GUIÓN PARA EL ANÁLISIS DE UNA OBRA PICTÓRICA

GUIÓN PARA EL ANÁLISIS DE UNA OBRA PICTÓRICA
Seguiremos el siguiente esquema:

1. Descripción.
· Asunto o tema representado.
· Técnica: fresco, temple, acuarela, óleo, pastel, cera, gouache, collage, grabado….
· Soporte: muro, tabla, lienzo, papel, vidrio…

2. Elementos formales:· Factura: pincelada o toque (corta, acabada, deshecha, suelta, prieta….); textura: tersa, lisa o pastosa, rugosa, mate o brillante. No siempre es posible apreciar la factura en una lámina.
· Línea: existencia o no de líneas y contornos; su intensidad y continuidad; su función: suplir la falta de volumen, ornamental, compositiva…
· Modelado: representación o no de volumen, logrado mediante gradaciones de color o de luz, en contrastes suaves (sfumato) o violentos (claroscuro).
· Luz: Tipo: natural, artificial, de estudio…; procedencia: ambiental (clara, serena…), de un foco concreto (lámpara, sol…), surgida del objeto mismo. Intensidad y contraste con las sombras; función: creación de volumen, apoyo a la perspectiva, valores expresivos…
· Color: gama empleada (fría, cálida) y tonalidades. Su naturaleza (local o simbólico). Relación con la luz y modelado (colores planos o matizados). Función de la obra, protagonista o secundario.
· Perspectiva: desinterés por el espacio y profundidad (características de los fondos); interés por la representación espacial. Tipo de perspectiva utilizada (caballera, lineal, aérea, cubista…). Recursos técnicos (escenarios paisajísticos o arquitectónicos, variedad de planos, uso de la luz, escorzos, cuadraturas…
· Composición: distribución de las figuras (sencilla y clara o compleja); estructura formal (lineal: eje de simetría, diagonal, curva; geométrica: triangular o piramidal, pentagonal…). Movimiento interno (composición dinámica o estática). Valor expresivo de la composición. Posible originalidad.

3. Formas de expresión.Aplicaremos los mismos citerios expuestos para la escultura.

· Formas de expresión: abstracta o figurativa, naturalista (ideal o realista), antinaturalista (simbolismo y sus formas).
· Elementos de expresión: anatomía y sus características, ropajes y pliegues.
· Dimensión temporal de la obra.

GUIÓN PARA EL ANÁLISIS DE UNA OBRA ESCULTÓRICA

GUIÓN PARA EL ANÁLISIS DE UNA OBRA ESCULTÓRICA

Seguiremos el siguiente esquema:

1. Descripción:
• Tipo de escultura
• Bulto redondo, figura o grupo escultórico.
• Cuerpo entero, busto, torso.
• Actitud: de pie, sedente, orante, yacente, ecuestre…
• Relieve: altorrelieve, bajorrelieve.
• Asunto: descripción de la escena.
• Material: piedra, madera, barro, bronce, oro…
• Técnica: tallado, modelado, fundido…
• Localización:
• Dependiente de la arquitectura: friso, frontón, capitel….Cuestión de la adaptación al marco.
• Independiente de la arquitectura: plazas, jardines, etc.

2. Elementos formales.
• Textura de las superficies:
• Lisas, finas y pulidas; o ásperas, rugosas y con aristas.
• Sensación de blandura o de dureza (morbidez y tersura).
• Sentido del volumen.
• En relación con el exterior: frontalidad, multiplicidad de los puntos de vista.
• Volumen interno, reflejo del espacio interno.
• Relieves: hay que estudiar también la profundidad (tipo de perspectiva).
• Composición y movimiento.
• Reposado, sereno o hiératico.
• Dinámico: movimiento ficticio, mostrado por movimiento externo o tensión interna y conseguido por ritmos formales, contrapposto…
• Movimiento real, arte cinético, móviles…
• Incidencia de la luz sobre la escultura.
• Homogénea y suave.
• Contrastada.
• Color, existencia o no de policromía.
• Naturaleza del color: naturalista o real, simbólico…
• Técnicas: estofado…

3. Elementos no formales.• Formas de expresión:
• Abstracto o figurativo.
• Naturalismo: idealismo (búsqueda de la belleza arquetípica) o realismo (fidelidad al modelo)
• Antinaturalismo, simbolismo, estilización, hieratismo, convencionalismos jerárquicos…
• Elementos de expresión:
• Anatomía: correcta o incorrecta, proporciones, escala, musculatura…
• Ropajes y pliegues.
• Función: encubrir o manifestar el cuerpo, movimiento…..
• Forma, tamaño y profundidad de los pliegues, angulosos u ondulantes, finos o pesados….
• Dimensión temporal de la obra: eterna o fugaz.

GUIÓN PARA EL ANÁLISIS DE UNA OBRA ARQUITECTÓNICA

GUIÓN PARA EL ANÁLISIS DE UNA OBRA ARQUITECTÓNICA
En este caso se trata de realizar una descripción pormenorizada del edificio, siguiendo un orden lógico e identificando todos los elementos significativos del mismo. Podemos seguir el siguiente esquema:
1. Identificación de la obra.Se trata de establecer qué tenemos delante de nuestros ojos. En arquitectura puede ser una fotografía (exterior-interior; vista general o parcial, fachada, cabecera, etc.); la planta del edificio (cruz griega, cruz latina…en el caso de las iglesias, cuadrada, etc.); una perspectiva axiométrica o isométrica; un alzado, una sección (longitudinal o transversal) e incluso una reconstrucción ideal del edificio.

2. Materiales con que ha sido realizada la obra.· Tipo: piedra (mármol, granito, caliza, etc.), madera, barro (ladrillo, adobe), tapial, hormigón, hierro, cristal…
· Causas de su utilización: influencia del medio geográfico, criterios estéticos, prácticos, técnicos…
· Cualidades estéticas: pesadez, ligereza, belleza,….
3. Sistema arquitectónico.· Adintelado
· Abovedado
4. Elementos constructivos: soportes y cubiertas.· Soportes:
· muros (conviene indicar el tipo de aparejo, paramento y relación macizo-vano).
· Soportes exentos: pilares, columnas, pies derechos…
· Adosados: pilastras, estribos, ménsulas…
Siempre hay que identificar y describir el orden al que pertenecen, y señalar si la función es estructural o decorativa.
· Arcos:
· Tipo: medio punto, apuntado, herradura…
· Función: cubrir un vano, refuerzo, separar naves (formeros), decorativa (arcos ciegos)…
· Cubiertas:
· Adinteladas y armaduras de madera.
· Abovedadas: de cañón, apuntadas, de arista…
· Cúpulas de media naranja, gallonadas…
+ En todos los casos hay que mencionar cada uno de los elementos de la cubierta.
5. Elementos decorativos.· Escasos o abundantes (elemento que permite, en ocasiones, ubicar correctamente una obra dentro de una época y estilo determinado…)
· Su naturaleza: arquitectónicos, escultóricos o pictóricos…
· Materiales en que están realizados: estuco, mármol, madera…
· Tema o temas: vegetal, geométrico, figurativo…
· Localización: frisos, bóvedas…
· Función fundamental o accesoria.

6. Valores plásticos.
· Proporción, armonía: correcciones ópticas, módulos….
· Existencia o no de simetría.
· Volúmenes exteriores: su plasticidad, relación con el interior y con el entorno.
· Espacio interno: ejes de composición general, articulación interna de los muros, uso de la luz y el color en la creación de un determinado ambiente, escala respecto al hombre….

Este esquema no presupone que en todos los casos podamos identificar y describir todos los elementos posibles que conforman la obra. Nuestro análisis, dependerá lógicamente, de la obra que tengamos delante y de sus características.

METODOLOGÍA DE ANÁLISIS Y COMENTARIO DE OBRAS DE ARTE

METODOLOGÍA DE ANÁLISIS Y COMENTARIO DE OBRAS DE ARTE
La comprensión y valoración de una obra de arte son fruto de un acercamiento a la misma que hemos de realizar por dos vías diferentes pero complementarias.
La primera, que llamaremos intuitiva, podríamos definirla como la conmoción subjetiva, personal y difícilmente comunicable que sentimos ante el objeto artístico y nos permite aprehender su valor estético y establecer una vinculación emocional con el mismo. Se relaciona directamente con la sensibilidad del espectador, por lo que su disfrute depende del mayor o menor desarrollo de la misma y los gustos personales. Tiene un carácter directo e intuitivo.

La segunda vía, la reflexiva, es diferente. Supone un acercamiento a la obra de arte de modo racional, calmado y sin prejuicios. Se trata de una habilidad cuya adquisición requiere partir del conocimiento del lenguaje e intención del artista, así como la aplicación a su práctica de un método adecuado. Precisamente es en este segundo aspecto, la adquisición de la habilidad, en el que nos centraremos ahora, proponiendo y aplicando un método que, sin ser el único posible, pues la obra de arte es infinitamente rica en significados que pueden ser abordados desde múltiples puntos de vista, nos parece, sin embargo, adecuado para la tarea de iniciación que esta materia pretende realizar a lo largo del curso.

Nuestro método se basa en dos fases sucesivas, a las que nos referimos como:
1. Análisis.
2. Comentario.

El análisis es el estudio de las formas visibles y no visibles de los elementos que componen la obra, sus relaciones y funciones plásticas. Es una tarea precisa, rigurosa, que nos ha de permitir destacar aquellos aspectos que por su originalidad e importancia definen el estilo o una obra concreta. A través de su ejercicio se irá tomando conciencia de la gran diferencia que existe entre “adivinar” y “analizar”.

El comentario, realizado a continuación, admite un enfoque más libre. Se basa en una reflexión y razonamiento, a partir de los caracteres analizados, que permitan la relación de la obra con su contexto, comenzando por la clasificación de la misma e incidiendo en su contenido y significación, así como en las circunstancias específicas que vengan al caso. Pese a su carácter personal habrá de conservar, no obstante, un tono objetivo; los gustos personales sólo se manifestarán implícitamente, evitándose exclamaciones, admirativas o peyorativas, en que se viertan las propias emociones.

PROCEDIMIENTOS DE CALIFICACIÓN

La calificación de cada evaluación será la obtenida de la media aritmética de los dos exámenes realizados durante el trimestre, siendo condición necesaria aprobar todos los exámenes para poder realizar la media o, en caso de haber suspendido uno, que la nota obtenida no sea inferior a 4 (no vale sacar un 3 en un examen y un 7 en otro). De no ser así habrá que recuperar la parte suspendida.

    La realización de las actividades propuestas y la asistencia regular a clase denota, por parte del alumno, una actitud positiva ante la asignatura. Esta actitud es clave cuando la nota del examen no llega a 5 y se queda por encima del 4 ¿entendido? El redondeo sólo será posible cuando la actitud del alumno sea positiva..

   La asistencia a clase es obligatoria. Las faltas de asistencia no justificadas (ni justificables) serán penalizadas a razón de 0.5 puntos por cada sesión perdida y no justificada a lo largo del trimestre o período de evaluación.

   De cada evaluación se realizará un sólo examen de recuperación parcial o total, según  corresponda. Los exámenes de recuperación se harán, siempre, al inicio de la evaluación siguiente.

   La nota final de la asignatura será la media obtenida en las tres evaluaciones del curso, siempre que éstas hayan sido aprobadas. El suspenso de una evaluación, después de las correspondientes recuperaciones, supondrá la marcha a septiembre.

CRITERIOS DE EVALUACIÓN

IV. CRITERIOS DE EVALUACIÓN DE LA ASIGNATURA.
Los criterios de evaluación se refieren a las capacidades y conocimientos que el alumno ha de adquirir. La verificación de esta adquisición se producirá a través de las actividades que se vayan proponiendo en el trabajo cotidiano y de los exámenes que se realicen a lo largo del curso. Se trata, en definitiva, de lo que tenéis que saber .

1. Analizar y comparar los cambios producidos en la concepción del arte y sus funciones, en distintos momentos históricos y en diversas culturas.
2. Reconocer y utilizar adecuadamente un método de análisis, y sus procedimientos y técnicas correspondientes, que permita interpretar y valorar las diversas dimensiones de la obra de arte.
3. Reconocer y analizar los elementos que configuran la producción artística, considerando las influencias y las relaciones entre el artista y la sociedad, cambiantes en el tiempo.
4. Identificar y valorar el protagonismo de los artistas en el proceso creativo, constatar en sus obras más relevantes los nuevos planteamientos o vías abiertas en unas determinadas circunstancias históricas.
5. Identificar y situar en el tiempo las obras de arte más representativas, en relación con los momentos más significativos de la historia del arte.
6. Explicar las permanencias y los cambios en los procesos artísticos al constatar y comparar concepciones estéticas y rasgos estilísticos.
7. Comprender y explicar la presencia del arte en la vida cotidiana y en los medios de comunicación social, y valorar su utilización como objeto de consumo.
8. Reconocer los diversos criterios de restauración y conservación del patrimonio artístico mediante el análisis de la gestión de los recursos artísticos de la Comunidad Valenciana y de su incidencia en la propia vida de las obras de arte, condicionando su percepción en el presente.
9. Reconocer y valorar la diversidad y riqueza de nuestro patrimonio artístico mediante el análisis de algunas obras de arte.
10. Analizar monumentos artísticos y obras de arte en museos y exposiciones. Reflexionar acerca de su función social.
11. Utilizar con precisión y rigor la terminología específica de las artes visuales. Además, la correcta expresión en la sintaxis y en la ortografía será tenida en cuenta en el proceso evaluador.
12. Realizar actividades de documentación e indagación a partir de fuentes de información diversas (textos, imágenes, plantas de edificios, alzados, planos, etc.), sobre determinados aspectos de la creación artística.

PROGRAMA DE LA ASIGNATURA DE HISTORIA DEL ARTE

I. ¿De qué se ocupa la Historia del Arte?

Cuando nos hacemos esta pregunta es fácil dar una respuesta obvia: del estudio del arte a lo largo de la historia. Pero, siendo esto así, no es suficiente. Si nuestra meta esencial es comprender el esfuerzo creador del ser humano en el tiempo, necesitaremos estudiar y profundizar en los procesos creativos y las experiencias artísticas, su dimensión social y temporal. Porque, aunque la materia tiene un carácter histórico, la propia naturaleza de la obra de arte le otorga características específicas que la ponen en relación con otras disciplinas o áreas de conocimiento (filosofía, economía, religión, etc.).
El conocimiento y valoración de la obra artística también nos permitirá construir una visión crítica de nuestro patrimonio artístico y nos preparará para su preservación y disfrute. En definitiva, el estudio de la obra artística, en cualquiera de sus modalidades, formatos, soporte o tiempo histórico, nos ayudará a comprender la memoria del pasado y del presente, nos permitirá desarrollar nuestra conciencia crítica y nuestra sensibilidad por el entorno cultural. Nos permitirá, en definitiva, comprender mejor la sociedad y el tiempo en que vivimos, sus claves estéticas y culturales.


II. OBJETIVOS GENERALES.

El trabajo en esta materia contribuirá a que podáis adquirir las siguientes capacidades:

1. Entender las obras de arte como exponentes de la creatividad humana, capaces de ser disfrutadas por sí mismas y de ser valoradas como documento testimonial de una época y cultura.
2. Comprender y valorar la variabilidad de las funciones sociales y de las concepciones diferentes del arte a lo largo de la historia.
3. Apreciar y reconocer la diversidad de interpretaciones y valores de la obra de arte en los diferentes contextos históricos.
4. Explicar, situándolos adecuadamente en el tiempo y en el espacio, los hechos artísticos más relevantes de la Historia del Arte, valorando su significación en el proceso histórico-artístico.
5. Analizar la dimensión social de la creación artística, y reconocer la incidencia de lo social en el proceso de producción y difusión de las obras de arte.
6. Explicar los procesos de cambio artístico y transformación cultural más importantes del arte occidental, reconociendo y diferenciando los elementos y las razones de las pervivencias y rupturas.
7. Comprender y utilizar los conceptos específicos de la Historia del Arte y apreciar positivamente las posibilidades de un análisis histórico-artístico en constante reconstrucción.
8. Utilizar un método de análisis e interpretación de las obras de arte que desarrolle la sensibilidad y la imaginación.
9. Realizar actividades de documentación e indagación, de análisis y de crítica de fuentes y material historiográfico diverso.
10. Conocer, disfrutar y valorar el patrimonio artístico, desde posiciones críticas y creativas, como exponente de nuestra identidad cultural.
11. Desarrollar el gusto personal, el sentido crítico y la capacidad de goce estético.

III. NÚCLEOS DE CONTENIDOS
Los núcleos de contenidos se organizan en una serie de temas o contenidos conceptuales organizados sobre la obra, el autor, el público, y su continua interacción.

1. EL ARTE COMO EXPRESIÓN HUMANA EN EL ESPACIO Y EN EL TIEMPO, Y EL OBJETO ARTÍSTICO: INTERPRETACIÓN Y ANÁLISIS DE LA OBRA DE ARTE.
1) El lenguaje visual y su terminología.
2) Iconografía e Iconología.
3) Función social y valor de la obra de arte en la Historia.
4) Definición, clasificación y naturaleza del arte a lo largo del tiempo. Distintas conceptualizaciones del arte.
5) Percepción y análisis de la obra de arte.

2. CAMBIO ARTÍSTICO Y TRANSFORMACIÓN CULTURAL.
1) Los inicios del arte: el legado de la Prehistoria: la pintura rupestre, manifestaciones pictóricas en el espacio físico de la actual Comunidad Valenciana; la arquitectura megalítica. Aportaciones artísticas de Egipto y Mesopotamia: arquitectura y artes figurativas.
2) El arte clásico: Grecia. La arquitectura griega. Los órdenes arquitectónicos. El templo y el teatro. La Acrópolis de Atenas. La evolución de la escultura griega.
3) El arte clásico: Roma. La arquitectura: características generales. La ciudad romana. La escultura: el retrato. El relieve histórico. El arte en la Hispania romana.
4) El arte cristiano medieval. Aportaciones del primer arte cristiano: la basílica. La nueva iconografía. El arte bizantino: la época de Justiniano. Santa Sofía de Constantinopla y San Vital de Rávena.
5) El arte Prerománico. El contexto europeo. La época visigoda. Arte asturiano y arte Mozárabe.
6) El arte islámico. Orígenes y características del arte islámico. La mezquita y el Palacio en el arte hispanomusulmán.
7) El arte románico como primera definición de occidente. La arquitectura. El monasterio y la iglesia de peregrinación. La portada románica. La pintura mural. El arte románico en el Camino de Santiago.
8) El arte gótico como expresión de la cultura urbana. La arquitectura: catedrales, lonjas y ayuntamientos. La arquitectura gótica española. La portada gótica. La pintura: Giotto, los Primitivos flamencos y la pintura valenciana.

3. CAMBIO ARTÍSTICO Y PROCESO CREATIVO: EL ARTISTA Y LA SOCIEDAD.
1) El arte del Renacimiento. Arte italiano del Quatrocento. La arquitectura: Brunelleschi y Alberti. La escultura: Donatello. La pintura: Masaccio, Fra Angélico, P. della Francesca y Botticelli. El Cinquecento: de Bramante a Palladio, el templo, el palacio y la villa. La escultura: Miguel Ángel. La pintura: la Escuela Romana y la Escuela Veneciana. El Renacimiento en España: arquitectura, escultura y pintura. El greco.
2) El arte Barroco. Urbanismo y arquitectura: Bernini y Borromini. El palacio del poder: Versalles. España: de la Plaza Mayor al Palacio borbónico. La escultura barroca: Bernini. La imaginería española. La pintura barroca italiana, flamenca y holandesa: Rubens y Rembrandt. La pintura española: Ribalta, Ribera, Zurbarán y Murillo. Velázquez.
3) Las artes europeas a finales del siglo XVIII y principios del s. XIX: el Neoclasicismo. Urbanismo y arquitectura. Escultura: Canova. Pintura: David y Goya. El Romanticismo. La pintura romántica. E. Delacroix.


4. EL ARTE CONTEMPORÁNEO
1) Hacia la arquitectura moderna: urbanismo y arquitectura en la segunda mitad del s. XIX. Las grandes transformaciones urbanas. El Eclecticismo. La arquitectura de los nuevos materiales. La Escuela de Chicago. El Modernismo.
2) El camino de la modernidad. Las artes figurativas en la segunda mitad del s. XIX. La pintura realista. Courbet. La pintura impresionista: Sorolla. El Neoimpresionismo. La escultura. A. Rodin.
3) Las Vanguardias históricas: las artes plásticas en la primera mitad del s. XX. Fauvismo y Expresionismo. Cubismo y Futurismo. Los inicios de la abstracción. Dadá y Surrealismo. Dalí. Picasso.
4) Arquitectura y Urbanismo del s. XX. El Movimiento Moderno: el Funcionalismo. La Bauhaus. Le Corbusier. El Organicismo. Wright. La Arquitectura Postmoderna. Últimas tendencias.
5) De la Abstracción a las últimas tendencias: las artes plásticas en la segunda mitad del s. XX. El Expresionismo abstracto y el Informalismo. La Abstracción postpictórica y el Minimal Art. La Nueva Figuración. El Pop Art. El Hiperrealismo. Últimas tendencias.
6) El arte y la cultura visual de masas: arte y sociedad de consumo. La fotografía. El cine. El cartel y el diseño gráfico. El cómic. Las nuevas tecnologías.


5. EL PATRIMONIO HISTÓRICO. PERSISTENCIA Y CONSERVACIÓN.
1) La obra de arte en el museo. Gestión de los bienes culturales: conservación, restauración y ordenación del patrimonio histórico-artístico. La Ley Valenciana del Patrimonio.

EXAMEN DE RECUPERACIÓN DE SEPTIEMBRE

Aquellos alumnos y alumnas que no lograron aprobar la asignatura de Historia del Arte en Mayo, tienen ahora la oportunidad de demostrar que el verano ha sido una ocasión propícia para el disfrute del arte. No olvidéis que los objetivos a conseguir en esta prueba son muy simples:

• Análisis artístico y comentario histórico de algunas de las obras de arte más significativas de la historia.
• Características generales de los grandes estilos artísticos que se han desarrollado a lo largo de la historia (revisar el programa de la asignatura).
• Los grandes maestros del arte de todos los tiempos: características de su estilo y obras más relevantes.

El examen se estructura en pequeños bloques históricos, donde habrá que comentar y analizar alguna de las obras más significativas del período. No olvidéis la importancia del contexto histórico para explicar el significado de la obra.

Una vez superada la prueba (cosa que lograréis con total seguridad), tendréis que hacer frente a la SELECTIVIDAD; no estaría de más consultar los enlaces que, desde este mismo blog, os proporcionarán más información y modelos de examen.

El profesor

¿ESTO ES ARTE?

"Mierda de artista nº 047". Piero Manzoni. Mayo de 1961.

Lata de metal de 5 cm de alto y un diámetro de 6,5 cm.

Su serie de 90 latas de conserva, de 90 gramos cada una, con excrementos de artistas conservados al natural, supuso una de las críticas más radicales a la valoración de las obras de arte en función del aprecio mercantil de la firma del artista. Cada lata se vendía al peso según la cotización diaria del oro. Piero Manzoni murió dos años más tarde, en febrero de 1963, sin llegar a los 30 años.

Hace algunos días la prensa se ha hecho eco de la siguiente revelación: pudiera ser que las famosas latas de mierda de artista facturadas por el italiano Manzoni, sólo contengan yeso. Nadie se ha atrevido, que se sepa, a abrir la famosa lata para comprobar su contenido real por miedo a perder lo que constituye la esencia de la obra y, por supuesto, su valor económico. al fin y al cabo, la obra de arte forma parte del mercado de inversiones, no nos engañemos. El precio más alto pagado, hasta la fecha, por una de estas latas alcanza la cifra de 90.000 €.

Y ahora, viene la pregunta del millón. Desde que las vanguardias artísticas se apropiaron de la provocación como un elemento más del la creación artística, no hay exposición de arte contemporáneo en la que alguien se lo plantee: pero en este caso parece que la broma va muy lejos ¿esto es arte? , se dirán algunos. Porque ¿qué tiene que ver una lata con excrementos de artista con el arte? En principio, parece que poco o nada. Sin embargo, ahí está, demostrando que el mercado del arte es capaz de digerir cualquier cosa, hasta la mierda del artista que les devuelve la imagen esperpéntica de su gusto burgués. Si arte es todo aquello que el artista dice que es arte, lo fundamental será, en consecuencia, alcanzar el sagrado estatuts de "artista", lo demás vendrá por añadidura.

Para quienes deseen conocer algo mejor la peculiar obra de este artista conceptual, fiel continuador de Marcel Duchamp, les sugiero que visiten:

http://www.pieromanzoni.org/SP/obras_mierda.htm

ARTE E IMPERIO: TESOROS ASIRIOS DEL MUSEO BRITÁNICO.

Uno de los relieves de la exposición ARte e Imperio

Para quienes no conozcan las joyas artísticas y arqueológicas que se guardan y exhiben en el Museo Británico de Londres (memoria imprescindible del Imperio Británico, por otro lado), se exponen, hasta el 30 de septiembre en el Museo Arqueológico Provincial de Alicante (MARQ), más de 200 piezas y objetos de la cultura Asiria (actualmente Irak), que datan de entre los siglos IX y VII antes de Cristo. Estos tesoros forman parte de las colecciones del Museo Británico.

Quienes no hayan visto los maravillosos relieves de la época asiria o los famosos frisos de cerámica vidriada que allí se exhiben, tienen ahora la oportunidad, si viven cerca o están de vacaciones en Alicante, de darse una vuelta por el MARQ y disfrutar de la belleza y claridad narrativa de estos tesoros, dignos embajadores de la memoria cultural de un pueblo, el iraquí, que vive en la actualidad sumido en la pesadilla de la guerra y el expolio artístico.
La exposición se presenta con el elocuente título de "Arte e Imperio: Tesoros asirios del Museo Británico". Se desarrolla a lo largo de las tres salas temporales del MARQ y cada una de ellas se dedica a los palacios y templos, a la magia y la religión y a los elementos de la vida cotidiana y artesanales, respectivamente.

La de palacios y templos alberga una amplia representación de los mejores ejemplos de esa cultura, como relieves de los palacios de Nínive, Nimrud y Khorsabad, que muestran con detalle escenas de guerra, caza, ceremonias áulicas y seres mitológicos.
Algunos relieves pertenecientes a estos palacios son de gran tamaño, como uno que escenifica con minuciosidad y con centenares de figuras la batalla de Til-Tuba o el fragmento de la caza del león de Asurbanipal. A mí el que más me impresionó fue uno que narra de manera magistral cómo unos guerreros atraviesan buceando, provistos con unos odres que contienen el aire suficiente para no asfixiarse, el río Tigris para salir del cerco enemigo. Impresionante la calidad plástica y la belleza formal de este relieve.
Una parte de los restos fueron hallados a mediados del siglo XIX por el excavador Henri Layard y están realizados sobre piedra, alabastro yesoso y ladrillos vidriados polícromos para representar uno de los periodos de esplendor del arte mesopotámico, el desarrollado entre los ríos Tigris y Eufrates. De este excavador británico se exponen, además, algunos dibujos realizados a pie de obra que no carecen de interés.
Otro de los denominadores de las escenas expuestas de los relieves proclaman la superioridad del monarca y también se repite la representación del ejército asirio en acción o después de batallas. Es evidente que la mayor parte de estos relieves, que revestían los pobres muros de adobe de los palacios, tenían por objeto la exaltación de la figura real, así como la de impresionar con sus hazañas a cuantos tuvieren la oportunidad de postrarse ante él. Ya se sabe que el arte siempre ha estado al servicio de la propaganda y del poder del Estado.
Las salas del MARQ también acogen marfiles, platos de bronce decorados y figuras de terracota que provienen, en muchos casos, de artesanos fenicios o egipcios y que llegaron a las ciudades asirias como tributos o botines de guerra.
Otros de los elementos más valiosos por su importancia histórica son la serie de inscripciones en piedra o terracota en escritura cuneiforme y distintos documentos oficiales, administrativos, religiosos, de naturaleza médica, matemática o astronómica, que reflejan la complejidad de la cultura asiria. Cuando uno contempla estas magníficas inscripciones no puede dejar de emocionarse al recordar que la escritura nació en Ur, en las brumas lejanas del tercer milenio antes de Cristo.

Que ustedes disfruten de la visita.

Para consultar detalles de la exposición o ver un video sobre la misma, conviene visitar la página web del Museo:

http://www.marqalicante.com/