación rasante por lunetos que crean una perspectiva que nos guía la mirada hacia el presbiterio. Allí esta colocado un templete de mármoles de colores, rematado en ángeles, que fue construido en Génova.

LA FACHADA PRINCIPAL

Destaca junto a la puerta principal la torre cuadrada, maciza, que ayuda a equilibrar el frontón de remate de la portada principal. Pero lo verdaderamente importante es la portada principal que está ornamentada con columnas salomónicas y una abigarrada decoración de frutos, cariátides y niños juguetones sobre los que destaca la hornacina dedicada al tema de la Asunción de María. Son también particularmente interesantes las distintas portadas que tiene la iglesia. Aparte de la fachada principal O Portal Mayor, que mira a poniente, está la de San Agatángelo y la del Órgano, al norte, y la de San Juan al sur. También existen unas puertas menores que comunican con el vestíbulo de la sacristía y con la capilla de la comunión.

LA BASÍLICA DE SANTA MARÍA: ESCENARIO DEL MISTERI D’ELX

Convendría destacar que en la iglesia de Santa María de la Asunción tiene lugar cada año la representación de La Festa o Misteri d’ Elx, drama sacro lírico totalmente cantado que se divide en dos actos. El día 14 de agosto se representa la Vespra que se refiere a la muerte de la virgen María, y el día 15, la festa que desarrolla la Ascensión de la Virgen y su coronación por la Santísima Trinidad. El Misteri d’ ElX debe llamarse la Festa, puesto que la palabra Misterio alude a las medievales representaciones que tenían lugar en los atrios e interiores de las iglesias y que desaparecieron con el Concilio de Trento. Es una ópera singular, cuyo texto en verso está escrito en valenciano antiguo. El consueta o libro que contiene la música y el canto se conserva en la cuidad de Elche como una joya de la cultura valenciana. La representación tiene lugar a mediados de agosto y por su tramoya, escenografía y pureza de voces de niños y adultos resulta la manifestación más genuina del arte popular del medioevo español.

LA PINTURA BARROCA: PROPUESTA DE ACTIVIDADES

La ronda de noche, de Rembrandt

Con el fin de profundizar en el conocimiento de la printura barroca, sobre todo en la corriente o tendencia realista, os propongo la realización del comentario de una de las obras Rembrandt.

LA PARTE POR EL TODO 25

Prendimiento de Cristo
Autor: Caravaggio. (1598-99 ). Óleo sobre lienzo
dimensiones:134 x 172,5 cm.

¿Quién emerge de entre las sombras? Indaga sobre esta sorprendente pintura y hallarás la luz! Observa el gesto, rostro y actitud de los personajes. Y no olvides el brillo de la armadura...

El lienzo que ahora vemos ha sido discutido como obra autógrafa de Caravaggio. Pero parece demostrado que de las numerosas copias que existen del mismo, éste es el auténtico. Hemos de lamentar la parte del lienzo que falta a la izquierda, lo que provoca un corte abrupto en la estructura de los personajes, aunque potencia el sentido traumático de la composición. El tema narra la detención de Cristo tras la noche de oración en el Huerto de los Olivos. El punto central de la acción se encuentra en los dos rostros de Jesús y Judas, unidos por el beso de la traición. Cristo está pálido, con los ojos caídos y las manos juntas, consciente del destino que le aguarda. Judas resulta inquietante: abraza al maestro de manera artificiosa, sus brazos parecen demasiado cortos, y su mirada está absorta, sin atreverse a mirar al rostro del delatado. Todas las figuras convergen hacia este punto en una blanda línea curvada que tiende sin violencia hacia los protagonistas, que parecen serlo a pesar suyo.
fuente: ARTEHISTORIA.

LA PARTE POR EL TODO 24

EL RAPTO DE PROSERPINA. Bernini (1621-22). Mármol blanco.

Ya hemos (bueno, habéis) hecho el examen sobre el arte del Renacimiento... supongo que habréis descansado un poco (no demasiado, ya que supongo que aún tenéis que lidiar con algún examen más...) y que, tal vez, buscando un locus amoenus os dejéis caer por aquí. Si así fuera, agarraos bien a la silla pues, por todos los dioses!, la piedra se ha hecho carne!
¿Quién es este mago? ¿De qué obra es este carnoso recorte? ¿Qué o a quién representa? Anda, date una vuelta y comenta las características estilísticas de esta poderosa obra.

Así es, escasos merodeadores de esta apasionante obra. Bernini demostró, a pesar de su juventud, una extraordinaria capacidad técnica. Había aprendido ya lo suficiente de las obras y el espíritu del maestro Miguel Ángel; como él, también era capaz de convertir el frío mármol en palpitante piel, tendones, venas... pero llegó más lejos que el florentino. Lo que en Miguel Ángel era contención y mesura, en Bernini estalla en todas las direcciones como una granada. Si Miguel Ángel expresa la rabia, la ira o la tensión oprimiendo nuestra mirada con la energía contenida de sus gigantes (David, Moisés), Bernini despliega esa misma energía y la hace vibrar ante nosotros. El movimiento de los cuerpos se convierte, en él, en coreografía de los sentimientos, los afecti; en inmenso y teatral despliegue de emociones, gestos, calidades táctiles... la potencia convertida en acto, la captación de un instante fugaz pero intenso, que atrapa nuestro sentidos. En esta obra se sintetizan siglos de evolución escultórica: la perfección anatómica del clasicismo, tanto el antiguo como el renacentista, y el phatos del helenismo, de la mano de esta agitada composición serpertina, de clara inspiración manierista.
Los ideales que habían fundamentado el Renacimiento están en crisis, la vieja Europa está cambiando... y, como otras veces, esta mudanza de los tiempos también se refleja en el arte que, de forma tal vez no deliberada, se convierte en el espejo de un mundo en ebullición. No dejéis de admirar esta conmovedora obra: la bella y la bestia, el viejo mito reinterpretado con cincel exquisito por este otro genio de la escultura que fue Bernini.

LA PARTE POR EL TODO 23

San Carlo alle quatre fontane, Roma. 1634-1641. Francesco Castelli, Borromini

¿Qué está pasando con la arquitectura? ¿Qué loco arquitecto se atrevería a ondular las fachada de una iglesia de esta manera? ¿Qué novedades introdujo en sus creaciones?
Ya sabes que el manierismo supuso un progresivo alejamiento de los ideales clásicos de armonía y perfección, pero esto... parece demasiado ¿no te parece? Sigue la pista de esta recoleta fachada y descubrirás uno de los edificios más sorprendentes de la arquitectura de todos los tiempos. Además, conocerás al Picasso de la arquitectura, ahí es nada!

¡Yo no he venido al mundo a copiar las columnas del Coliseo!

Este podría ser el grito de guerra de este genial arquitecto italiano. Proyecto muchó y construyó poco. Su estilo era tan atrevido y rompedor para su época, que todavia hoy algunas de sus creaciones siguen resultando perturbadoras. No fue entendido por sus contemporáneos, que vieron en él una amenaza de lo que se tenía por buen gusto y corrección arquitectónica. ¡Cuánto debió de sufrir este genio de la arquitectura! Pasear por Roma es toda una experiencia para los sentidos, pero descubrir agazapada en una esquina esta pequeña iglesia es toda una maravilla. Su fachada ondulante se desliza ante nuestros ojos como si la piedra, siempre tan inerte, fuese plastilina. El viejo y venerable vocabulario clásico se conforma en la mente de este arquitecto como una nueva sintaxis. Los entablamentos, las columnas, el sentido de la proporción, todo ha cambiado y, sin embargo, hay algo familiar y cercano en esta fachada. Cuando entramos en la iglesia el espacio se dilata y amplía ante nuestros ojos, las paredes se ondulan, la luz blanquecina que se filtra por la cúpula de extrañas formas se refleja en las blancas paredes y se expande. Miramos hacia lo alto y nos sorprende esa curiosa forma que cubre la única nave, su orgánica y misteriosa configuración. Todo parece arbitrario y caprichoso, pero en realidad es engañoso... la complejidad de los cálculos matemáticos y de las formas geométricas que este espacio contiene todavia nos asombran hoy.
Borromini se quitará la vida en un pasional arrebato, harto de la incomprensión de sus contemporáneos y de que Bernini se llevase toda la gloria, pero su obra permanece como la expresión de un genio atormentado y rompedor.

LA PARTE POR EL TODO 27

¿A quién corresponde tan penetrante mirada? ¿Quién pintó este retrato? No te dejes intimidar por esos ojos y busca, seguro que hallarás al personaje y, lo que es más importante, al autor. No olvides comentar las peripecias del mismo y la singularidad de su técnica.

En efecto, estimados navegantes... esa mirada, esos ojos, esa nariz, sólo podían ser los del papa Inocencio X, que Velázquez retratara en su segundo viaje a Roma. Demasiado verdadero, como algunos habéis mencionado. Qué magnífica lección de pintura: rojo sobre rojo en sus infinitos matices. Os dejo con la pintura, que siempre será más elocuente que cualquier cosa que digamos sobre ella.

LA PARTE POR EL TODO 22

El Expolio. Sacristía de la catedral de Toledo .
Óleo sobre (165 x 99 cm). El Greco

¿Quién es este doliente hombre? ¿De qué obra forma parte? ¿Quién lo pintó?
Será mejor que agudices vista e ingenio, pues aún viniendo de lejanas tierras, supo hacerse un hueco entre la exigente clientela de la ciudad en la que se instaló. No estaría de más que explicaras aquellas características que singularizan su estilo y lo convierten en uno de los grandes de la pintura de todos los tiempos.

Así es. No resultaba difícil identificar este recorte, ya que la intensidad del rojo carmín y la mirada mística y sobrenatural del personaje, delataban a su autor, El Greco. El tema, tal y como lo interpeta este pintor, ofrece algunas singularidades; la primera: el no inspirarse directamente en ninguno de los Evangelios, al menos en los canónicos; la segunda: el inusitado contraste entre la intensidad del rojo de la túnica o hábito de Jesús, y el abigarrado conjunto de personajes que lo rodean, en el que predominan los colores oscuros. El asunto representado muestra un momento del Via Crucis (el camino que Jesús debió de seguir hasta llegar al monte del calvario, donde sería crucificado), en el que Jesús está a punto de ser despojado del hábito que crubre su cuerpo por la multitud que lo sigue y jalea.

La composición es de gran complejidad, pues la figura de Cristo adopta una forma romboidal y se sitúa en el centro del lienzo; no obsttante, es posible observar otras formas: partiendo de la parte inferior del cuadro observamos a la izquierda las tres Marías y a la derecha un hombre que está trabajando sobre el madero en el que habrá de ser crucificado Jesús; este conjunto de figuras, que destaca por su colorido, forma un triángulo que deja la parte lateral y superior en un plano secundario y oscurecido, con lo que se subraya la sensación de profundidad y agobio que el autor pretende expresar. Las figuras de la parte superior se arremolinan a las espaldas de Cristo, alargando brazos y manos para hacerse con la túnica. Las figuras se alargan como llamas, Jesús parece flotar en medio de esta multitud que lo empuja hacia el calvario. El soldado de la izquierda, vestido a la manera del s. XVI, representaría al romano que lo custodia. Si nos fijamos en su armadura, veremos el reflejo rojizo de la túnica sobre el metal bruñido. Las tres Marías miran el madero, anticipando el sacrificio.
La sensación de agobio, de angustia, es absoluta. Pero en medio de esta turba vociferante y gesticulante, hay que detacar el rostro sereno de Cristo, que lleva su mano derecha hasta su pecho en señal de aceptación de su propia muerte. En la parte superior del cuadro, más lejos del espectador, se abre un cielo azul grisáceo que anuncia tormenta y que apenas se divisa a través de las lanzas de los soldados que se mezclan con la multitud.
El Greco consigue transmitirnos con una especial fuerza dramática, este momento del Via Crucis. Es una pintura para la devoción, que expresa una piedad popular alejada de todo adorno. El rojo del hábito que ocupa la parte central del lienzo destaca por su intenso cromatismo, pero también por los pliegues que genera el movimiento del cuerpo de Jesús y las sombras. Es, además, el rojo de la sangre y de la pasión. El amarillo ácido de los personajes inferiores es el contrapunto necesario de la obra. Estamos, pues, ante uno de los mejores exponentes del estilo manierista de este pintor de origen griego que supo trasladar la riqueza cromática de la escuela veneciana a la España contrarreformista de finales del s. XVI. Un pintor que, además, adoptará el lengujae agitado y nervioso de Tintoreto, su pasión por las composiciones complejas y llenas de figuras, además de la grandiosidad expresiva de Miguel Ángel. Un evidente anticipo de corrientes mucho más modernas, como el expresionismo del s. XX (que tanto hizo por la revalorización de este pintor).

LA ESCULTURA ESPAÑOLA DEL RENACIMIENTO: PROPUESTA DE ACTIVIDADES.

Sacrificio de Isaac. retablo de San Benito. Alonso Berruguete. Madera policromada.

Detalle de la obra anterior.

Propuesta de análisis:
A partir de las características de la escultura española del Renacimiento, realiza el ANÁLISIS DE LA OBRA del autor Alonso Berruguete, "El sacrificio de Isaac".