VERSIÓN ANIMADA Y MUSICADA DEL JARDÍN DE LAS DELICIAS DE EL BOSCO

Aunque hace ya algunas semanas que examinamos la obra de El Bosco, un estimado colega y amigo me ha recomendado el video que hoy os propongo en este post. Se trata de una versión animada de la tabla que representa el infierno en el famoso tríptico del pintor holandés; como no podía ser de otra manera, la música que lo "acompaña" es una infernal composición de rock metalero sólo apto para verdaderos amantes de los ángeles del infierno. El guitarrista del sombrero del Kentucky Fried Chicken, que durante un tiempo acompañó a Axl Rose en su esperpéntica aventura, es el culpable de esta mini obra maestra del género videomusical (comentario gentileza de: http://www.elzo-meridianos.blogspot.com/2008/01/el-jardn-de-las-delicias-versin-rock.html).
Que lo disfruten.

EL PARAISO DE TINTORETTO, VUELVE A CASA

 Tintoretto. El Paraíso, c. 1588. 

Óleo sobre lienzo. 169,5 x 494 cm. Museo Thyssen- Bornemisza

El Paraíso’ de Tintoretto vuelve a casa

Tras casi dos años de restauración el lienzo del genio veneciano vuelve a su emplazamiento habitual en el museo Thyssen

• La restauración de un gigante

El Paraíso, espectacular lienzo con el que Tintoretto quiso rivalizar con la mismísima capilla Sixtina de Miguel Ángel, ha regresado esta mañana a su emplazamiento habitual, al final de la galería que da entrada alMuseo Thyssen en Madrid, tras una restauración de casi dos años, subvencionada por el proyecto de conservación de arte de Bank of America Merril Lynch.

En una operación de tintes cinematográficos, el equipo de brigadas de la pinacoteca ha trasladado el enorme cuadro ante la vista de un nutrido grupo de periodistas y empleados del centro. Están ciertamente poco acostumbrados a trabajar con público, pero esta vez era distinta. Después de todo, la última fase de la restauración (la más artesanal, la que llega tras las radiografías, las fotografías y reflectografías infrarrojas y los análisis químicos) se ha practicado a la vista de los visitantes.

(...)

Si quieres seguir leyendo, haz clic aquí: (enlace al diario EL PAIS)

http://cultura.elpais.com/cultura/2013/03/04/actualidad/1362400819_603564.html

HISTORIA DE LAS DOS GIOCONDAS

Excelente artículo en el diario EL PAÍS sobre la Gioconda de Leonardo da Vinci y la copia atribuida a uno de sus discípulos. La reciente restauración de esta última, por técnicos del Museo del Prado, de cara a una exhibición conjunta en el Louvre en el mes de marzo, ha reabierto la polémica sobre el estado actual de la obra de Leonardo. El artículo contiene una fantástica aplicación para explorar las diferencias entre ambas obras. Si te interesa la noticia y todo lo que hay detrás de esta  misteriosa obra, haz clic en el siguiente enlace:

http://cultura.elpais.com/cultura/2012/02/19/actualidad/1329682980_425598.html

JOSÉ RIBERA (1591-1652). EXPOSICIÓN EN EL MUSEO DEL PRADO DE OBRAS DE SU ETAPA DE JUVENTUD.

La negación de San Pedro. José de Ribera.

El martirio de San Lorenzo (1615). José de Ribera.

Una mujer contempla el cuadro "Susana y los viejos", de José de Ribera.

El Museo del Prado celebra los nuevos hallazgos sobre la obra temprana del valenciano José de Ribera (Játiva, 1591-Nápoles, 1652). en la muestra, El joven Ribera, donde se reúnen por primera vez algunas obras primerizas del artista. La exposición se inaugurá el 5 de abril y exhibe 32 obras, entre las cuales destacan La negación de San Pedro o La resurrección de Lázaro, adquirida por el Prado en 2002, y obra clave en la reconstrucción de la actividad pictórica de Ribera, uno de los máximos exponentes en el desarrollo y difusión del arte de Caravaggio.

Muchas de las obras que se exhiben han sido recientemente atribuidas al pintor valenciano, poniendo fin a siglos de dudosas atribuciones a pintores existentes o inexistentes. La importancia de Ribera, conocido como el Espagnoleto, en la difusión del tenebrismo en la España del s. XVII es incuestionable. Su apuesta por hombres y mujeres reales, de carne y hueso, procedentes del mundo popular, suponen un revulsivo en el amanerado ambiente de la pintura manierista de finales del s. XVI. La crudeza de sus imágenes y la potencia expresiva de sus figuras, desprovistas de la retórica clasicista, son un elocuente relato de la nueva sensibilidad religiosa del catolicismo contrarreformista. Son sencillas y, en ocasiones, tremebundas, pero siempre sinceras. La fealdad, la pobreza, la vejez, el sufrimiento, son sólo aspectos derivados de la necesidad de representar con extrema honestidad el tema piadoso. El pueblo se verá mejor reflejado en estos mártires y santos, en estos apóstoles, que resultarían más cercanos por su aspecto rudimentario a los hombres rudos y mujeres sencillas que buscaban el consuelo en el interior de las iglesias, a la luz de las velas. Todavia hoy nos conmueve el elocuente silencio de estas rotundas imágenes que emergen de las tinieblas del lienzo como una llamarada de luz y de color. La exposición servirá pues para constatar, una vez más, que Ribera es digno de figurar, con todos los honores, al lado del genial Caravaggio.

Ahora que ya habéis hecho el examen sobre el arte medieval, tal vez os apetezca ( es un decir) echar un vistazo a este artículo del diario EL PAÍS, en el que se hace referencia a una exposición sobre el arte románico catalán.

Así empieza el artículo:
"Un joven arrodillado está siendo apedreado por tres hombres con cara de venganza. La imagen, que recuerda a una escena de cómic, es una pintura al fresco trasladada al óleo del siglo XII que reproduce la lapidación de san Esteban, el primer mártir cristiano. Procedente de la iglesia parroquial de Sant Joan de Boí, se conserva en el Museo de Arte de Cataluña (MNAC), pero ahora recibe a los visitantes de la exposición El esplendor del románico, que hasta el 15 de mayo puede verse en la Fundación Mapfre de Madrid (Recoletos, 23). Junto a ella, otras 58 obras románicas del MNAC, buena parte de las perlas de su colección, que han viajado a la capital coincidiendo con la remodelación de las salas de este periodo que precisamente financia Mapfre con 900.000 euros."

Si te interesa, visita esta página:

http://www.elpais.com/articulo/cataluna/Madrid/ve/romanico/catalan/elpepiespcat/20110209elpcat_13/Tes

LA ALHAMBRA QUE FASCINÓ A MATISSE

Informe Semanal: La Alhambra que fascinó a Matisse

Henri Matisse visió la Alhambra en diciembre de 1910; el programa de televisión española, Informe Semanal, se hace eco de esa visita y de la exposición que, sobre el influjo que ésta tuvo en la obra del genial pintor francés, se exhibe en el palacio de Carlos V, allí mismo...

JOAN MIRÓ REGRESA AL RIJKSMUSEUM

El museo holandés confronta los tres 'Interiores holandeses' del pintor con las obras del XVII que los inspiraron - Proceden del Metropolitan, MOMA y Guggenheim de Venecia.

Joan Miró (1893-1983) vuelve a Ámsterdam, en una suerte de eterno retorno al lugar de su inspiración. Paradójicamente, entre sus colegas de cabecera figuraron dos maestros holandeses del Siglo de Oro: se llamaban Jan Steen y Hendrick Sorgh y su especialidad era el costumbrismo de precisión fotográfica.

Si te interesa el artículo, puedes leerlo entero haciendo clic sobre el título de la entrada.

ENTREVISTA A RENZO PIANO

El Centro Georges Pompidou, en París, es una de las obras más reconocibles del arquitecto italiano Renzo Piano (Génova, 1937). Con una estructura tubular, alberga el Museo Nacional de Arte Moderno, una biblioteca y el centro de investigación musical IRCAM.

Se está celebrando en Pamplona un congreso de arquitectura con el sugerente título de "Más por Menos" (parafraseando la famosa máxima de la arquitectura funcionalista del s. XX, "Menos es más"). Renzo Piano, arquitecto italiano que ya ha recibido el prestigioso premio Pritzker (el equivalente al Nobel, para entendernos), ha sido entrevistado por el diario EL PAÍS (entrevista que se publica en la edición de hoy). Me ha llamado la atención poderosamente la frase entrecomillada con la que se invita a los lectores a leer la entrevista; la frase dice así: "ME COSTÓ APRENDER QUE EL ARTE MEJORA A LA GENTE".

Me ha parecido muy interesante una de sus respuestas (no importa la pregunta):
"La arquitectura es a la vez el arte de hacer edificios sólidos y permanentes para la gente y el arte de soñar con mejores ciudades. Las ciudades y los edificios deben entender a la gente, si no, son fallidos. Pero hay más. Yo aprendí tarde que el objetivo de la arquitectura es el arte."
¿No es fantástica esta visión de la arquitectura?

Si te interesa, puedes leerla en el siguiente enlace:
http://www.elpais.com/articulo/cultura/costo/aprender/arte/mejora/gente/elpepicul/20100610elpepicul_4/Tes

SOROLLA Y SU "VISIÓN DE ESPAÑA"

Sorolla Y El Impresionismo

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Estas navidades he podido visitar la exposición que Bancaja ha montado en su Centro Cultural en Valencia, de las colecciones que la Hispanic Society of America de N. York tiene de Sorolla (además de algunas obras de los fondos de la propia entidad). La exposición es espectacular, y no sólo por el carácter monumental de los frisos realizados por el pintor valenciano, sino por la calidad de la obra expuesta. La riqueza de una pincelada capaz de sintetizar con trazos enérgicos la calidad de la luz mediterránea, su restallante blancura. O el brillo acuático de la piel bañada por la luz del atardecer, cuando los niños retozan sobre la arena de las playas de la Malvarrosa... Nada deja indiferente a unos visitantes que contemplan impresionados las estampas de una España tópica y, afortunadamente, ya anacrónica en su impostada pose folclórica. Yo me quedo con el talento de Sorolla para recrear la atmósfera que envuelve a unos personajes, ya tópicos, concebidos (y representados tras laboriosos apuntes del natural, documentados muchas veces con fotografías) para "decorar" los muros de tan venerable institución norteamericana. Queda, no obstante, la grandeza de un esfuerzo titánico, casi miguelangelesco, en estos colosales paneles.
La continua afluencia de público ha hecho que Bancaja decida prorrogar la exposición, si tienes tiempo... no lo dudes y date una vuelta por Valencia.

Nota: para los ilicitanos amantes del palmeral, Sorolla pintó un hermoso panel. En este cuadro destaca la luz dorada, entreverada de sombras, que impregna una idílica escena en el interior de un huerto de palmeras (el cuadro muestra el palmeral de Elche, pero Sorolla captó la instantánea en el huerto de la Cruz, de la vecina Alicante; no obstante, se desplazó hasta Elche para captar toda la riqueza cromática de los dátiles ya maduros).

LA MUJER, EL ROSTRO DEL ARTE

Philip Scott Johnson 500 Years of Female Portraits in Western Art Music: Bach's Sarabande from Suite for Solo Cello No. 1 in G Major, BWV 1007 performed by Yo-Yo Ma Nominated as Most Creativ... que lo disfrutéis!

EL BARROCO ESPAÑOL ESTREMECE A LOS BRITÁNICOS

La National Gallery de Londres exhibe algunas obras maestras de la escultura y la pintura barroca española, en una exposición (The Making of a Spanish Polychrome Sculpture)
que ha impresionado a los críticos y a la opinión pública británica. El desgarro hiperrealista de algunas de las obras exhibidas, así como la abundancia de sangre y carne desollada, choca frontalmente con la contenida expresividad espiritual del mundo anglosajón, poco dado a estas explosiones. Extraña en aquellas latitudes la intensidad dramática de unas imágenes que, más allá de su vocación estética, siguen siendo iconos religiosos concebidos en su día para emocionar y conmover a un público devoto y fervoroso. Aún hoy muchas de estas imágenes siguen saliendo en procesión a hombros de los miembros de las cofradías que, en la Semana Santa española y católica, escenifican el fervor católico de la Contrarreforma. No son imágenes artísticas, o no sólo, sino, sobre todo, imágenes de la fe. La carne desgarrada, surcada por profundos regueros de sangre; la mirada encendida y el gesto sumiso ante el sufrimiento; la soledad ascética de un santo...

Nosotros aún no hemos llegado a esta etapa de la historia del arte, pero si te interesa conocer algo más y mejor lo que hay detrás de estas imágenes, puedes visitar la National Gallery en este enlace:

http://www.nationalgallery.org.uk/whats-on/exhibitions/making-of-a-spanish-polychrome-sculpture

O visitar en slideshare la presentación correspondiente a la escultura barroca española:

LA ESCULTURA BARROCA ESPAÑOLA

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LAS LÁGRIMAS DE EROS

La muerte de Cleopatra , de Jean-André Rixens (1879)
Tipo:Óleo sobre lienzo - Medidas: 195 x 286 cm - Úbicacion: Musée des Augustins, Toulouse

"Eros y Tanatos, pulsión de vida y pulsión de muerte. La relación entre estos dos elementos en una exposición temática que recorre como el arte, ya sea pictórico, fotográfico o escultórico, se ha acercado al mundo del erotismo. Con el ojo puesto en Georges Bataille y su obra 'El erotismo', esta exposición le hará reconsiderar conceptos como el de orgasmo, el amor o el tabú en un recorrido tan intenso como sensual. Atrévase"

Así nos invita el Museo Thyssen de Madrid a visitar su exposición sobre el erotismo en el arte. Si no puedes ir a Madrid, al menos puedes visitar el siguiente enlace:
http://www.elpais.com/especial/museo-thyssen/lagrimas-de-eros.html

o en el propio museo, este otro:
http://www.museothyssen.org/microsites/exposiciones/2009/Lagrimas-de-Eros/fundacion3.html

LA LUZ DE SOROLLA INUNDA EL MUSEO DEL PRADO

El Museo del Prado presenta desde el lunes 25 de mayo la mayor exposición antológica dedicada hasta la fecha a Joaquín Sorolla, gran maestro de la pintura española del siglo XIX. Más de un centenar de pinturas, incluidas las de los 14 paneles de Visión de España, que ya estuvieron por Valencia el año pasado. (http://www.elpais.com/fotogaleria/luz/Sorolla/inunda/Prado/6495-1/elpgal/)

Un poco de historia:

Nace en Valencia en 1863. En la Escuela de Bellas Artes (1878-1881) recibe una formación académica. Empieza a pintar al aire libre animado por uno de sus profesores, Gonzalo Salvá, y después por el pintor Ignacio Pinazo Camarlench. En 1884 obtiene una segunda medalla en la Exposición Nacional de Bellas Artes y obtiene una pensión en Italia de la Diputación Provincial de Valencia. En 1885 va a Roma y desde allí a París, donde entra en contacto con el naturalismo. De regreso a Roma, comienza a viajar por distintas ciudades italianas, tomando pequeñas notas de color. En 1887 se instala en Asís y allí empieza a hacer escenas de ambiente valenciano bajo la influencia de José Benlliure y Gil. Es el inicio de su costumbrismo, que repercutirá en gran medida en su futura obra.

En 1888 contrae matrimonio con Clotilde García del Castillo.

Consolidación

En 1889 vuelve a París para ver la Exposición Universal: allí descubre a los pintores nórdicos y su peculiar tratamiento de la luz, en el que él basará su propia versión del luminismo: se abre su etapa de consolidación. Su paleta va cobrando nuevos matices en su esfuerzo por plasmar la luz. Surgen nuevas temáticas, como el costumbrismo marinero, el que trata de las gentes del mar, o el realismo social, demandado en los certámenes oficiales. Con el primero conseguirá su primer éxito internacional con La vuelta de la pesca en 1895, con el segundo varias medallas en la Nacionales de 1892, 1895 y 1901, en esta última con una Medalla de Honor.

En 1900 obtiene el Grand Prix de los pabellones español y lusitano en la Exposición Universal de París. Se inicia su etapa de culminación, la del Sorolla más brillante, cuyas grandes dotes perceptivas y veloz ejecución producen sus mejores obras, donde la luz es el interés dominante. Sus constantes desplazamientos a París le hacen conocer las distintas vanguardias, que experimenta en sus obras. Surgen los "ismos" en su pintura, siempre a modo de experimentación en su búsqueda por captar la luz. Hace retratos que le producen grandes ingresos, y se interesa por el paisaje, viajando por distintas regiones españolas para recoger sus distintas matizaciones. Sigue cultivando su costumbrismo marinero, del que derivan desde 1904 sus temas de playa, lo más reconocido de su producción, e inicia a partir de 1907 sus estudios de jardines, fundamentalmente en Andalucía.

En este periodo expone individualmente en varias ciudades de Europa y de Estados Unidos: en 1906 en París, al año siguiente en Berlín, Düsseldorf y Colonia; en 1908 en Londres y un año más tarde en Nueva York, Buffalo y Boston. Concluyen estas exposiciones en Chicago y Saint-Louis el año 1911, con un gran éxito en París y clamoroso en Nueva York.

Fuente: Museo Sorolla.

Para conocer mejor la obra de Sorolla, clic al Museo sorolla: http://museosorolla.mcu.es/

O mira esta presentación:

Sorolla Y El Impresionismo

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LA FUENTE DE TODA LUZ... LA ESTRELLA SOLAR

Sin título (1949)

Descripción: Óleo sobre lienzo. 207 x 167,6 cm.
Localización: Guggenheim Museum. Nueva York
Autor: Mark Rothko

La silueta del transbordador 'Atlantis' recortada contra el Sol en una imagen tomada desde la Tierra- NASA / THIERRY LEGALUT

El transbordador Atlantis fue fotografiado desde la Tierra el pasado 12 de mayo cuando se cruzó por delante del Sol respecto a la Tierra en su trayectoria hacia el telescopio espacial Hubble. La silueta de la nave se aprecia perfectamente a contraluz sobre el fondo amarillo de la estrella en las imágenes presentadas ahora por la NASA.
El Atlantis, en órbita terrestre a 560 kilómetros de altura y a 28.000 kilómetros sobre la superficie de la Tierra, fue fotografiado con una cámara Canon 5D Mark II y un telescopio de 12 centímetros de diámetro utilizando un filtro solar. La nave mide 37 metros de longitud y 24 de envergadura.
Fuente: diario EL PAÍS, lunes 18 de mayo de 2009

Me ha impresionado la imagen por su sencillez y limpieza. El sol, fuente de luz y de calor para la Tierra, aparece como una extensa y refulgente llanura amarilla. Si no fuera por la diminuta silueta de la nave que se recorta contra la mancha, casi diríamos que estamos frente a uno de esos campos cromáticos de Mark Rothko.

LA BELLEZA DEL CUERPO HUMANO

El MARQ (Museo Arqueológico Provincial de Alicante), en colaboración con el British Museum, acaba de inaugurar una exposición con el título de:
LA BELLEZA DEL CUERPO HUMANO, ARTE Y PENSAMIENTO EN LA GRECIA ANTIGUA.

La exposición contiene algunas muestras de la escultura y cerámica griega antigua y destaca, en especial, la obra conocida como el DISCÓBOLO o lanzador de disco. Se trata de una copia de época romana, en mármol, de un original griego en bronce del escultor de la época clásica griega (s V a. de C.) Mirón. Es una buena oportunidad para conocer de primera mano algunos exquisitos ejemplos del arte griego de la Antigüedad, en un contexto en el que se trata de realzar la importancia del cuerpo humano como paradigma de un cierto ideal de belleza y sabiduria.

Del discóbolo existen diversas copias, no todas de igual calidad; la que se exhibe en esta exposición es una copia romana del siglo II que, como todas ha sido restaurada. La escultura, aunque exenta, ha sido concebida para ser contemplada desde un único punto de vista, siguiendo ciertas pautas de representación que consiguen producir el efecto de equilibrio y armonía visual, a pesar del movimiento que contienen. La escultura representa a un joven atleta en el momento de lanzar el disco. Su cuerpo y extremidades están en tensión, ofreciendo un sobrio tratamiento anatómico ya que los músculos todavia resultan algo planos. La disposición de los brazos y las piernas describen una serie de semicírculos perfectos que, junto con la esfera de la cabeza, representan la perfecta geometría compositiva, necesaria para conseguir una representación equilibrada y armoniosa del cuerpo humano. El rostro, que en la copia que se exhibe aparece mirando al frente, debería estar girado hacia atrás, mirando hacia el disco que se dispone a lanzar. La tensión y el esfuerzo físico, no obstante, no se reflejan en el rostro que, como solía ser habitual en la época clásica, no debía reflejar emoción alguna, sino una profunda serenidad de ánimo. La obra de Mirón, perdida al haber sido realizada en bronce, forma parte de las obras que hicieron posible la transición al clasicismo pleno. en esta época la representación del cuerpo humano alcanza la perfección siguiendo el canon de proporción establecido por Polícleto, reflejo, a su vez, de la belleza ideal de raíz platónica. Belleza física y equilibrio espiritual se convierten en el s. V a. de C., en la encarnación de un ciudadano ideal, virtuoso y bello a la vez.

Si deseas visitar la exposición, puedes visitar antes la página web del museo:

http://www.marqalicante.com/bellezadelcuerpo/discobolo.php

Y , si quieres profundizar y documentar tu visita, puedes también recorrer la siguiente presentación:

La Escultura Griega El Clasicismo

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Google ofrece una visión única de 14 obras del Museo del Prado

No hay nada que supere la contemplación de una obra de arte en directo, pero nunca hasta ahora se ha podido admirar con este altísimo nivel de detalle los 14 cuadros del Museo del Prado que acaban de ser incorporados a Google Earth. El jardín de las Delicias, Las Tres Gracias o El Caballero de la Mano en el Pecho pueden ser observados con una calidad microscópica que permite hasta ver las costuras de la restauración del lienzo de Las Meninas...... así empezaba la crónica del diario EL PAÍS, haciéndose eco de esta maravillosa herramienta de observación y deleite artístico.
Si te gusta la pintura y jamás has traspasado la línea que te separa de las grandes obras maestras para pegar la nariz al lienzo, ahora es tu momento...

EL ARTE Y LA GUERRA O EL ARTE CONTRA LA GUERRA

Siguiendo con la inogatoble pregunta sobre ¿Qué es el arte? (que nos acompañará durante todo el curso y más allá...), hoy el diario EL PAÍS (ya habréis adivinado que es mi periódico de cabecera) publica un amplio reportaje sobre la capacidad que la imagen (el artista) tiene, ha tenido, para entablar un discurso crítico sobre la guerra a lo largo de la historia. Creer, como muchos creen, que el arte sólo puede vincularse a la belleza y al placer estético que pueda producir su contemplación o disfrute, es desconocer que el mal también existe sobre la Tierra.
La idea platónica del bien identificado con la belleza y ésta encarnación ideal de la perfección, hace tiempo, tal vez siglos, que saltó hecha pedazos. ¡Pobres griegos! si levantaran la cabeza... Bueno, no voy a enrollarme yo, porque lo que quiero es que leáis, si os resulta interesante, el reportaje...LA PRUEBA DE LA GUERRA

Empieza de esta manera:

El 16 de septiembre de 2001, es decir, cinco días después de los atentados de Nueva York y Washington, el compositor alemán Karlheinz Stockhausen dijo, en una conferencia de prensa en Hamburgo, que "lo ocurrido es, por supuesto -deben entender correctamente esto-, la más grande obra de arte jamás hecha". Sus palabras fueron un estruendo en el clima de duelo imperante. Pocos días después, Stockhausen quiso precisar sus declaraciones en un mensaje a la prensa: "En mi obra yo he definido a Lucifer como el espíritu cósmico de la rebelión, de la anarquía. (...) Después de algunas preguntas sobre los sucesos de América, dije que como plan parece ser la mayor obra de arte de Lucifer". Stockhausen hacía pedazos la idea de que el arte está en armonía con el bien y con la belleza. El mal puede producir una obra de arte, nos decía Stockhausen, escudándose en la figura de Lucifer.

Si quieres seguir leyendo, haz clic en este enlace:
http://www.elpais.com/articulo/semana/prueba/guerra/elpepuculbab/20080927elpbabese_3/Tes

El reportaje tiene dos partes, la segunda aborda el compromiso del artista frente a la guerra y se titula ARTISTAS EN COMBATE.

Para los que viajan o viven en otros lugares, ahí van unos enlaces a exposiciones relacionadas con estos temas:
Del 7 de octubre al 11 de enero de 2009. www.museothyssen.org/ y www.fundacioncajamadrid.es

This is War! Robert Capa at Work and Gerda Taro.

Barbican Gallery de Londres.

www.barbican.org.uk

Cold War Modern Design. 1945-1970.

Victoria & Albert Museum de Londres.

www.vam.ac.uk

¡1914! La vanguardia y la Gran Guerra. Museo Thyssen-Bornemisza y Fundación Caja Madrid Del 18 de octubre al 25 de enero de 2009. Hasta el 11 de enero de 2009.

Se admiten comentarios

A PROPÓSITO DE LA PREGUNTA ¿QUÉ ES EL ARTE?

En las primeras clases hemos abordado una de las preguntas clásicas de esta materia ¿Qué es el arte?. Tal vez ésta sea la pregunta más difícil que nos podamos plantear a lo largo del curso. Cada época, cada sociedad, cada persona incluso, darían una respuesta distinta, considerarían arte algo que, probablemente, a otros en otro tiempo, les dejaría indifirentes o estupefactos. Si no podemos responder de manera convincente a la pregunta quizás sea porque, en realidad, como señalaba Gombrich, no haya arte sino artistas. Y ahí es donde está la clave de una posible respuesta. Arte será todo aquello que salga de las manos del "artista", de su fecunda imaginación o de su inagotable talento. Entonces, la pregunta puede ser otra: ¿Quién decide quién es artista? ¿Uno mismo? ¿la sociedad? ¿el mercado? ¿los historiadores del arte? ¿los críticos de arte? ¿los poderosos? ¡No parece que esta pregunta tenga tampoco una respuesta sencilla!

El diario EL PAÍS, en su edición de este sábado 20 de septiembre, en su sección EL ACENTO (dedicada a glosar con humor algunos aspectos de la realidad periodística), nos ofrece algunas pistas jugosas para entender mejor la aparente sencillez de estas preguntas.... Puedes leer el contenido de este artículo titulado "¿Quién manda aquí?", en el que se comentan las últimas proezas del que es considerado uno de los artistas más visionarios y "rentables" que existen hoy en día, Damien Hirst; se trata de ese artista, cuyo nombre apareció en clase mencionado por uno de vosotros, que introduce animales en gigantescos envases de formol y luego, ahí está su verdadero talento, los vende.

Si te parece interesante, puedes leer el artículo en el siguiente enlace: http://www.elpais.com/articulo/opinion/Quien/manda/elpepiopi/20080920elpepiopi_3/Tes

Una vez leído el artículo, el debate podemos plantearlo en torno a la cuestión que verdaderamente importa, el artista. Durante siglos los artistas han luchado para que les fuera reconocida la especial naturaleza de su trabajo, de la creación artística. Dejar de ser considerados meros artesanos no es sólo algo relacionado con el ego... Me gustaría conocer vuestra opinión al respecto.
Un saludo

ARTE, ARTISTAS Y MARCAS

Ayer las televisiones de todo el país, y hoy la prensa escrita, se han hecho eco de una "desatribución" artística. Se trata del famoso "El coloso", antes atribuido a Goya y que, tras los análisis y estudios realizados por Manuela Mena, jefa de Conservación de Pintura del siglo XVIII y Goya, del Museo del Prado, queda en entredicho. La argumentación de los expertos sostiene, además, la hipótesis de que este cuadro es en realidad obra de Asensio Juliá, un colaborador de Goya y discípulo al que el propio maestro retrató en alguna ocasión.


Esta pintura, realizada entre 1808 y 1812, muestra a un gigante caminando entre personas que huyen despavoridas, y tradicionalmente se vinculó con las obras de Goya sobre la Guerra de la Independencia. Sin embargo, El Coloso no fue incluido por el Prado en la exposición Goya en tiempos de guerra, inaugurada el pasado mes de abril, y actualmente se exhibe en la sala 66 del museo, junto a otros cuadros del maestro aragonés. La obra siempre ha despertado polémica, ya que por su factura se distanciaba del estilo habitual del maestro. No obstante, uno de los rasgos que mejor definen al Goya maduro es su capacidad para anticiparse estilisticamente, para ofrecernos una lectura distinta de los acontecimientos de su época.
La obra ahora en entredicho siempre fue considerada una alegoría feroz de la guerra, ese coloso que amenazante se cierne sobre una multitud despavorida que huye en todas direcciones, puede verse también en uno de los grabados de Goya. Ahora los expertos, basándose en un análisis de la factura estilística de la obra y de la carencia de una documentación precisa que permita atribuir la obra sin sombra alguna de duda, han optado por atribuirla a un pintor menor que colaboró con Goya en la realización de los frescos de la ermita de San Antonio de la Florida de Madrid. El hallazgo de unas supuestas iniciales "A" "J" en la esquina inferior izquierda, les permite sostener esta hipótesis.
Ahora bien, las preguntas que deberíamos formularnos son otras:
¿Pierde valor artístico la obra por no ser de Goya?
¿Nuestro aprecio por la fuerza expresiva de "El coloso" quedará reducido por este hecho?
¿La "aparente tosca factura" del mismo (rasgo anticipatorio de estilos posteriores), que antes era tan expresiva y prometedora, hoy se vuelve simplemente "incapacidad técnica" del verdadero autor?
Tales preguntas nos colocan ante el espejo de la feria en la que se ha convertido el mundo del arte en la sociedad contemporánea. Goya es, como otros artistas de renombre y fama mundial, una marca antes que un nombre o un artista. La marca Goya, como la marca Picasso, es suficiente para revalorizar de forma automática cualquier obra, por muy escaso mérito técnico o artístico que ésta muestre. Por la misma razón, una obra antes reverenciada y admirada por su fuerza expresiva, hoy corre el risego de ser ninguneada y condenada a las sombras de un almacén. ¿Habrá que cambiar los libros de Historia del Arte?
En el horizonte acechan aquellos que consideran, también, que obras como "La lechera de Burdeos" tampoco son de Goya (¿no era un anticipo del impresionismo?), o que las no menos admiradas "Pinturas negras" son, en realidad, obra del hijo de Goya (¿No eran el anticipo del surrealismo?); en fin, parece que si seguimos despojando al maestro de tantos atributos, corre el riesgo de que su obra quede reducida a la de un "retratista de corte". ¿¡Huy! se me olvidaban los grandes lienzos de historia y las series de grabados.... ¿Habrá una mano oculta que los ponga en entredicho?. Y es que no todos los expertos opinan lo mismo acerca de este fenómeno de las desatribuciones.
Si te interesa esta noticia , puedes consultar en estos enlaces para formar tu propio criterio:

http://www.elpais.com/todo-sobre/persona/Goya/929/

http://www.publico.es/129925/goya/coloso/arte/prado

En todo caso, para mi la obra sigue siendo fascinante y profundamente expresiva, y creo que me da igual que "ahora" no sea de Goya, eso no le resta ni un ápice de su valor artístico, aunque he de reconocer que en una supuesta subasta pública, su valor de mercado caería estrepitosamente, ya que el producto habría sido despojado de su marca.
Un saludo y se admiten comentarios.

TRES DIBUJOS DE GOYA

Nuevas noticias de Goya
Hallados tres dibujos del genio que se 'perdieron' tras una subasta en París en 1877

Se trata de tres dibujos que nos sumergen en la España goyesca; un mundo poblado de personajes pintorescos y costumbres atávicas, de supersticiones y de mucha mala uva. Tanto en sus dibujos como en sus grabados Goya da muestras de un profundo conocimiento de aquella sociedad, así como de una mirada a caballo entre el desprecio y la compasión, la denuncia y la crítica social y de costumbres.

El aguacil Lampiños cosido dentro de un caballo muerto lo dibujó Goya entre 1812 y 1820 y pertenece (como Arrepentimiento) al álbum F, también llamado Imágenes de España. En El aguacil... se lee un texto de su puño y letra que adelanta la intención del pintor: "En Zaragoza, a mediados del siglo pasado, metieron a un aguacil llamado Lampiños en el cuerpo de un rocín muerto y lo cosieron; toda la noche se mantuvo vivo". El tal aguacil era el azote de estudiantes, prostitutas y mujeres guapas en general. Para vengarse lo atraparon y lo cosieron dentro de un caballo (previamente vaciado). Allí aguantó toda la noche vivo. Le dieron la estocada inyectándole cal viva en sus partes nobles. El dibujo de él, ya fallecido, está en el Museo Metropolitano de Nueva York. Lo anterior parece un ejemplo más, tan español, del alguacil alguacilado.

Bajar riñendo es posterior (entre 1819 y 1823) y pertenece al álbum De Brujas y mujeres. Muestra a cuatro mujeres volando y a la vez peleándose.

Para leer más en el diario EL PAÍS:

http://www.elpais.com/articulo/cultura/Nuevas/noticias/Goya/elpepucul/20080527elpepicul_5/Tes