Pinturas de la Tumba de Nebamum. Anónima. XVIII Dinastía. British Museum.
Valerosos navegantes, los dioses han querido que no os perdiérais en el laberinto de tumbas del valle de los reyes (y de las reinas). Habéis contemplado, como el Ka inmortal de Nebamum, aquello que fue pintado sólo para sus ojos. Disfrutad, pues, de la hermosa danza de estas jóvenes bailarinas; dejáos llevar por el sonido de las flautas que aún flota entre las secas estancias de la tumba. Estamos contemplando el baile ritual en honor de los difuntos, acompañado con música para celebrar el paso hacia la vida eterna. La muerte, para los egipcios, no era el final sino la puerta de acceso a la vida de ultratumba. Por las pinturas, todo parece indicar que no lo vivían como un trauma sino como una fiesta. O, al menos, eso me gustaría creer.
Desde el punto de vista formal, la pintura ofrece todo el repertorio típico de la pintura egipcia: técnica del fresco retocada con temple, composición en frisos superpuestos (espacio camino), ausencia de profundidad espacial, perspectiva aspectiva en el tratamiento de las figuras humanas, paleta cromática reducida y sin tono cromático, contornos perfilados, fondos blancos, frontalidad, isocefalia, etc. Es, en definitiva, una visión conceptual de la realidad. Los egipcios pintaban las cosas como sabían que eran, no como las veían (Gombrich, dixit).
Espero que hayáis disfrutado en esta búsqueda.
Bisonte lamiéndose el flanco. Paleolítico Superior. REVISA TU COMENTARIO
Dimensiones de la pieza: de 10 cm. de longitud.
Técnica y material: tallado en un fragmento de asta de reno.
Localización: hallado en la cueva de La Madeleine, (Dordoña, Francia) y conservado en el Museo de Saint-Germain-en-Laye (Francia), esta pieza de arte mueble representa un bisonte con la cabeza vuelta. La actitud del animal está obligada por la forma de asta del reno. Recuérdese el bisonte de patas encogidas y la cabeza vuelta hacia atrás de la cueva de Altamira.
ANÁLISIS FORMAL
La obra representa un bisonte que parece que se está lamiendo el flanco (parte posterior de su cuerpo). El material y formato del asta determinó, en su momento, la concepción plástica del animal tallado. El Bisonte ha sido representado de forma naturalista, con gran verosimilitud, destacando aquellos rasgos del animal que mejor lo caracterizan. El naturalismo no significa, en todo caso, que la representación sea una reproducción exacta del animal. Se aprecia una clara simplificación de aquellos rasgos (ojos, morro, cornamenta, pelo, etc.) que hacen posible una clara identificación del mismo. El autor demuestra una gran capacidad de observación y análisis de la forma representada, ya que hasta el volumen ha sido suavemente modelado para resaltar el cuerpo del animal.
Análisis perspectivo: el autor quiere mostrar el ángulo más característico del animal, para que su visión resulte completa. Para ello, no duda en torcer la cabeza del bisonte, en un gesto demasiado forzado, que propicia el que “parezca” que se está lamiendo el flanco, mientras que talla el cuerpo y las patas de perfil, de manera que se reconozca con claridad su silueta. La técnica es similar a la utilizada en la pintura parietal (recuérdense los bisontes de la cueva de Altamira), próxima a la “perspectiva tordue” (perspectiva torcida), en la que el autor combina diferentes ángulos de visión.
Posible función: la figura, de pequeño tamaño, se sitúa dentro del llamado “arte mobiliar” del Paleolítico Superior, formando parte del conjunto de pequeñas esculturas y otros útiles de hueso, asta o piedra, que forman este legado. Tanto las llamadas “Venus” como estas tallas de animales parecen estar relacionadas con ciertas funciones simbólicas, entre las que destacarían las que tienen un sentido mágico-propiciatorio. La finalidad simbólica de esta talla podrían estar relacionada con la misma que se le otorgaba a las pinturas parietales (magia propiciatoria, reproducción, supervivencia), dada la similitud del tema representado y de los recursos formales empleados. No obstante, el hecho de que pueda ser transportado otorga a este tipo de figurillas el carácter de “amuleto” propiciatorio para su portador.
VISITA LAS CUEVAS DE LASCAUX (FRANCIA) Y PROFUNDIZA EN EL ARTE RUPESTRE EN LA SIGUIENTE DIRECCIÓN:
http://www.culture.gouv.fr/culture/arcnat/lascaux/en/
El descedimiento de la cruz. Óleo sobre tabla. R. Van der Weyden, 1436
Fotografía: mujeres del caúcaso lloran el cadáver de un hombre.
Uno año más llega el momento de recibir a los nuevos alumnos y alumnas en este blog. Repasando el texto de bienvenida del curso pasado, me he sentido abrumado. No sé si seré capaz de, sin repetirme a mí mismo, invitaros a iniciar este viaje con la suficiente elocuencia. Para curarme en salud, he recurrido a los clásicos, fuente segura de sabiduría y conocimiento. He releído a Gombrich, a quien considero maestro de cabecera en esto de enseñar historia del arte, pues la introducción que él hace en su libro "Historia del Arte", sigue siendo una de las más interesantes y profundas aproximaciones que se han hecho al fenómeno de la creación artística.
Dice el maestro: "No existe, realmente, el Arte. Tan sólo hay artistas. Estos eran en otros tiempos hombres que cogían tierra coloreada y dibujaban toscamente las formas de un bisonte en las paredes de una cueva; hoy, algunos compran sus colores y trazan carteles para las estaciones del Metro. Entre unos y otros se han hecho y se hacen muchas cosas. No hay ningún mal en llamar arte a todas estas actividades, mientras tengamos en cuenta que tal palabra puede significar muchas cosas distintas, en épocas y lugares diversos, y mientras advirtamos que el Arte, escrito con mayúscula, no existe, pues el Arte con mayúscula ha de ser un fantasma y un ídolo. (...)".
Bueno, no está mal ¿eh?. De las palabras de Gombrich se desprende un largo viaje. Un viaje que no concluye cuando el curso acaba; esto sólo es el principio de una búsqueda, la primera etapa de una larga travesía. Es posible que cada uno de vosotros tenga ya una idea de lo que es el arte, o de quienes son los artistas, o para qué sirve, si es que el arte ha de servir para algo. Fantasmas e ídolos; en estas dos palabras reside parte del empeño en el que me gustaría embarcaros. Es posible, también, que algunos esperen que iniciemos este curso ofreciendo una breve definición de lo que es el arte, pero lamento defraudaros. Palabras como belleza, expresividad, perfección técnica, parecido o realidad, etc. forman parte del repertorio elemental con el que solemos acercanos a la obra artística. Pero sólo son, como veremos, palabras. ¿Quién decide lo que es "arte"? ¿Quién decide "quién es artista"? ¿Por qué el arte está en los museos? Son algunas preguntas pertinentes cuando uno trata de reflexionar sobre la naturaleza de la creación artística y sus misterios. Por eso, os invito a que vosotros mismos reflexionéis sobre estas cuestiones. Pronto hablaremos de ello en clase.
Para rematar este saludo, una última observación: no olvidéis que el estudio de esta materia es un viaje al interior del ser humano; a sus temores y esperanzas, a sus deseos y miserias. Un viaje, en fin, que nos permitirá conocer y disfrutar y, si los dioses quieren, también aprender y ser un poco más sabios. Pues el arte es el espejo del mundo, como señala Julian Bell, y nosotros vivimos en él.
¡Que lo disfrutéis, artenautas!
postescriptum: ¿Qué me decís de las imágenes que acompañan esta entrada? Se admiten todo tipo de comentarios.
Si habéis llegado hasta aquí, os propongo que reflexionéis y redactéis un breve informe sobre las siguientes cuestiones:
El próximo lunes hablaremos en clase de ello.
EJERCICIO B:
EJERCICIO A:
El Centro Georges Pompidou, en París, es una de las obras más reconocibles del arquitecto italiano Renzo Piano (Génova, 1937). Con una estructura tubular, alberga el Museo Nacional de Arte Moderno, una biblioteca y el centro de investigación musical IRCAM. 
