LA SELECTIVIDAD DE 2011: ENTRE EL RENACIMIENTO Y EL BARROCO.

EJERCICIO Nº 1
1. Analiza y comenta la imagen 1 (David, Miguel Ángel) (4 puntos)
2. Explica las características generales de la escultura de Miguel Ángel (4 puntos)
3. Comenta el contexto social, económico, político y religioso del Cinquecento (2 puntos)

Texto de apoyo:

"Desde finales del s. XV, los artistas florentinos abandonaron la experimentación que inspiró las primeras manifestaciones del Renacimiento y, en su lugar, fueron otros modos y otras concepciones las que se impusieron (...) En Florencia, en los últimos años del s. XV, se había producido una renovación artística radical en el campo de la escultura que cuestionaba el quattrocentismo y cualquier consideración en torno al clasicismo como "estilo único". El artista que planteó esta nueva concepción artística fue Miguel Ángel Buonarroti (1475-1564) (...) Miguel Ángel planteaba el valor de la tensión frente a la norma y la interpretación subjetiva frente a la indagación de las apariencias".
Nieto Alcaide, V. El Arte del Renacimiento. Historia 16. Madrid 1996.


Aquellos que optaron por la realización del ejercicio nº 1, se encontraron con una agradable sorpresa: Miguel Ángel. Pocos artistas representan, a lo largo de la historia del arte, el carácter total de la creación artística. De artista total podemos calificar al maestro florentino. Arquitecto, pintor y, naturalmente, genial escultor. Un examen sin complicaciones en su enunciado: el análisis de una de sus obras más significativas, la explicación de su estilo y, como veníamos anunciando, el comentario sobre el contexto histórico en que se desarrolla su obra.
Este examen obliga a demostrar un conocimiento y comprensión profunda de la obra y estilo de Miguel Ángel y, sobre todo, a evitar la reiteración de ideas, ya que el análisis de la obra propuesta (David) no debe confundirnos a la hora de explicar las características generales de su obra y estilo.

El planteamiento del ejercicio debería ser:

1. El comentario de la obra propuesta:

ANÁLISIS FORMAL Y ESTILÍSTICO
La obra suele ir acompañada de las referencias básicas para su correcta clasificación: David. Galeria de la Academia. Florencia. Miguel Ángel. 1501-1504. Pero no son suficientes. Tenemos que explicar otros aspectos básicos de la obra:
- Tipología: se trata de una escultura exenta o de bulto redondo. Sus dimensiones son considerables: 4.1 m. de altura.
- El material en el que está realizada es mármol blanco de Carrara.
- La técnica es la talla mediante cincel y destacaremos, también, el acabado pulido de la obra. La obra fue realizada a partir de un solo bloque de mármol ( el famoso bloque duccio, que ya había sido atacado por otros escultores, sin éxito)
- El tema: la escultura representa al rey hebreo "David" , desnudo, personaje bíblico del antiguo testamento; es, por tanto, de temática religiosa. David mató de un hondazo al gigante Goliat, soldado de la ciudad de Gat y paladín del ajército filisteo. El episodio se menciona en el Primer libro de Samuel.

Pueden parecer aspectos secundarios, pero resultan esenciales en el análisis de toda obra escultórica (tipología, material y técnica, tema representado) y demuestran que el alumno maneja con propiedad tanto el lenguaje propio de la escultura como la técnica del análisis o comentario de obras de arte.
El análisis formal debe continuar describiendo y explicando la obra, abordando aspectos como:
- la composición y actitud del personaje representado: el contraposto. Disposición de las extremidades, líneas dominantes, movimiento de la cabeza. Tensión/reposo, etc.
- el tratamiento anatómico de la figura y la relevancia del desnudo masculino. La plasmación del ideal de belleza renacentista a través de la representación del cuerpo humano. La idea de perfección y el canon escultórico.
- La expresión del rostro: el idealismo dramático. Rasgos faciales, mirada, etc.

Y cualquier otro aspecto que sonsideremos relevante desde el punto de vista formal... así podremos pasar a realizar el análisis iconográfico de la obra. Aspectos que deberíamos considerar:
- Ubicación de la obra en la trayectoria del artista: ¿En qué etapa de la dilatada obra de Miguel Ángel se ubica el "David"? La obra es todavía deudora de los planteamientos donatellianos del autor y, aunque M. A. ya no era exactamente "un joven" (tenía 26 años cuando comenzó el trabajo), aún persisten en ella algunos de los rasgos de sus obras de juventud: búsqueda del ideal de belleza de clara inspiración clasicista, representación perfecta y armoniosa del cuerpo humano desnudo, etc. No obstante, en la expresión y disposición de la figura, ya se anuncian algunos de los rasgos de madurez del escultor: tensión contenida, profundidad expresiva, dramatismo, etc.

El tema ha sido representado a la manera helénica; David, el joven y pequeño héroe bíblico, ha sido representado como un héroe homérico. La influencia de la escultura clásica griega es evidente en la recuperación de los valores formales de aquella época, fundamento e inspiración del trabajo de los escultores florentinos e italianos del s. XV, de los que M. A. es un claro seguidor. El tema ya había sido tratado por otros autores con anterioridad: Donatello entre 1425-30 aprox., Verrochio entre 1473-75, ambas en bronce. M. A. aborda el asunto de forma innovadora: sustituye el bronce por el mármol blanco, su materia prima preferida, y elige un momento diferente en la representación del héroe. Donatello y Verrochio nos muestran a un David casi adolescente, M. A. esculpe a un hombre joven pero adulto, de poderosa anatomía. Los maestros del s. XV habían elegido el momento posterior a la lucha, el de la victoria. David aparece pletórico pero en reposo, adornado con los atributos de la victoria y con la cabeza del gigante Goliat a sus pies. La acción ya se ha desarrollado, no hay incertidumbre, la tensión ha desaparecido. M. A. ha elegido otro momento: David gira la cabeza y mira, concentrado y desafiante, a su enemigo (al que no vemos pero intuimos cerca). La honda sobre el hombro y la piedra en la mano. El cuerpo en tensión, el ceño fruncido pero la expresión concentrada y serena. El idealismo formal se ve subrayado por el dramatismo de la escena y de la historia representada. Toda la tensión que precede a la acción se pone de manifiesto en los músculos y las venas que destacan sobre la superficie pulida del mármol. David no es un joven de pequeña estatura que se enfrenta al gigante Goliat, es un gigante que se enfrenta a un desafío extraordinario y al que está seguro de vencer con su astucia e inteligencia. El momento elegido por M. A. es de un profundo dramatismo; Goliat aún no ha sido vencido, todo está por hacer, de ahí la tensión y el gesto concentrado de David. ¿Qué ha querido representar el autor? No podemos obviar el significado simbólico de la obra, más allá de su evidente significado religioso. Durante el Renacimiento los temas religiosos o paganos, han deser leídos en clave simbólica (ya sea filosófica, política, etc.). La Opera del Duomo había encargado a M. A. la realización de la obra después de la expulsión de los Médicis del poder en Florencia. La obra fue ubicada en la Plaza de la Signoria, corazón político de la República, por lo que acabó teniendo mayor significado civil que religioso. Era el triunfo de la razón sobre la fuerza y la tiranía de la familia Médicis.

El ejercicio nº 2: Explica las características generales de la escultura de Miguel Ángel.

El análisis de la obra propuesta ha sido una buena oportunidad para aproximarnos al estilo del autor, pero no basta para tener un conocimiento completo de su obra y estilo.

Partiendo del texto de apoyo, que contiene alguna idea interesante sobre la ruptura que la obra de Mguel Ángel representa frente al clasicismo del Quattrocento, la explicación debería abordar los siguientes aspectos:

a. Las características formales y técnicas:
- El material y la técnica con la que trabajaba habitualmente el artista. Su forma de concebir el trabajo como un "liberación" de la obra que ya se halla contenida en el bloque de mármol. Su formación en el taller de un discípulo de Donatello.
- La búsqueda de la perfección técnica, el detallismo. El contraste de texturas pulido/rugoso, etc. El non finito, como una forma de explorar texturas y conceptos, partiendo de la forma inacabada o dejada deliberadamente sin pulir.
- Los valores formales dominantes: el naturalismo idealizado. La representación de una cierta "belleza ideal" de raíz clasicista que irá evolucionando hasta desembocar en el manierismo (anticlasicismo). La "terribilitá" como rasgo estilístico presente en sus obras de madurez y el influjo del "Pathos" helénico (influencia del descubrimiento del grupo escultórico del Laoconte).
- Los temas y tipologías abordadas a lo largo de su carrera: religiosos, funerarios, mitológicos, etc. La vinculación entre temas y clientes (Papado, gobierno florentino, jerarquía eclesiástica, etc.).

b. Referencias a las obras propuestas en el examen (no se deben comentar, pero sí podemos aludir a ellas en este punto).
- Etapas y evolución estilística del autor (juventud, madurez, vejez), haciendo referencia a sus obras más representativas: Piedad del Vaticano, David, tumbas de la familia Médicis, tumba del papa Julio II (Moisés, esclavos, atlantes), Piedad Rondanini, etc.
- La Piedad como tema que sirve para explicar la evolución estilística de M. A.

c. Miguel Ángel como ejemplo del artista total del Renacimiento: breve alusión a sus grandes obras en el campo de la arquitectura (San Pedro del Vaticano, Biblioteca Laurenciana, Plaza del Capitolio) y la pintura (la capilla Sixtina).


Ejercicio nº 3. Explicar el contexto del Cinquecento.

En esta oacasión la pregunta se ha formulado con claridad, por lo que no puede haber dudas al respecto. Comenzaremos haciendo una breve definición de lo que se entiende por "Renacimiento" y las etapas en que los historiadores lo han dividido (Quattrocento, Cinquecento y Manierismo). Explicamos los factores de todo tipo que contribuyeron a este florecimiento cultural y artístico, tanto en Italia como en el resto de Europa.

Sería recomendable que consultáseis la entrada correspondiente a este tema en el blog, ya que la explicación, que es bastante extensa, no será reproducida a continuación. No obstante, cualquier explicación debería abordar aspectos como:
- La situación política de la P. Italiana: fragmentación política, el Papado, las repúblicas mercantiles, etc. La nostalgia por el pasado glorioso romano. La importancia de las grandes ciudades como Florencia, Roma, Milán, Venecia, etc.
- El florecimiento cultural y artístico y sus raices en el Trecento italiano. El Humanismo y el antropocentrismo. El cambio de paradigma científico y filosófico (neoplatonismo). El mecenazgo de las familias aristocráticas y burguesas. La imprenta y la difusión de la cultura. La recuperación del legado cultural y artístico de la Antigüedad Clásica. La reinterpretación de la mitología pagana desde una significación cristiana.
- La caida del Imp. Bizantino (Constantinopla) y la ampliación del mundo conocido a través de los nuevos descubrimientos geográficos (América, 1492). El desarrollo económico de Europa y el auge de la burguesía.
- La ruptura de la Iglesia Católica: reforma protestante y contrarreforma católica. La Iglesia como mecenas del artista y factor determinante del arte religioso.
- El nuevo papel y condición social del artista. Del artesano medieval al "genio creador" del Renacimiento. El carácter intelectual de la obra de arte.

Es evidente que todo lo anterior no es más que una posible repuesta a las preguntas planteadas; de su correcto planteamiento, de la profundidad y rigor de la explicación, de la abundancia y calidad del vocabulario específico utilizado, ..... y del corrector que nos haya tocado en suerte dependerá la calificación que obtengamos. Podéis dejar aquí vuestros comentarios sobre el examen (si es que todavía andáis por ahí).
En una próxima entrada abordaré el MODELO B de examen.

SELECTIVIDAD: EL CONTEXTO (parte 1)

PRUEBA DE ACCESO A LA UNIVERSIDAD
HISTORIA DEL ARTE

PREGUNTAS FORMULADAS EN LOS ÚLTIMOS AÑOS SOBRE “EL CONTEXTO”.
De las preguntas que se han formulado en el examen de Historia del Arte, destacan aquellas que abordan las circunstancias históricas en las qe se desarrolla la obra de arte o un estilo artístico determinado. Suelen ser preguntas que, en ocasiones, se plantean de manera confusa o poco precisa; a veces, abordan las circunstancias en las que se desarrolla la obra y la vida de un artista en particular o del artista en general. Veamos las que se han formulado en los últimos años (he respetado el enunciado original, a pesar de ciertos reparos en la sintaxis):

EL ARTE CLÁSICO
• Explica la diferencia entre la Polis (ciudad-estado) del mundo griego y el Imperio Romano.
• Comenta el contexto historicoartístico en el que se desarrolla la escultura griega.
• Explica las características generales de la arquitectura romana, desde el punto de vista de la utilidad en la vida, la sociedad y la ciudad romana.
• El retrato y la sociedad romana.

Observaciones:
La lectura atenta de las preguntas anteriores nos da la pista sobre qué aspectos conviene fijar, a la hora de explicar “el contexto” en el que se desarrolla el arte clásico. Un somero repaso sobre las claves del contexto del arte romano: el carácter pragmático y utilitario de la arquitectura y la ingeniería romana, como se desprende de una sociedad guerrera e imperialista que debía de mantener un extenso imperio. La sociedad romana: el deseo de perpetuar la memoria de los hombres públicos y el culto a los antepasados se aprecia en el gusto por el retrato, así como el carácter militarista y político del imperialismo romano se expresa adecuadamente en el relieve histórico-narrativo. La ciudad romana, derivada de la estructura de los campamentos militares, se organiza “militarmente”, destacando el foro como espacio en el que se alzan los edificos públicos y religiosos, etc. La civilización romana fue, durante gran parte de su historia, una sociedad urbana. El carácter hedonista se aprecia en las distintas tipologías asociadas a los espectáculos, así como su función propagandística. En definitiva, la explicación del contexto de la civilización romana debe realizarse teniendo en cuenta no sólo su extensa y fructífera historia de casi trece siglos, sino también los fundamentos políticos (República/Imperio), sociales (patricios, plebeyos y esclavos), económicos (red de calzadas/comercio/ejército) y culturales (religiosidad: culto a los antepasados, politeísmo, sincretismo religioso, etc.).
Las claves de la civilización griega se concretan, salvando las diferencias, en unos cuantos aspectos: la Polis como escenario de la civilización clásica, la dimensión antropocéntrica del arte griego, la Religión (el politeísmo y la mitología griega), la importancia de la Filosofía (Platón, etc.) y del pensamiento racionalista, el nacimiento de la Democracia (isonomía y ciudadanía), etc. La consideración social del artista, de los que conocemos nombre y obra. Estos elementos son los que fundamentan, sobre todo en la época clásica, las grandes creaciones del arte griego.
En ambos casos, será preciso hacer referencia a la secuencia evolutiva que marca el desarrollo histórico y artístico de estas civilizaciones. Roma: de la República al Imperio; Grecia: de la Polis arcaica al Helenismo, pasando por la cima de la Polis Clásica y el siglo de Pericles.

EL ARTE MEDIEVAL
• Explica el tipo de sociedad, religión y política que había en la época del románico.
• Explica el tipo de sociedad, religión y política que había en la época del arte islámico en la Península Ibérica.
• Importancia de la religión en el arte islámico.
• ¿Por qué se considera el arte gótico un arte urbano? Explica la relación entre la sociedad burguesa y el arte de la Baja Edad Media.
• La función social y urbana de la arquitectura gótica.
• Relaciones entre la España cristiana y la España musulmana: similitudes y diferencias.

Observaciones:
Podemos establecer tres momentos diferentes: el arte hispanomusulmán (la España Islámica, s. VIII-XV), el Románico (s. XI-XIII) y el Gótico (x. XIII-XV). En los tres casos hay que destacar la importancia de la religión (Islam o Cristianismo) como fundamento y factor determinante de los lenguajes artísticos. El arte islámico no se entiende sino como expresión de la religiosidad de la comunidad musulmana. En el caso que nos ocupa hay que tener en cuenta, además, que hay que explicarlo en función del desarrollo histórico de Al-Andalus (etapas: Emirato, Califato y Taifas) y de las peculiares características de una sociedad que mantuvo los rasgos urbanos (importancia de Córdoba) heredados de la Antigüedad tardía y del mundo bizantino, frente al carácter rural y campesino de las sociedades cristianas del norte peninsular hasta muy avanzada la Edad Media.
Para el arte cristiano medieval no hay que dudar; el Románico se desarrolla como el primer estilo unitario occidental desde la desaparición del Imperio Romano. Se trata de abordar una serie de circunstancias muy precisas: el final de las invasiones (normandas y árabes), el final de los terrores del año mil, la paz y el deseo de glorificar a Dios a través de sólidas construcciones de piedra, el incipiente desarrollo económico en el marco del régimen feudal, el desarrollo de la orden de Cluny (que difundirá las nuevas formas artísticas) y de los caminos de peregrinación (fundamental: el camino de Santiago), el culto a las reliquias, etc. Todo ello en el marco de una sociedad dividida en órdenes o estamentos (nobleza, clero y campesinos), que se definía a partir de la función que cada uno representaba en este mundo (guerreros, oradores por la salvación espiritual de los fieles y labradores de la tierra). La religión cristiana (con ese Dios-Juez-Padre severo y majestuoso) y el clero que la administra, desempeñan una función esencial, ya que el arte románico se concibe, sobre todo, por su función doctrinaria y carácter didáctico.
El arte gótico supone, por el contrario, el despertar de un arte urbano y ciudadano (frente al carácter rural y campesino, guerrero y monástico, del románico), que tiene la ciudad como escenario principal. El desarrollo económico de la Baja Edad Media (s. XIII-XV) y el despertar, cuando no la creación de nuevas ciudades, supuso un cambio sustancial, ya que se desarrollaran nuevas tipologías arquitectónicas (lonjas, ayuntamientos, palacios urbanos, etc.) adaptadas a las nuevas necesidades de una sociedad crecientemente mercantil y urbana. La catedral, la silla del obispo en la ciudad, se convierte en el edificio que mejor define a la nueva época, ya que en ella confluyen los esfuerzos de los gremios de artesanos y las cofradías de comerciantes que financian su construcción. Una nueva sensibilidad religiosa, menos severa y más amable, el nacimiento de la orden cisterciense y su expansión por el continente, el humanismo franciscano, un Dios que es amor y luz, y que halla acomodo en el interior luminoso y policromado de la catedral, tapizada de vidrieras coloreadas (la Jerusalén celestial)., son elementos que habra que explicar. El nacimiento de las universidades y de la escolástica, el desarrollo de las cruzadas, que implican una apertura a otras civilizaciones y formas artísticas, son fenómenos que subrayan el carácter más sofisticado y urbano del arte gótico.

LA SELECTIVIDAD: EL CONTEXTO (parte 2)

EL ARTE DEL RENACIMIENTO

· Explica cual era la situación del artista en la época de Miguel Ángel.

· Renacimiento y Humanismo. Una nueva concepción del Hombre y del artista.

· Explica la relación del Cinquecento con la sociedad del momento.

Observaciones:

Este es el tema que menos dudas ha de plantear a la hora de abordar el contexto: se trata de explicar las grandes líneas del cambio de época; es el final de la Edad Media y el desarrollo de lo que llamamos Edad Moderna (s. XV-XVI). Lo primero es aclarar qué entendemos por “Renacimiento”, qué es lo que “renace”, etc. la vinculación con el arte clásico grecorromano y la revitalización de un espíritu y una sensibilidad artística que cobra nuevos bríos, gracias al mecenazgo y al coleccionismo de obras antiguas. El Humanismo cristiano y su esfuerzo por conciliar religión cristiana y platonismo filosófico; la dimensión, nuevamente antropocéntrica, del arte y la cultura cristiana, que vuelve a sus ojos al pasado clásico para reinterpretarlo, no para copiarlo. La importancia de la imprenta en la difusión del conocimiento, los descubrimientos geográficos y la ampliación del mundo conocido (descubrimiento de América), la caída de constantinopla (1453) y el exilio bizantino como aportación cultural para Florencia, el desarrollo económico y político de los estados italianos, su competitiva carrera por captar artistas y belleza, la importancia del mecenazgo y de las grandes familias italianas, el papel de la Iglesia, en general, y del papado, en particular; el ascenso social del artista (que reivindica el carácter intelectual de la obra de arte y no sólo su carácter manual o artesanal), el embelleceimiento de las ciudades y la aparición de los primeros proyectos urbanísticos, etc. Se trata de ofrecer un amplio recorrido por los rasgos esenciales de una época con la que se inicia la modernidad; aunque las claves políticas, sociales y religiosas, no hayan variado sustancialmente con respecto a la época anterior, es apreciable la formación de los primeros imperios (el español), la consolidación de la monarquía y el nacimiento del estado moderno y la ruptura de la Iglesia Cristiana, con la aparición de la Reforma protestante. No hay que olvidar, tampoco, la secuencia establecida para explicar el desarrollo del Renacimiento: Quatrocento (Florencia), Cinquecento (Roma, papado) y Bajo Renacimiento (Manierismo), así como su expansión geográfica, atendiendo especialmente al núcleo italiano y a su irradiación a España (El Greco, el Escorial, etc.).

EL ARTE BARROCO

· Explica las relaciones entre la escultura barroca española, la iglesia católica y la piedad popular.

· De qué manera afectaba la religión en el arte del Barroco en Flandes?

· Explica las relaciones entre la pintura barroca, la monarquía y la iglesia católica.

· Explica el contexto social y artístico del momento (en referencia al Barroco italiano).

· La iglesia católica protegió profusamente el arte barroco; razona su interés por este mecenazgo.

· Explica las relaciones entre la escultura barroca, la monarquía y la iglesia católica.

Observaciones:

El Barroco europeo constituye la culminación del arte como propaganda, de ahí que todas las preguntas se formulen en torno a los mismos aspectos: el poder religioso (la Iglesia Católica, naturalmente), el poder político (la monarquía absoluta) y el poder económico (la Burguesía en los países protestantes). El contexto general de esta época nos remite a los grandes acontecimientos de los s. XVII y XVIII: consolidación de la ruptura de la cristiandad (reforma protestante y contrarreforma católica, concilio de Trento), fortalecimiento de las monarquías (absolutismo en Francia) y decadencia de la Monarquía Hispánica, desarrollo económico de los estados protestantes (Holanda, Inglaterra, etc.). Las guerras religioso-políticas que atraviesan el s. XVII europeo, marcan estos hitos políticos que tiene su expresión en el campo del arte. El arte concebido como propaganda de la fe explica la importancia que la Iglesia católica y el papado (Roma) darán a la arquitectura, la escultura o la pintura; la piedad popular ha de ser conmovida hasta la raíz (recordad las imágenes escultóricas españolas, las imágenes de la fe), la pompa y el poder de la auténtica fe, debe servir para contener el avance de la herejía protestante, etc. Los artistas, después del concilio de Trento, han de servir a un nuevo ideario en el que prima lo emocional y sensible frente a lo racional, lo popular frente a lo aristocrático, lo real frente a lo idealizado. La monarquía, por su parte, movilizará los recursos del estado para construir grandiosos palacios y jardines y embellecer ciudades, con lo que así expresará su nuevo poder frente a una nobleza que, por fin, ha sido doblegada. Frente a este despliegue de pompa, el mundo protestante abandona el gusto exagerado por la ostentación y se repliega sobre el individuo. La burguesía, clase social ascendente, comenzará a forjar las instituciones políticas y económicas que marcarán el nacimiento, muy pronto, del mundo contemporáneo: capitalismo y parlamentarismo. Frente al absolutismo de los países católicos, el parlamentarismo inglés; frente al carácter aristocrático de las sociedades católicas, el carácter burgués y capitalista de los holandeses. Los países donde mejor se expresa esta fractura de la cultura y el arte europeo son, sin ser los más importantes o poderosos, Flandes (católico y sometido al dominio español) y Holanda (protestante). Para concluir: a pesar del peso de la religión católica en la cultura y las mentalidades de la época, los s. XVII y XVIII son también un momento de avances trascendentales en el campo de la ciencia (Newton) o la filosofía (Descartes), contribuyendo, en definitiva, a la eclosión intelectual y científica que tendrá lugar en el llamado “Siglo de las Luces”, cuando el Rococó exprese el carácter decadente de una sociedad aristocrática y amante del lujo que, casi sin darse cuenta, ya había sido sobrepasada por la razón.

LA SELECTIVIDAD: EL CONTEXTO (parte 3)

EL ARTE CONTEMPORÁNEO
• ¿Cuáles eran las funciones del arte en el contexto social y político del momento? (Se refiere al arte Neoclásico).
• Relaciona el impresionismo con la sociedad de la segunda mitad del s. XIX y resalta su importancia como aportación a las vanguardias del s. XX.
• Explica el contexto social y económico en el que se desarrolló esta arquitectura (en referencia a la arquitectura de los nuevos materiales y al modernismo).
• En qué coyuntura históticoartística se desarrolla el cubismo y cuáles son las principales influencias que recibe?

Observaciones:

La lectura de las preguntas nos obliga a establecer distintos momentos: el Neoclasicismo, estilo con el que se cierra el s. XVIII y se inicia el s. XIX y la época contemporánea; y los diferentes estilos o corrientes artísticas que se desarrollaron a lo largo de los s. XIX y principios del XX, hasta el nacimiento de las primeras vanguardias.

Sobre el Neoclasicismo no hay duda: tenemos que situarnos en la época de la Revolución Francesa (1789-1799) y el Imperio Napoleónico (hasta 1815 aprox.). Pero la explicación del contexto exige que aclaremos algunos rasgos de la cultura de las décadas precedentes: la Ilustración (como movimiento intelectual crítico con el antiguo régimen, sentará las bases ideológicas y culturales de la revolución liberal), la Razón como instrumento de conocimiento frente a la fe (religión), el despotismo ilustrado y la fundación de Academias y Museos, que fomentarán el respeto a la norma y al buen gusto, etc. Habremos de explicar el sentido del término “neoclasicismo” como recuperación de los valores ideológicos y estéticos de la Antigüedad, la imitación de sus formas arquitectónicas y escultóricas, en un intento de conectar la nueva República Francesa o el Imperio Napoleónico con la República romana o el imperio de los césares. El arte concebido no sólo como propaganda de ciertos valores o ideales, sino como instrumento educativo del pueblo. La función del arte en este época nos remite, pues, a un momento de profundas transformaciones políticas, ideológicas y culturales, que sentarán las bases del estado liberal y burgués, quebrando definitivamente el influjo que la Iglesia había detentado durante siglos en el campo del arte. El artista y el arte afirmarán los valores de la nueva sociedad, rompiendo con los valores del Antiguo Régimen.
Por lo que se refiere al arte del s. XIX, hay que explicar las líneas básicas de los procesos políticos y económicos del siglo: la revolución burguesa y la construcción del estado liberal, por un lado; y la revolución industrial, con los avances técnicos y transformaciones económicas y sociales que genera, por otro. La nueva sociedad burguesa, las luchas de clases el desarrollo de la clase obrera o del socialismo, las revoluciones y los avances políticos hacia la democracia, el desarrollo sin precedentes de las ciudades y el crecimiento demográfico, etc. son aspectos básicos de esta explicación. Los estilos artísticos se suceden con rapidez, casi de una generación a otra; los artistas van conquistando mayores cotas de libertad, se desarrolla el mercado del arte, cambia la valoración de la obra y del artista, empieza el reinado de lo subjetivo, de la libertad individual frente a las imposiciones de la Academia, etc. Los avances tecnológicos inciden de forma espectacular en las posibilidades de la arquitectura (nuevos materiales), pero también cambian el papel o la percepción de la pintura (impresionismo) o la escultura (aparición de la fotografía).

A finales del s. XIX y principios del s. XX, surgen las vanguardias artísticas (fauvismo, cubismo, expresionismo, etc.). Se trata de movimientos y artistas que luchan por romper con la tradición desde planteamiento alternativos, que establecen nuevos retos y se adentran en territorios cada vez más arriesgados, enfrentándose a la crítica y al gusto dominante. La provocación, la experimentación, el subjetivismo, la influencia del arte de los culturas no occidentales (africanas o asiáticas) que el colonialismo está favoreciendo, la crisis del lenguaje artístico tradicional por su repetición y agotamiento, etc. El artista, liberado ya de la tiranía de la Academia, investiga por su cuenta, hace un uso arbitrario de los recursos tradicionales, o da la espalda a las convenciones; aparece el artista bohemio que luego los galeristas y museos convierten en marca, etc. Las vanguardias hacen que cambie radicalmente el papel del arte y la función del artista en la sociedad de su tiempo. Pero este cambio no ofrece, necesariamente, claves que faciliten su comprensión o permitan objetivar su naturaleza. Es el reinado de lo individual o subjetivo, de la obra de arte como objeto o mercancía, de la mercantilización del arte, en suma. La Primera Guerra Mundial (1914-1918) marcará un hito en la crisis moral y política de la civilización liberal, capitalista y burguesa forjada en el s. XIX; a partir de este momento, los artistas prosiguen su camino de búsqueda de nuevas formas de expresión.

LA PARTE POR EL TODO: HA SIDO UN PLACER!

Os dejo el último recorte, por si todavía queréis hacer un último esfuerzo, antes de la Selectividad. No es difícil, pero sí muy estimulante!
¿De qué obra se trata?
¿Quién la realizó? ¿Cuándo?
¿Qué características formales te llaman la atención? ¿Qué expresa o representa?
No te vayas sin concederte una última oportunidad.

¡Claro que era fácil!
Os dejo con "El grito" de Edvar Munch. Que no sea para vosotros un grito de desesperación y angustia, sino un grito liberador. ¡Por fin habéis terminado!

Enhorabuena a todos los que habéis alcanzado vuestros objetivos ahora en mayo! Y ánimo a los que aún esperan a septiembre para conseguirlo. Ha sido un placer trabajar con vosotros! Espero que el estudio de la Historia del Arte os haya abierto los ojos a otras dimensiones de la realidad, del mundo y de la vida. Alguno ha dicho que, a pesar del carácter poco práctico de esta materia, ha aprendido y disfrutado. Con eso me basta. Ha sido el final de un intenso viaje.
Hasta siempre!

LA PARTE POR EL TODO 35

Las señoritas de Avignon, Las señoritas de Aviñon o de Avinyó. Pablo Picasso, 1907. Óleo sobre lienzo. 243,9 x 233,7 cm. Museo de Arte Moderno de Nueva York

Bueno, ya casi hemos llegado al final!
Este recorte es para los resistentes, para los que hayan llegado hasta aquí... espero que disfrutando y aprendiendo. A pesar de los exámenes.

Claro que era fácil! el curso pasado algunos se quejaron de que la última obra propuesta resultó imposible de identificar... no quería dejaros un mal recuerdo de este humilde pasatiempo!

Hay algo salvaje y perturbador en este lienzo del pintor Pablo Picasso. Los franceses se han apoderado de la obra y del autor hasta hacerlos pasar casi por franceses, ya os lo he dicho en clase. Esas señoritas que nos miran con rostros feroces y distorsionados no habitaban las calles de la pintoresca y papal ciudad de Avignon, en Francia, como cualquier despistado pudiera creer; antes bien, sus cuerpos desnudos nos remiten, por su procaz exhibición, al carrer Avignó, en Barcelona, donde ejercerían el oficio de meretrices! Picasso rompió con este lienzo con siglos de tradición pictórica, pero no os dejéis engañar por el discurso moderno y provocador que subyace en esta afirmación. Las máscaras africanas que por entonces iluminaban las miradas de los artistas parisinos de vanguardia eran, seguramente, ajenas a la pintura que se hacía en occidente por aquellos tiempos, pero no a la tradición artística occidental. Su sencillo y contundente primitivismo, su salvaje belleza, ya eran conocidas por estas tierras... ¡En la Prehistoria! Dos mil años de pintura para volver, casi, a la casilla de salida... ¡Quién nos lo iba a decir?
Los primeros pintores de los que tenemos noticia ya se debatieron hace 20.000 años entre la figuración naturalista (Altamira) y la síntesis esquemática que prefigura la abstracción (Levante). La historia del arte no concluye con "Las señoritas de Aviñó", naturalmente! pero 1907 marca un antes y un después del arte, tal y como éste se había venido concibiendo y desarrollando. Empezábamos el curso haciéndonos la pregunta de: ¿Qué es el arte? y lo terminamos haciéndonos la misma pregunta: ¿Lo hecho desde 1907 sigue siendo arte?

Os dejo con un curioso video hallado en youtube sobre la obra, el cubismo y Picasso en acción; no os perdáis la no menos curiosa banda sonora..

LA PARTE POR EL TODO 34

Bonheur de vivre (La alegria de vivir) (1905-1906).
174 X 238 cm- Fundación Barnes, Merion, Pensilvania. EEUU.

Y la fiesta del color sigue!
¿Sabrías decir por dónde y de la mano de quién?

La alegría de vivir (1905-1906) resume el aprendizaje inicial de Matisse de los cuadros clásicos, de Gaugain, de las estampas japonesas y de los iconos persas y bizantinos. Será una de las obras clave de su carrera. Es una escena fruto de su imaginación, totalmente subjetiva. Utilizó el tema de las bañistas y las odaliscas orientales, pero situándolas en un ambiente occidental. Es facilmente reconocible el influjo de las pastorales renacentistas, de las escenas mitológicas en las que aparecen diosas y ninfas en alegre comunión. La música y la danza se integran placidamente en este ambiente festivo de colores vibrantes. Un radiante optimismo lo impregna todo; los cuerpos se insinúan a través de formas primarias, casi como bocetos. El espacio se define mediante amplias áreas de colores sin matizar, estructurados por medio de las líneas de los cuerpos, que dirigen la vista del espectador y marcan el ritmo de la composición. En fin, Matisse en estado puro.

LA PARTE POR EL TODO 33

La iglesia de Auvers-sur-Oise
Óleo sobre lienzo. V. Van Gogh, 1890. 94 x 74 cm. Museo de Orsay, París.

De vuelta a la pintura, después de una excursión por la arquitectura y la escultura que inaugura la modernidad... ¿Qué obra se nos presenta en este recorte? ¿Quién es su autor? ¿Qué rasgos definen su estilo?
Investiga y comprobarás que no siempre el talento y el éxito caminan juntos; es más, es posible que a los que tan alegremente hoy llamamos "genios", fueran despreciados, rechazados o incomprendidos cuando estaban vivos... cosas que pasan, dirán algunos!
¿Os vais a perder este reto, aun cuando estéis inmersos en la catársis final y amenazados por un sinfín de exámenes?

Comprueblo con satisfacción que, a pesar de los exámenes, el equipo habitual de incombustibles amantes y perseguidores del arte, no descansa. Efectivamente este era un recorte de una de las obras más interesantes y representativas del pintor del pelo rojo, del genio incomprendido y atormentado, Vincent Van Gogh, el holandés errante. Pintor que, aun cuando no conoció el éxito en vida, halló en la pintura el medio para expresar la emoción de vivir a través del color. En él se hace vida el lema que guía este modesto blog: el arte existe porque la vida no es suficiente.

Podéis leer lo que la página de ARTEHISTORIA, dice sobre este hermoso lienzo:

Quizá sea ésta la obra más emblemática de las 80 imágenes realizadas por Vincent durante sus dos meses de estancia en el pueblo de Auvers-sur-Oise, al noroeste de París, donde había sido enviado por Theo, cansado de Arles. En esa estancia estuvo atendido por el doctor Gachet. Las luces nocturnas siempre llamaron la atención de Van Gogh, bien fuese la luz de las estrellas - Noche estrellada - bien la de la luz artificial - Terraza del café de Arlés -. De nuevo recurre a la luz nocturna, teniendo como protagonista una pequeña iglesia gótica, que adquiere por el efecto lumínico una sorprendente sensación fantasmagórica. Como buen impresionista (no olvidemos que Van Gogh aprendió de Pisarro y se inició en este movimiento pictórico) se preocupa por captar la sombra de la construcción, apreciándose claramente tanto en el sendero como en el césped, al tomar un tono más oscuro. La pincelada del artista es cada vez más personal; si bien es cierto que partió del puntillismo de Seurat y la estampa japonesa, conseguirá alcanzar una libertad y una seguridad en el trazo incomparables. Esos pequeños toques de color, que se aprecian con facilidad en el lienzo y otorgan mayor ritmo a la composición, son únicos en el mundo. Por el contrario, las líneas de los contornos están muy marcadas, producto de la influencia del cloisonnismo de Bernard y Gauguin, y del deseo de Vincent por demostrar sus logros con el dibujo, su gran reto. La zona del cielo tiene mayor planitud, empleando una pincelada a base de espirales, destacando la intensidad del colorido. Precisamente los tonos que utiliza Van Gogh también son muy personales. Los malvas, verdes, amarillos y blancos caracterizaban buena parte de su producción, añadiendo pequeñas superficies de color naranja para aludir a los colores complementarios. La figura de la mujer que camina por el sendero proporciona mayor vitalidad y realismo a la escena, un conjunto insuperable.

LA PARTE POR EL TODO

¿Qué está pasando en la arquitectura? ¿Se han acabado ya los frontones y las columnas? ¿Hay novedades en el frente de la construcción? ¿Dónde? ¿Quién? ¿Por qué?

Es posible que, tras la realización del examen, algunos ya ni se pasen por aquí... ellos se lo perderán. Para aquellos que sigáis atentos a esta humildeventana, el juego continúa...

Disculpad la tardanza en la publicación de los comentarios, pero durante un par de días la plataforma que aloja el blog se "ha caído" y no ha permitido el acceso a su interior. Resueltos los problemas, sólo cabe felicitar a aquellos que, a pesar de los exámenes, todavía se aventuran por este improbable espacio... y han identificado el arranque de la torre-icono más famosa del mundo (con permiso de otras muchas que, seguramente, son más altas) levantada según el proyecto del ingeniero Gustav Eiffel. Todo empezó con los preparativos de la celebración del primer centenario de la Revolución Francesa de 1789, y todo pudo haber acabado concluidos los fastos de tan magno evento, dado el profundo rechazo que los parisinos sintieron desde el primer momento por tan inopinado gigante de hierros y tornillería que, además, carecía de función práctica ¿Para qué podía sevir aquello?. Pero la armada francesa descubrió las enormes posibilidades que aquella torre podía ofrecer para las comunicaciones por radio, así quedó resuelto, de una sóla tacada, su futuro: ya tenía una función que justificase su permanencia sobre el perfil de la ciudad de París y, con el tiempo, se convirtiese en una de las imágenes emblemáticas de la ciudad, fondo de infinitas fotografías para millones de turistas.

¿Será por eso que todas las ciudades del mundo quieren poseer un edificio "emblemático", a ser posible diseñado por algún rutilante arquitecto con firma, capaz de atraer a cientos de miles de turistas, aunque no tenga una función práctica definida?
Se admiten comentarios.

LA PARTE POR EL TODO 31

¿Qué ha pasado en la pintura en los últimos decenios del s. XIX? ¿A qué obra pertenece este recorte? ¿Qué representa?
No dejes pasar la ocasión de situarte en la modernidad y de romper con los estereotipos acerca de lo que ha de ser la "buena" pintura... Piensa que Courbet ya abrió nuevos horizontes y, antes que él, Goya ya transitó por esos caminos... de la mano del genial Velázquez!