JOAN MIRÓ REGRESA AL RIJKSMUSEUM

El museo holandés confronta los tres 'Interiores holandeses' del pintor con las obras del XVII que los inspiraron - Proceden del Metropolitan, MOMA y Guggenheim de Venecia.

Joan Miró (1893-1983) vuelve a Ámsterdam, en una suerte de eterno retorno al lugar de su inspiración. Paradójicamente, entre sus colegas de cabecera figuraron dos maestros holandeses del Siglo de Oro: se llamaban Jan Steen y Hendrick Sorgh y su especialidad era el costumbrismo de precisión fotográfica.

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SELECTIVIDAD 2010: CLASICISMO VERSUS VANGUARDIA

EJERCICIO B:
1. Analiza y comenta la imagen 1. (La raya verde)
2. Características generales del Fauvismo y aportación específica de Matisse.
3. Explica el contexto artístico y social en el que se desarrolla este movimiento artístico.

Este año han querido sorprendernos con la primera de las Vanguardias históricas, el Fauvismo. Sea. Las obras propuestas: El retrato de la señora Matisse, también conocido como "La raya verde" y la "Habitación roja", conocido como "Armonía en rojo", nos ofrecen una muestra exacta del estilo pictórico de Matisse, lider de este movimeinto artístico.
El problema, como siempre que aparece cualquiera de las vanguardias de principios del siglo XX, es la escasa información (y la falta material de tiempo) con la que solemos aproximarnos a estos nuevos lenguajes pictóricos. Una vez realizado el comentario de la obra propuesta, síntesis en sí misma del estilo fauve, el alumno corre el riesgo de quedarse sin munición para abordar la siguiente pregunta; y es que, una vez hecho el comentario, la pregunta 2 supone, en el caso de que uno no sea un experto comisario de exposiciones o connaiseur, la práctica reiteración de los rasgos destacados en el análisis. En cuanto al contexto, nada relevante que señalar, salvo lo difícil que resulta enmarcar una sóla de las vanguardias en el magma indómito de las vanguardias de principios de siglo en general, aunque uno de los textos que acompañaban las obras, nos daba alguna pista para situar de forma "casi exacta" el nacimiento del fauvismo. En fin, si es por hablar, bien podríamos estar hablando sobre la crisis del lenguaje artístico de finales del siglo XIX y las nuevas fronteras abiertas por los postimpresionistas, con su insaciable apetito de libertad y su capacidad para romper con todo tipo de convenciones. Y luego tenemos el cambio de siglo y el auge de los valores de una sociedad, la liberal-burguesa, que pronto se verá estremecida por los horrores de la Gran Guerra.
Y yo me pregunto (dado que este curso es de introducción a la Historia del Arte): ¿No sería más práctico y fértil que todas estas "primeras vanguardias" (fauvismo, cubismo, expresionismo, etc.) formaran un sólo tema? Sería muy útil que el alumno pudiera "identificar" estilos o lenguajes, conocer autores relevantes y obras significativas y, desde luego, hablar de un contexto general en el que convergen numerosas variables, entre ellas el ansia de diferenciación y novedad que recorre los albores del siglo XX. Por todo lo anterior, me temo que ninguno de vosotros ha hecho este ejercicio, y eso que el tema lo teníamos fresco y recién hecho. ¿Me equivoco?

EJERCICIO A:
1. Analiza y comenta la imagen A (DAVID, de Donatello, 1430).
2. Explica las características de la escultura durante el Quattrocento, especialmente la de Donatello.
3. Realiza una aproximación al momento histórico-social en que se desarrollan las obras y artistas de los que estamos tratando. (El famoso CONTEXTO).

¿NO ES UN REGALO ESTE EXAMEN?

Antes de que empiece el examen de Historia del Arte, es normal que estemos algo nerviosos (o mucho!), ya que tememos que nos suelten algún bicho. Este año no ha habido sorpresas, afortunadamente. El clasicismo, en cualquiera de sus manifestaciones, variantes y tiempos, suele ser del gusto de cualquier comité de expertos o sabios de la materia, y también de la mayoría de los alumnos. Es habitual que el alumno se solace ante la visión de estas hermosas obras, fruto de una imparable evolución técnica y estilística que arranca en el s. XIII (en los albores del gótico) y que culmina en la rica y culta ciudad de Florencia, en el s. XV (el Quattrocento), bajo el gobierno de la familia Medici. Las obras del duomo de Florecia, sobre todo la decoración de las puertas del baptisterio, atraen a los mejores talentos. El concurso de 1401 marca un hito en la evolución de la escultura, como recordaréis. Ghiberti , Della Quercia y Brunelleschi nos mostraron el camino que otros, más jóvenes, recorrerían después, hasta llegar a la plena representación de la Naturaleza. Donatello es, naturalmente, el paradigma de este renacer de la escultura en el siglo que inaugura la Edad Moderna, que vuelve a situar al hombre en el centro de todas sus preocupaciones formales y filosóficas. La reivindicación del clasicismo de la Antigüedad y su carácter antropocéntrico, pero desde una perspectiva cristiana y neoplatónica, se convierten en el eje de muchas de estas obras. Pero no sólo eso: la construcción del espacio y de la profundidad, gracias al descubrimiento de la perspectiva, dotarán a las obras de una objetividad y naturalidad desconocidas hasta ese momento. ¡Qué bella es la perspectiva! (Paolo Ucello).
Una vez relajados, dado que sabemos que el examen ya no se nos va a ir de las manos, podemos pasar al lucimiento. ¿Quién no se habrá deleitado comentando el hermoso "David" de bronce, realizado por Donatello? Palabras o expresiones como: bulto redondo, bronce, clasicismo, naturalismo, canon, contraposto, curva praxiteliana, ambigüedad, fuente bíblica: David y Goliat, simbología política: el triunfo de la inteligencia frente a la fuerza, superfície pulida, efectos de claroscuro, etc., han debido de ir apareciendo, fluyendo de manera casi natural y armónica, como corresponde a una obra que plasma a la perfección la idea de belleza que se afirma en esta primera etapa del Renacimiento italiano.
Explicar las características generales de la escultura no debe haber supuesto ningún problema; además de la escultura de bulto redondo, hay que hablar del relieve y, naturalmente, de las distintas tipologías: destacando el retrato ecuestre (Gattmelata!), así como la variedad de temas: mitológico, bíblico, etc. o de materiales: bronce, mármol, barro, etc. El conocimiento profundo de la obra de Donattelo permitirá, además, insinuar hasta el "anticlasicismo" de alguna de sus obras, como la famosa "Magdalena". Y no olvidemos que detrás del maestro, viene nada menos que Miguel Ángel, ese gigante de la escultura.
El contexto. Bueno, pues eso: el contexto.

Estoy seguro de que todos habéis hecho este ejercicio ¿Me equivoco?
Espero vuestros comentarios para poder contrastar opiniones.

ENTREVISTA A RENZO PIANO

El Centro Georges Pompidou, en París, es una de las obras más reconocibles del arquitecto italiano Renzo Piano (Génova, 1937). Con una estructura tubular, alberga el Museo Nacional de Arte Moderno, una biblioteca y el centro de investigación musical IRCAM.

Se está celebrando en Pamplona un congreso de arquitectura con el sugerente título de "Más por Menos" (parafraseando la famosa máxima de la arquitectura funcionalista del s. XX, "Menos es más"). Renzo Piano, arquitecto italiano que ya ha recibido el prestigioso premio Pritzker (el equivalente al Nobel, para entendernos), ha sido entrevistado por el diario EL PAÍS (entrevista que se publica en la edición de hoy). Me ha llamado la atención poderosamente la frase entrecomillada con la que se invita a los lectores a leer la entrevista; la frase dice así: "ME COSTÓ APRENDER QUE EL ARTE MEJORA A LA GENTE".

Me ha parecido muy interesante una de sus respuestas (no importa la pregunta):
"La arquitectura es a la vez el arte de hacer edificios sólidos y permanentes para la gente y el arte de soñar con mejores ciudades. Las ciudades y los edificios deben entender a la gente, si no, son fallidos. Pero hay más. Yo aprendí tarde que el objetivo de la arquitectura es el arte."
¿No es fantástica esta visión de la arquitectura?

Si te interesa, puedes leerla en el siguiente enlace:
http://www.elpais.com/articulo/cultura/costo/aprender/arte/mejora/gente/elpepicul/20100610elpepicul_4/Tes

LA PARTE POR EL TODO: EL RETO FINAL.

Iglesia de Sant Joan, situada en Valls, provincia de Tarragona.

El campanario de la iglesia es un símbolo de la ciudad; su altura, 74 metros, lo convierten en un mirador privilegiado sobre el campo de Tarragona. Su altura lo convierte, además, en el mas alto de todas la iglesias parroquiales de cataluña. La iglesia de de Sant Joan Bautista fue construida en el s. XVI, en época renacentista, aunque sobre una construcción anterior de época gótica que, a su vez, ocupaba el lugar de una iglesia románica. ¡Cosas de la ocupación del territorio!

¡HA SIDO UN PLACER!

Un año más, un curso más, llegamos al final de un ciclo que es, en realidad, el principio de una nueva etapa. Yo podría decir, como Heráclito, que ningún curso es igual a otro porque vosotros, jóvenes aún con un espléndido horizonte ante vuestros ojos, tampoco sois los mismos. Dicho queda pues.

Pero estas dos primeras frases responden, en realidad, a los viejos tópicos; son palabras desgastadas por el uso, aunque puedan sonar frescas a vuestros oídos juveniles. Debo deciros que ha sido un año apasionante también para mí. No todos los años son iguales, ni tampoco vosotros. He tenido la enorme fortuna de poder compartir con vosotros mis modestos conocimientos y el saber que, aunque escaso, he ido acumulando con el tiempo, así como la pasión que siento hacia el arte como experiencia plástica y necesidad humana. Confío en que hayáis disfrutado, como yo, durante estos casi nueve meses del viaje que os prometí en septiembre. Ha sido emocionante asistir a vuestra búsqueda de conocimiento y de sentido; algunos de vosotros me habéis impresionado con vuestra capacidad de trabajo y sentido del deber, valores que muchos echan de menos y que vosotros habéis esparcido a raudales en el aula y en vuestro trabajo diario. Me complace el haber contribuido a formar vuestro gusto por el arte, a proporcionaros instrumentos para paladear una obra o para rechazarla, pero con criterio y conocimiento, despojándoos de prejuicios. Me he apasionado con vosotros cuando partíais en busca de la obra que se escondía en la parte por el todo. Para todos tengo un recuerdo y no dudéis que permaneceréis en mi memoria (o, al menos, si ésta fallara, en mi cuaderno de profesor que desde hace años conservo).
Ignacio, Alba, José Antonio (a los que ya conocía y apreciaba), Amanda, Maite, Leo, Raquel e, incluso, Rubén (a los que he conocido este curso). A Yaiza, Mónica, Santiago, Karen (qué gran trabajo has hecho este año!), Suni, Miriam, Irene, Rubén y Mario; a todos os recordaré con cariño y aprecio, más allá del trabajo realizado por cada uno de vosotros y vosotras, más allá del resultado académico, conservaré vuestro respeto y ganas de aprender. Os deseo lo mejor en vuestro futuro; que aquello por lo que lucháis y aquello con lo que soñáis, se cumpla y lo alcancéis y, si no fuera así, tampoco os dejéis llevar por el desaliento, porque la vida está llena de pequeñas alegrías y las grandes metas casi siempre están demasiado lejanas, mientras que aquello que nos puede hacer felices casi siempre lo tenemos cerca de nosotros. Disfrutad pues de la vida y, si os fuera posible, apurando la copa.

LA PARTE POR EL TODO: ALDO ROSSI

Berlin-Mitte: Schuetzenstrasse. Aldo Rossi. 1998.

"Es imposible pensar sin tener una obsesion, es imposible crear algo imaginativo a menos de que los fundamentos sean rigurosamente indisputables y repetitivos"

Aldo Rossi

¿No es una maravilla andar caminando por la ciudad y toparse con esta fantasia colorista? ¿Quién dijo que la vida en la ciudad debía de ser aburrida y rutinaria? Rossi demuestra que, partiendo de la tradición racionalista (el movimiento moderno: el funcionalismo) que recorre el s. XX, es posible dialogar con otros lenguajes artísticos sin traicionar la esencia de la arquitectura concebida como arte. El movimiento tardomoderno constituyó una nueva forma de entender el espacio urbano, superando el brutalismo de algunas de las propuestas arquitectónicas de los años setenta y ochenta, para ofrecernos una imagen más amable, humana quizás, de la ciudad en la que vivimos. El color, por su dimensión plástica, supone una provocación para aquellos que conciben la arquitectura como un contenedor ordenado por la razón, pero no deja indiferente a nadie. ¿Os ha dejado indiferentes a vosotros?

BREVE APUNTE BIOGRÁFICO DE ALDO ROSSI
Aldo Rossi (1931-1997) fue líder de La Tendenza, un grupo de arquitectos milaneses que, a comienzos de los años 60, comenzó a cimentar las bases sobre las que se habría de asentar el pensamiento urbano más influyente del último tercio del siglo pasado en Europa. Su punto de referencia estaba en el revisionismo marxista de Gramsci y su intento de construir una nueva cultura de izquierdas. Para incorporar la arquitectura y el urbanismo a este proyecto, la Tendenza planteó la necesidad de refundarlas como disciplinas autónomas. Nacía así la idea de repensar la ciudad desde términos estrictamente disciplinares, una tarea que se acometería trasladando a ella el pensamiento estructuralista. Aldo Rossi fue director de la revista CasabellaIstituto Universitario di Architettura de Venecia y del Politécnico de Milán, y autor de obras de arquitectura tan emblemáticas como el Cementerio de Módena (1971) y el edificio Gallaratese (Milán, XXXX). En 1989 recibió el premio Pritzker de arquitectura, el equivalente al premio Nóbel.
Fuente: Atributos Urbanos.

LA ARQUITECTURA DEL S. XX: PRESENTACIONES

El Funcionalismo De Le Corbusier A Oscar Niemeyer

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Arquitectura De Finales El S. Xx

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Arquitectura EspañOla Fines S. Xx

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Aquí tenéis las tres presentaciones vistas en clase sobre la arquitectura de nuestro tiempo. Que las disfrutéis con sosiego.

LA PARTE POR EL TODO: EL HIJO DEL HOMBRE

EL HIJO DEL HOMBRE
autor: René Magritte. Óleo sobre lienzo. 116 × 89 cm, 45.67

¿Qué os voy a decir yo de esta fascinante obra que no hayáis dicho vosotros ya, tras vuestra galopada?
¡Siempre me fascinó Magritte! ¿Un autorretrato? ¿La culpa del pecado original que atenaza a todo cristiano? Lo mejor de Magritte es su capacidad para seducirnos a través de imágenes cargadas de símbolos que, en ocasiones, escapan a la voluntad del propio autor. No hay una sóla lectura, no puede haberla. La fascinación que su obra produce se deriva de la capacidad que el espectador tiene de conectar de forma profunda con el mundo de los símbolos o de los sueños ¿Freud?. Todo un guiño lleno de bucles.
No dejéis de disfrutar de este magnífico artista belga; por cierto, ni de visitar el museo dedicado a su obra en Bruselas, en la misma plaza donde se alzan los majestuosos edificios públicos del no menos fascinante reino de los belgas.

LA PARTE POR EL TODO: DESNUDO LLORANDO

Weeping Nude, 1913. óleo sobre lienzo
(110.5 x 135 cm). Munch Museum, Oslo

¿Quién no se ha angustiado alguna vez ante el inquietante personaje que protagoniza el lienzo conocido como "El grito"? E. Munch, artista al que podemos adscribir a la corriente expresionista, supo interpretar el horror y la angustia que puede atenazar al ser huamano, a través de una pincelada larga y ondulante, sirviéndose de colores cálidos y estridentes. La distorsión de las formas, el uso emotivo del color, los paisajes retorcidos y oníricos, no son una novedad en la pintura occidental, pero Munch logra crear con algunas de sus obras, algunos de los iconos más potentes de la angustia existencial que ha marcado la tragedia del hombre durante el s. XX. El cuadro que presentamos ahonda en la pesadumbre de estar vivo, que diría Rubén Darío, a través de esta desconsolada mujer que, sentada de forma desmadejada sobre un lecho de rojo intesísimo, cubre su rostro, probablemente bañado en lágrimas, con manos y cabello. El trazo grueso y roto, los vivos colores, aplicados en grandes manchas, la indefinición del desnudo, no obstante su preciso contorno, agudizan la sensación de desconsuelo que envuelve a esta mujer. Semanas atrás ya vimos una imagen femenina de gran potencia expresiva: la Magdalena de Pedro de Mena. Aquella mujer, que lloraba desconsoladamente a Cristo muerto en la cruz, era la expresión de un sufrimiento concreto, objetivable y, en consecuencia, asumible. La mujer que Munch pinta nos atrapa con su desconsuelo, pero no nos dice la razón de su llanto, lo que tal vez resulte más perturbador. ¿Cómo comprenderla y consolarla? El carácter torturado y obsesivo de Munch se proyecta en muchas de las imágenes que pinta, así como su particular visión de la mujer, unas veces triste, frágil y desconsolada, y otras fuerte, vigorosa, mujer vampiro ante la que el pintor se asusta.
Si el arte contemporáneo es la expresión de la subjetividad del artista, un vehículo para expresar su particular visión del mundo o de sus obsesiones, no hay duda de que Munch, como ya hiciera Goya en sus pinturas negras, encarna al artista del s. XX.

A continuación, un breve apunte bográfico

EDVARD MUNCH (Noruega, 1863-1944)
Pintor noruego cuyos cuadros y obra gráfica, tristes y angustiosas representaciones basadas en sus obsesiones y frustraciones personales, abrieron el camino al desarrollo del expresionismo. Nacido en Loeiten, Noruega, el 12 de diciembre de 1863, Munch comenzó a pintar a la edad de 17 años. Una beca estatal, concedida en 1885, le permitió proseguir sus estudios en París durante un breve periodo de tiempo. Veinte años después, en las ciudades de París y Berlín, Munch desarrolló la mayor parte de su producción artística. Tras una primera influencia de la pintura impresionista y postimpresionista, derivó hacia un estilo mucho más personal, obsesivamente apegado a la representación de imágenes relacionadas con la enfermedad y la muerte. La exposición de sus cuadros en Berlín en el año 1892 impresionó de tal modo a las autoridades que decidieron cerrar la muestra. Sin inmutarse por la contrariedad, Munch y sus partidarios trabajaron durante toda la década de 1890 en pro del desarrollo del arte expresionista alemán. De entre toda su obra, la más conocida es quizá El grito (1893, Museo Nacional de Oslo). Ésta, junto con el angustioso Niño enfermo (1881-1886, Museo Nacional de Oslo), reflejan el trauma sufrido por Munch en su niñez al morir su madre y su hermana víctimas de la tuberculosis. Pinta también tristes y melancólicas escenas, como El puente, con figuras lánguidas, de rasgos y rostros indefinidos. El reflejo de sus ansiedades sexuales puede verse en sus múltiples retratos de mujeres, representadas alternativamente, como frágiles e inocentes víctimas o como vampiresas devoradoras de vida. En 1908 su estado de ansiedad alcanzó tal magnitud que hubo de ser hospitalizado. En 1909 regresó a Noruega. La relativa tranquilidad que dominó su vida desde 1909 en adelante tiene su reflejo artístico en los murales de la Universidad de Oslo (1910-1916) y en el vigoroso y brillante colorido de sus paisajes. Aunque los últimos cuadros no son tan torturadores como sus primeros trabajos, su último autorretrato, Entre el reloj y la cama (1940, Museo Munch de Oslo), marca una vuelta a la introspección de años anteriores. Las numerosas xilografías, aguafuertes y litografías que Munch realizó a lo largo de su carrera tienen hoy día una significativa consideración dentro del arte gráfico contemporáneo, un trabajo y un estilo que puede definirse como poderoso, simple, directo y fuerte. Son muy pocos los cuadros de Munch que se conservan fuera de Noruega, entre ellos figura Atardecer. Laura, la hermana del artista de 1888 que se encuentra en el Museo Thyssen-Bornemisza de Madrid.
Fuente: El poder de la Palabra.

ARMONÍA EN ROJO DE HENRI MATISSE

Armonía en rojo. Henry Matisse 1908. Museo Ermitage, San Petersburgo.

Henry Matisse fue el lider indiscutible de la corriente pictórica denominada “Fauvismo”. El término francés Fauves, fieras, lanzado de forma despectiva por el crítico Luis Vauxcelles a los pintores que expusieron en el Salón de Otoño de 1903, se convirtió en el apelativo de este grupo de pintores que destacaron por la fuerza y violencia cromática de sus obras. Precedidos e influidos por Van Gogh y Guauguin, estos “fieras” fueron más lejos en su atrevimiento, ya que se proponían emancipar al color de cualquier servidumbre objetiva o realista para, alcanzada la liberación, expresar de forma más pura las emociones del artista, verdadero "tema" de la obra.

Los pintores ya no quieren captar la realidad desde un punto de vista objetivo o realista . Como dijo Matisse: “El color debe ser pensado, soñado, imaginado.” Para captar la realidad tal y como se presenta ante nuestros ojos, ya se habían inventado las cámaras de fotos y, muy pronto, el cinematógrafo hará que las imágenes cobren vida y movimiento en una pantalla. El realismo, tal y como se había desarrollado durante siglos de representación, dejó de tener sentido. Los artistas se proponen plasmar una realidad subjetiva: la que el propio autor percibe o presiente. El arte deja de representar objetivamente la Naturaleza para pasar a "presentar" las emociones o los estados de ánimo del propio pintor. Los fauvistas, al contrario que los pintores impresionistas y postimpresionistas, no jbuscan captar efectos lumínicos de ningún tipo; de hecho, las sombras desaparecen; predomina el efecto bidimensional en sus obras, por lo que nos parecerán planas, más próximas a la representación típica de la pintura románica que a la de la generación precedente. Matisse añade, además, elementos decorativos. Sus obras presentan una gran fuerza vital y de sus colores, intensos y vivos, se desprende una visión optimista de la vida. “Sueño con un arte de equilibrio, de tranquilidad, sin tema que inquiete o preocupe, algo así como un lenitivo, un calmante cerebral parecido a un buen sillón» declaraba Matisse.

Armonía en rojo fue encargada por un marchante ruso. En principio iba a ser realizada en azul, pero Matisse se decantó por el rojo, uno de sus colores favoritos por su gran carga expresiva. Del cuadro ha desaparecido la sensación de profundidad; primer y último plano comparten color y elementos decorativos. El claroscuro y el modelado han desaparecido. Predominan los colores primarios, rojo, amarillo, azul, aplicados de forma pura, sin matices tonales. Los colores secundarios: violeta, naranja y verde, aparecen en ciertos detalles. En la obra se combinan arabescos vegetales curvilíneos, que subrayan la sensualidad del rojo, con líneas rectas que sugieren tranquilidad. El dibujo, relegado ante la vitalidad del color, se realza a veces con trazos negros. La pintura se expande, los objetos no aparecen enteros en el cuadro, sino que parece que aspiran a liberarse de la rigidez del marco, convirtiendo la pintura en una explosión cromática de optimismo y vitalidad. El verde del paisaje que se cuela por la ventana contrasta por la serenidad que sugiere, con la agresividad del rojo que llena la tela. La mujer que dispone la mesa aparece, a su vez, en un estado de sosiego interior, de calma, abstraida en sus pensamientos.

El fauvismo inaugura la serie de "ismos" con los que el arte contemporáneo rompe con los sistemas tradicionales de representación, abriendo nuevas vias para la expresión artística. El arte, tal y como lo hemos venido siguiendo, ha muerto. ¡Viva el arte!