PROPUESTA DE ANÁLISIS DE UNA PINTURA BARROCA (I)

    Estimados alumnos y alumnas:
Aquí tenéis las obras de referencia de la pintura barroca flamenca, encarnada en Rubens.

RUBENS, LA ECLOSIÓN DEL BARROCO

Mapa visual de la obra y estilo de Rubens

Otro gran video de Artehistoria sobre la figura, trayectoria y obra del gran pintor flamenco del Barroco. Que disfruten de la opulencia de Rubens ahora que la crisis económica nos obliga a replantear nuestras pautas de consumo.

LA PINTURA BARROCA EUROPEA: LA ESCUELA FLAMENCA. RUBENS.

                   Retrato de Susanna Lunden. Pedro Pablo Rubens.

               Las tres gracias. Pedro Pablo Rubens. Tabla (221x181 cms).

La pintura flamenca y holandesa. Rubens y Rembrandt.
Escuela Flamenca:
En Flandes, la zona de la actual Bélgica, permanece unida a la corona española y a la Iglesia de Roma, lo que explica por una parte su identificación con los ideales de la contrarreforma y la pujanza de la temática religiosa, por otra parte la aristocracia impulsa el desarrollo de los asuntos profanos o mitológicos, que se plasman con un carácter sensual y exuberante en grandes lienzos que cubren las estancias palaciegas.

Los temas costumbristas, las fiestas aldeanas, las bodas, son frecuentemente tratados, y en ellos el optimismo y la alegría son característicos. En los bodegones, en las naturalezas muertas, son características las grandes piezas de caza, la abundancia de alimentos y frutas.

Pedro Pablo Rubens, El Príncipe flamenco (1577-1640):
Es sin duda el pintor más importante de esta escuela; en su pintura confluyen la tradición realista flamenca y las influencias italianas (sobre todo, venecianas. Viaj´ço a Italia, donde conoció de primera mano las obras de los grandes maestos del Renacimiento y acabó de conformar su estilo). Entre las características más importantes de su estilo podemos destacar:

- El dinamismo y la vitalidad que imprime a sus obras.
- Composiciones abiertas y predominio de las líneas diagonales y curvas y zigzagueantes.
- Rico colorido de influencia veneciana.
- Pincelada suelta y rápida, vigorosa.
- Sensualidad y voluptuosidad.
- Representación del desnudo femenino (formas gruesas, pieles nacaradas, cabellos rubios y pechos pequeños) en los temas mitológicos.
- Gran variedad de temas: religioso, mitológico, retratos, paisajes... en todos ellos sobresale el espíritu optimista y jovial con el que nos muestra su visión del mundo. Un mundo en el que el pintor se siente a gusto, instalado confortablemente en u burguesa vida.

Pintor muy prolífico, se le han llegado a atribuir más de tres mil obras, aunque actualmente se le atribuyen una gran parte de ella a su taller, en el que trabajaban multitud de pintores especializados en determinados géneros o aspectos de la obra (paisaje, telas, naturalezas muertas, etc.). En muchas obras la mano del maestro sólo interviene para darle el "toque rubeniano", tan característico de su estilo.

De su primera etapa son las obras religiosas: Bautismo de Cristo, la Transfiguración, y la erección de la Cruz (1610) y el Descendimiento (1611), estas últimas en la catedral de Amberes; además sobresalen la Piedad, la Adoración de los Magos (1609), (la obra que vimos en el Prado), la Flagelación, La Sagrada Familia (1632-34).

Gusta de retrato femenino, utilizando como modelos a Isabel Brandt, su primera esposa y a Elena Fourment su segunda esposa, tras enviudar, en 1626. Son retratos de gran dignidad, muy atentos a la calidad de los ropajes y la joyas que ponen de manifiesto la calidad del personaje retratado. en ocasiones llega a la adulación. Realizó gran cantidad de retratos de los personajes importantes de la época, siendo un gran fisonomista a la vez que presta atención a telas y adornos o joyas, con una menor preocupación por captar la psicología del personaje representado, retrato ecuestre del Duque de Lerma (1603), retrato de María de Medicis (1620).

Trabaja con mayor libertad, en los temas mitológicos o paganos, con una gran colorido, y un tratamiento del desnudo femenino que muestra su gusto por las formas gruesas y las pieles nacaradas, como el Rapto de las Sabinas (1635-37), El Juicio de Paris (1638), Las Tres Gracias (1636-38), todas ellas vistas en el Prado.

Como paisajista, podemos afirmar que es el creador del paisaje flamenco. Gusta de los suelos ondulados, los árboles retorcidos, los caminos serpenteantes, en fin de todo lo que pueda reafirmar el dinamismo y el vitalismo, como en el Regreso al Campo (1632-34).

Además de Pedro Pablo Rubens, es necesario mencionar dentro de esta escuela a:Antonio Van Dyck (1599-1641):Nacido en Amberes, con 18 años ya fue admitido en el gremio de los pintores y con 21 se convirtió en el principal colaborador de Rubens, tras abandonar el taller del maestro paso por Italia (Roma, Génova, Venecia), estableciéndose en Londres en 1632, hasta su muerte en 1641. En su primera etapa sobresalen los temas religiosos el Beso de Judas, la Coronación de Espinas, la Virgen del Rosario, en los que muestra un gran influencia de su maestro. Sin embargo, es el género de los retratos el más característico de su obra, puede ser considerado el creador de la escuela inglesa del retrato, del rey Carlos I (1638), de Guillermo II de Orange y su Esposa, el autorretrato del pintor y Sir Edmion Porter (1635); en todos ellos dignifica al retratado con un exquisito refinamiento tanto en las actitudes en los que les representa como con las tonalidades plateadas que acentúan su aspecto distinguido y elegante.Jacobo Jordaens (1593-1678):Es discípulo de Van Noort, maestro de Rubens y posteriormente discípulo y colaborador de Rubens; en sus obras religiosas y mitológicas sigue a su maestro, domina el colorido y las formas, pero la influencia del naturalismo y de la escuela flamenca, le llevan a prestar atención a los temas costumbristas, que plasma con verdadero realismo, prefiriendo los modelos populares, los ambientes rústicos, y los juegos de luces del tenebrismo. Jordaens es, por tanto, el maestro de una escuela pictórica de tendencia popular que se desarrolla paralelamente a la pintura oficial. Ejemplos de esta tendencia y autor son: El Rey bebe (1638-40), El Sátiro en casa de un campesino (1617-1620).


En el siguiente enla de Artehistoria, podéis encontrar más información sobre la vida y obra de Rubens, así como un amplio catálogo de sus obras.

http://www.artehistoria.jcyl.es/genios/pintores/3189.htm

y una PPT:

La Pintura Barroca Europea La Escuela Flamenca from Tomás Pérez Molina

ANÁLISIS DE UNA OBRA DE REMBRANDT

    Estimados alumnos y alumnas, aquí os dejo las obras de referencia de Rembrandt.

REMBRANDT, LA RONDA DE NOCHE

Un análisis potente sobre la genial obra de Rembrandt. La ruptura de todas las convenciones en el retrato de grupo (doelen) y la sabiduría compositiva del pintor alcanzan, en esta obra, una de sus cimas. Imprescindible.

REMBRANDT, LA SOLEDAD DEL GENIO. VÍDEO.

Conciso y hermoso video sobre el gran maestro de la pintura barroca, Rembrandt. Atentos a las explicaciones sobre su formación y trayectoria vital ya rtística, claves para entender su estilo y calidad humana.

LA PINTURA BARROCA: LA ESCUELA HOLANDESA. REMBRANDT.

                                     Rembrandt. Autorretrato

                               Vermmer de Delft. La joven de la perla.

La Escuela Holandesa:
En los Países Bajos, la zona de la actual Holanda, independiente de hecho desde principios del S. XVII, reconocida por la Paz de Westfalia de 1640, y defensora de los ideales religiosos reformistas, va a generar una escuela pictórica independiente propiciada por la estructura social democrático-burguesa y por la religiosidad protestante. El desarrollo del protestantismo, provoca la casi total desaparición de los imágenes, reduciendo el tema religioso a la representación escasa de escenas bíblicas. La severidad de las costumbres y la ausencia de obras de temática mitológica son otro rasgo de esta escuela.
La burguesía se va a convertir en el cliente de una pintura en la que el artista, no va a disfrutar del reconocimiento social que disfruta en otras zonas de la Europa Barroca; las obras destinadas a decorar las dependencias burguesas serán de escaso tamaño, a la vez que el número de obras que se realizan en este periodo será muy abundante.
En cuanto a los géneros que se desarrollan, podemos señalar: el retrato, individual y colectivo (doelen), los interiores burgueses o escenas domésticas, las escenas costumbristas, los paisajes, las representaciones de animales, las marinas y los bodegones.

Entre los retratistas sobresale Frans Hals (1580-1666):
Nacido en Malinas, aunque su familia se traslada a Harlem, donde va a desarrollar su obra, es el creador del retrato colectivo o doelen; se trata de pintar figuras que forman un conjunto, que se relacionan, que se comunican unas con otras. Son retratos de corporaciones, donde los directivos de estas entidades deseaban perpetuar su paso por las mismas, como el Banquete de los Oficiales de la Milicia de San Adrián (1627), los Arcabuceros de San Jorge (1639) y los Regentes del Hospicio de Ancianos (1664). Al principio Hals, pinta retratos de personas aisladas, con un colorido vivo y alegre, posteriormente su colorido se reduce a tonos más serios, en los que predominan el blanco y el negro. Su capacidad para reproducir en las figuras la psicología del retratado es característica.

Pero el pintor más importante de Holanda es, sin duda, Rembrandt Van Rijn (1606-1669). Entre las características más sobresalientes de su estilo, podemos señalar:
- Influencia de Caravaggio en el realismo y en la utilización de la luz.
- Empleo del claroscuro que se degrada en doradas penumbras. La luz tiene valor simbólico y psicológico, a la vez que formal.
- Utilización de formas sugeridas por manchas densas y amplias.
- Pincelada suelta y de grandes y espesos empastes.
- Realismo impregnado de idealismo y espiritualidad.
- Preocupación por captar la psicología del retratado, su estado anímico.
- Gran variedad de temas: religioso, mitológico, retratos, retratos colectivos, bodegones, paisajes.

Pintor de gran cultura, se interesó por los temas más variados; he aquí algunas de sus obras más significativas:
Tema mitológico: Danae (1636).
Tema histórico: Aristóteles contemplando el busto de Homero (1653).
Tema religioso: La cena con Emaus (1628-29), Negación de San Pedro (1660), el Descendimiento (1634).
Tema costumbrista: Joven bañándose (1655), Buey desollado (1655).
Retratos individuales: varios autorretratos, Retrato del pintor con Saskia.
Retratos colectivos: Ronda de Noche (1642), Los Síndicos de los Pañeros (1661), La lección de anatomía del Doctor Tulp (1632). 
Además del óleo sobre lienzo, Rembrandt destacó como grabador utilizando la técnica del aguafuerte.

    Su evolución pictórica sigue paralela a su vida, en un primer momento el éxito le sonríe, tiene grandes ingresos, es aceptado en los más altos círculos sociales, se casa con una joven de la alta burguesía local; en 1642, pintó la Ronda de Noche, el cuadro no agradó y el desacuerdo entre su estilo y el gusto estético de sus contemporáneos fue total, además coincide este momento con la muerte de su esposa Saskia. Su relación con Hendrikje Stoffels, niñera de su hijo Tito, de condición social humilde y con la que pudo contraer matrimonio, por el testamento de Saskia, no es aceptada por la puritana sociedad holandesa, este rechazo social se suma a la ruina en sus negocios, su vejez sombría y en la ruina, se vio agravada con la soledad tras la muerte de su hijo y de Hendrikje. Es en este aislamiento donde el pintor explora los estados del ánimo, utilizando el pincel como una herramienta de instrospección psicológica y espiritual. La galería de autorretratos pintada por él es una insuperable lección de cómo el paso del tiempo y los estragos de la vida, van tallando el rostro y el alma del propio pintor. La visión del mundo que Rembrnadt nos ha legado está llena de ternura y pesimismo, en poderoso contraste con la exhuberancia y el optimismo contagioso de Rubens.

Enlaces para profundizar en la obra de Rembrandt:

• http://www.artehistoria.jcyl.es/genios/pintores/3104.htm


• http://www.imageandart.com/tutoriales/biografias/rembrandt/index.html


• http://www.holland.com/rembrandt400/consumer/es/ (página web oficial del año Rembrandt).


• http://www.epdlp.com/pintor.php?id=348 (buena galería de imágenes)

Otros autores de esta escuela son:

De la pléyade de pintores holandeses podemos destacar, por la calidad de sus obras, a Veermer de Delft (+ 1675). Su obra es escasa: treinta y cuatro cuadros de escenas de interior (como La Lechera) o retratos (Muchacha con turbante) y dos paisajes urbanos (La callejuela y La vista de Delft). Incluso el número de pinturas atribuidas a Vermeer varía, debido a las circunstancias en las que murió Vermeer y a su posterior olvido.
Vermeer se destacaba en la restitución de la luz, de la textura, de la perspectiva (quizás empleaba la cámara oscura, el antecedente de la fotografía) y de los colores trasparentes. Cuidaba la armonía de los colores. En sus obras se puede sentir el silencio de los personajes en algunos momentos íntimos de sus vidas. Se interesó por todas las capas de la sociedad con igual esmero, desde el retrato de una simple lechera trabajando a las obras en las que muestra el lujo y esplendor de los ricos burgueses de la época en sus espaciosas casas; por tanto su pintura nos revela muchos aspectos de la vida de esta época. En su obra se pueden encontrar connotaciones religiosas y científicas.

En el siguiente enlace de Artehistoria, encontraréis más información sobre este gran pintor y su obra.

http://www.artehistoria.jcyl.es/genios/pintores/3661.htm

Y una PPT:

La Pintura Barroca La Escuela Holandesa from Tomás Pérez Molina

ANÁLISIS DE UNA OBRA DE CARAVAGGIO

Estimados alumnos y alumnas, aquí tenéis una selección de algunas de las obras de Caravaggio. Elegid la que más os guste y realizad el comentario.

O si lo preferís, alguna de las que aparecen en la relación inferior (y que no esté en la lámina superior):

Obra de referencia de Caravaggio:

• Baco (1595), Florencia.
• La vocación de San Mateo (1600).
• La conversión de San Pablo (1601), Roma.
• La dormición de la Virgen, Louvre (1605-6).

  

ARTEMISIA GENTILESCHI, PINTORA

Dánae

Artemisia Gentileschi, 1612. Óleo sobre cobre. Medidas: 40.5 cm × 52.5 cm.- Museo de Arte de San Luis, San Luis, Estados Unidos

 Judith decapitando a Holofernes (1614-20) 

Óleo sobre lienzo 199 x 162 cm 

Galleria degli Uffizi, Florencia.

Judit y su doncella
Hacia 1618-1619
Óleo sobre lienzo; medidas: 114 cm × 93,5 cm. Palacio Pitti, Florencia (Italia)

Entre los seguidores del naturalismo tenebrista del genial Caravaggio, encontramos a una extraordinaria pintora: Artemisia Gentileschi (1593-1654), hija de pintor y, gran extravagancia para la mentalidad de la época, mujer. El diario EL PAÍS, publica hoy un interesante artículo sobre esta pintora romana del s. XVII; os recomiendo la lectura del mismo... ya está bien de hablar de las "mujeres pintoras" en la historia, en el marco formal del 8 de marzo. Cualquier dia es bueno si el talento y el genio, que no conocen de géneros o sexos, ilumina nuestra vida. La entrada va precedida de algunas de las obras de esta reputada artista que llegó a lo más alto en la Europa barroca del s. XVII.

Aquí os dejo el enlace al artículo:

http://cultura.elpais.com/cultura/2012/03/19/actualidad/1332184059_166107.html


Y por si acaso queréis profundizar, algunos enlaces más:

 http://www.artehistoria.jcyl.es/genios/pintores/2025.htm

http://es.wikipedia.org/wiki/Artemisia_Gentileschi

http://www.artemisia-gentileschi.com/index.shtml

http://www.arthistoryarchive.com/arthistory/baroque/Artemisia-Gentileschi.html

http://www.mostrartemisia.it/

CARAVAGGIO: LA LUZ ENTRE LAS SOMBRAS

Una excelente e inquietante presentación plástico-musical de la obra de Caravaggio. La maestría del genio italiano para jugar con la luz a voluntad, rasgando la oscuridad del lienzo, es asombrosa. Aquellos que, en el s. XIX, le acusaron de haber destruido la pintura, hoy están olvidados, mientras que la luminosa y desoladora veracidad de las obras de Caravaggio sigue interpelándonos. Nunca antes el hombre había resultado tan auténtico, ni la piedad religiosa estimulada con argumentos tan directos.

CARAVAGGIO: EL MUNDO ENTRE LAS SOMBRAS.

Caravaggio. El prendimiento de Cristo, 1602. National Gallery of Ireland, Dublín (Irlanda)

En los siguientes enlaces puedes conocer a fondo la biografía y obra de este extraordinario pintor italiano, que revolucionó el arte de la pintura.

• http://es.wikipedia.org/wiki/Caravaggio (wikipedia, muy asequible y bien escrito)


• http://www.artehistoria.jcyl.es/genios/pintores/1493.htm (la síntesis)


• http://www.spanisharts.com/history/barroco/barroco_caravaggio.html (el análisis del experto)


• http://www.imageandart.com/tutoriales/biografias/caravaggio/index.html (breve, pero apropiado)


• http://www.artehistoria.jcyl.es/genios/pintores/gal1493-1.htm (galería de imágenes de sus obras más significativas)


• http://www.wga.hu/frames-e.html?/html/c/caravagg/index.html (la galería más completa y de mejor calidad gráfica, para auténticos amantes de la pintura)


• http://www.caravaggio.rai.it/index_it.htm (todo caravaggio, para los que se atreven con el italiano. Con un juego para aprender de forma divertida).

Elige el enlace que mejor se adapte a tus gustos y necesidades.

O revisa esta PPT (una variación del Profesor Sergi Sanchiz sobre una mía):

ART 08.F. La pintura barroca europea. Caravaggio. from Sergi Sanchiz Torres

LA PINTURA BARROCA: ESCUELAS Y TENDENCIAS

Los esquemas proponen una visión somera de las distintas tendencias de la pintura Barroca europea. Una visión más profunda requerirá la consulta de las presentaciones sobre Caravagio, Rubens (escuela flamenca) y Rembrandt (escuela holandesa), alojadas en slideshare. De España nos ocuparemos más adelante.

LA PINTURA BARROCA. EL LENGUAJE DE LA PINTURA BARROCA. ITALIA.

La incredulidad de Santo Tomás. 1601-02. Caravagio.

Óleo sobre lienzo , 107 x 146 cm. Sanssouci, Potsdam (Alemania)

LA PINTURA BARROCA: El lenguaje de la pintura barroca.
Una aproximación a las características generales.
   El interés persuasivo de la iglesia católica (nacido del espíritu del Concilio de Trento), los intereses propagandísticos y políticos de la monarquía absoluta y la valoración de la burguesía protestante de lo individual y lo cotidiano, determinan la principal cualidad de la pintura barroca: su vinculación a la realidad. Esta vinculación es también consecuencia de una evolución estilística: cuando en los últimos años del siglo XVI la justificación puramente estética y el consciente antinaturalismo del manierismo, agotan sus cauces expresivos, los artistas barrocos usan la novedad formal plasmando en sus obras aquello que el manierismo rechazaba: la realidad y la naturaleza.

Debido a la variedad nacional y al independiente desarrollo de las escuelas pictóricas, no son muchas las notas comunes que caracterizan a la pintura barroca, no obstante, podemos señalar las siguientes:

- Realismo. Se buscan los modelos de la naturaleza, sin proceder a su idealización, incluso llegando al naturalismo. La preocupación por la representación del estado psicológico, de los sentimientos o afecti (dolor, alegría), está en la línea de esta representación naturalista de la realidad.
- Predominio del color sobre el dibujo. En los grandes maestros las manchas son las definidoras de las formas (Velázquez o Rembrandt). Se pintan las cosas como se ven en la realidad, con manchas de color y luz, perdiéndose los detalles y con el contorno no precisado.
- Profundidad continua. Se abandona el rigor de la perspectiva lineal para la representación del espacio y de la profundidad. Para obtener la sensación de profundidad los procedimientos utilizados pueden ser líneas convergentes, series de escorzos, un primer plano desmesurado, un primer plano oscuro, juegos de luces, plasmación de efectos atmosféricos, etc.
- Hegemonía de la luz. Se abandona el esfumato de Leonardo, para pasar a planos de luz y sombras donde las formas se dibujan con gran precisión. El barroco es el arte de plasmar pictóricamente la luz y, en correlación, la sombra juega un papel hasta entonces inédito, especialmente en los primeros ensayos del estilo que han venido a denominarse Tenebrismo. En el Barroco la forma se subordina a la luz, y, en algunas ocasiones, las formas pueden desvanecerse por debilidad o intensidad del centelleo luminoso.
- Libertad en la composición: predominan las composiciones asimétricas y atectónicas. La tendencia instintiva a colocar la figura principal en medio y a pintar dos mitades de telas semejantes (simetría) se pierde; de la misma manera que se desecha la malla de horizontales y verticales del arte clásico (composición tectónica). Se prefiere todo aquello que muestre desequilibrio o sugiera que la escena continúa más allá de los límites del marco. Esta composición atectónica se consigue mediante las líneas diagonales que sustituyen a las composiciones piramidales del siglo anterior; a veces se usan formas partidas que indiquen que no todo cabe en la tela.
- Preocupación por plasmar el movimiento. La pintura barroca es la pintura de la vida y ésta no puede representarse bajo formas estáticas. La turbulencia se antepone a la quietud; las figuras son inestables y los escorzos y ondulaciones se multiplican. A veces este movimiento no existe y el exceso de quietud y austeridad se debe relacionar con el deseo de vincular la obra con la trascendencia religiosa.
- Técnicas. La importancia del color y el deseo de mostrarlo en toda su brillantez hace que se abandone el temple y se generaliza el óleo y el uso del lienzo, a veces de grandes proporciones y la pintura sobre tabla casi se abandona. La técnica del fresco se sigue utilizando para la pintura decorativa de las paredes o de las bóvedas.
- Temas. Aquí es donde la multiplicidad de escuelas provoca una absoluta variedad en los temas. En los temas religiosos abundan las representaciones de la Virgen, como Inmaculada Concepción, la Piedad, los pasajes evangélicos más relevantes, la caridad, los sacramentos (en especial la penitencia y la eucaristía), las series sobre la vida de los santos y sus experiencias religiosas, la visión de la muerte (vanitas), etc. destacando la pintura española en este repertorio. El desnudo es proscrito de las representaciones religiosas, persistiendo únicamente en las alegorías y mitologías. La fábula pagana se cultivará en Francia y Flandes. Los holandeses destacarán en el retrato de grupo y el paisaje se convierte en género independiente y, dentro de él, temas especiales como escenas realistas: de interiores y de vida cotidiana, marinas, batallas navales, etc. También se desarrolla el cuadro de arquitectura, el bodegón, los de naturalezas muertas. En conclusión: la variedad temática no excluye una cierta especialización nacional, según se esté en los ambientes católicos de la Europa mediterránea o en los ambientes burgueses y protestantes de la Europa del norte.

A pesar del gran desarrollo que la pintura barroca tendrá en toda Europa, Italia vuelve a ser el escenario donde se producen las primeras innovaciones. Habrá que destacar tres grandes corrientes:

- La tendencia clasicista, representada por Anibale Carraci, donde la tensión entre el realismo naturalista y el clasicismo idealizante, serán una constante. Hay que reseñar la fundación de la Academia de Bolonia (Los Incamminati, los encaminados hacia la auténtica pintura, por oposición al tenebrismo naturalista).

- La pintura decorativista, que se sigue sirviendo del fresco, apta para la decoración de techos y bóvedas. Destacan los grandes rompimientos de gloria, con inéditas perspectivas celestiales que rompen el techo y conectan el cielo con la tierra.

- El Tenebrismo naturalista representado por Caravaggio, el verdadero artífice de la revolución pictórica que representa el Barroco. En este autor y su obra centraremos nuestro trabajo. La obra que nos sirve de cabecera es una buena aproximación a su estilo atrevido y rupturista, donde la luz se convierte, junto a los personajes que subraya o matiza, en el elemento clave de la obra.

Y una PPT:

Tema 11º el arte barroco pintura from Francisco Bermejo

LA ESCULTURA BARROCA: ANÁLISIS DE UNA OBRA DE BERNINI.

Estimados alumnos y alumnas, aquí os dejo las obras de referencia de Gian Lorenzo Bernini.

UNA APROXIMACIÓN A LAS GRANDES OBRAS ESCULTÓRICAS DE BERNINI

Un extraordinario video para disfrutar de las obras maestras del genio italiano. Con Bernini el mármol se hace carne y nos olvidamos de la frialdad de la materia inerte. La piel, de suavidad pulida, trasluce venas y tendones; la carne, mórbida y sensual, nos ofrece su cálida textura. Nadie antes que él, y seguramente más tarde tampoco, supo capturar el aliento de la vida, el drama de la existencia, la pasión de vivir, en definitiva. Que lo disfrutéis. El maravilloso "El rapto de Proserpina", donde el mármol se hace sensualidad. La Bella y la bestia. La ferocidad y la virtud. El deseo...

LA ESCULTURA BARROCA ITALIANA: BERNINI.

Gian Lorenzo Bernini - David (Roma, Galleria Borghese, 1623-24)

LA ESCULTURA BARROCA ITALIANA: GIANLORENZO BERNINI.

En el siguiente enlace podéis ver toda la obra escultórica de Bernini; es muy recomendable hacerlo, dada la gran variedad de géneros que el gran escultor italiano tocó a lo largo de su vida.

http://www.scultura-italiana.com/Galleria/Bernini%20Gian%20Lorenzo/index.html

Una rápida aproximación a su obra escultórica:

• FORMACIÓN: Bernini se forma como escultor en el taller de su padre, donde estudia en profundidad la obra de Miguel Ángel y las colecciones de escultura antigua de la época greco-helenística. Su profunda asimilación de lo antiguo, lo clásico, es un rasgo esencial de su estilo.

• MECENAZGO: Trabaja en Roma, bajo el mecenazgo de varios papas (Urbano VIII, Inocencio X, Alejandro VII), aunque en su etapa juvenil estuvo bajo la protección de Escipione Borghese. Gran parte de sus obras son encargos papales (retratos, tumbas, etc.).

• EVOLUCIÓN ESTILÍSTICA: Partiendo de las formas atormentadas del manierismo italiano, el estilo de Bernini evoluciona hacia formas que captan el instante del movimiento físico como resultado de la acción que se representa. Es un estilo de gran dinamismo e intensidad dramática, de gran perfección técnica.

• TEMÁTICA: trata todos los temas posibles, desde el mitológico al religioso, pasando por el retrato, la alegoría o el monumento funerario. Como urbanista también proyecta y ejecuta fuentes ornamentales para las plazas de Roma.

• OBRAS MÁS IMPORTANTES: Apolo y Dafne, David, Beata Ludovica Albertoni, Éxtasis de Santa Teresa, Plutón y Proserpina, retrato de Luís XIV, Fuente de los cuatro rios de la Plaza Navona, Tumba de Urbano VII.

Para profundizar en el conocimiento de la obra y estilo de Bernini, o recomiendo que visitéis el blog de otro profesor de Historia del arte; aquí os dejo el enlace:

 http://algargosarte.lacoctelera.net/post/2009/05/14/bernini-y-escultura-barroca-italiana-los-siglos-xvii-y

Y una PPT:

Bernini Escultor from Tomás Pérez Molina

LA ESCULTURA BARROCA: ESQUEMAS BÁSICOS

MIENTRAS DURE LA CUARENTENA

Estimados alumnos y alumnas, mientras estemos confinados y las clases estén suspendidas, podéis acceder a los diversos recursos alojados en el blog para reforzar los temas ya estudiados o acceder a los temas que quedaron pendientes. Basta con pinchar en la etiqueta del tema correspondiente para que se desplieguen las diferentes entradas relacionadas con el mismo. Explicaciones, videos, pptx, esquemas, etc. siguen siendo recursos adecuados para reforzar vuestro estudio y comprensión de los temas de la historia del arte.
Un fuerte abrazo.