LA PARTE POR EL TODO

Estimados alumnos y alumnas
si os fijáis en la ventana de la izquierda (LA PARTE POR EL TODO), he dejado un pequeño "recorte" de una de las obras más reproducidas de la Historia del Arte. Si os apetece "jugar" y descubrir (a lo Indiana Jones) el qué y quién de esta magnífica pieza, sólo tenéis que empezar a investigar...
Dejad vuestros comentarios con el resultado de la búsqueda en la sección de COMENTARIOS de esta entrada. Los primeros CINCO descubridores, serán adecuadamente gratificados con un pequeño incremento de la nota en el primer examen que realicemos.
Un saludo y ánimo para emprender la búsqueda!

COMENTARIO FORMAL DE LA PIEZA: BISONTE LAMIÉNDOSE EL FLANCO

Bisonte lamiéndose el flanco. Paleolítico Superior.

Hallado en la cueva de la Madeleine, región de Dordoña (Francia).

Tallado sobre asta de reno. 10 cm. de longitud.

REVISA TU COMENTARIO

Dimensiones de la pieza: de 10 cm. de longitud.

Técnica y material: tallado en un fragmento de asta de reno.

Localización: hallado en la cueva de La Madeleine, (Dordoña, Francia) y conservado en el Museo de Saint-Germain-en-Laye (Francia), esta pieza de arte mueble representa un bisonte con la cabeza vuelta. La actitud del animal está obligada por la forma de asta del reno. Recuérdese el bisonte de patas encogidas y la cabeza vuelta hacia atrás de la cueva de Altamira.

ANÁLISIS FORMAL
La obra representa un bisonte que parece que se está lamiendo el flanco (parte posterior de su cuerpo). El material y formato del asta determinó, en su momento, la concepción plástica del animal tallado. El Bisonte ha sido representado de forma naturalista, con gran verosimilitud, destacando aquellos rasgos del animal que mejor lo caracterizan. El naturalismo no significa, en todo caso, que la representación sea una reproducción exacta del animal. Se aprecia una clara simplificación de aquellos rasgos (ojos, morro, cornamenta, pelo, etc.) que hacen posible una clara identificación del mismo. El autor demuestra una gran capacidad de observación y análisis de la forma representada, ya que hasta el volumen ha sido suavemente modelado para resaltar el cuerpo del animal.

Análisis perspectivo: el autor quiere mostrar el ángulo más característico del animal, para que su visión resulte completa. Para ello, no duda en torcer la cabeza del bisonte, en un gesto demasiado forzado, que propicia el que “parezca” que se está lamiendo el flanco, mientras que talla el cuerpo y las patas de perfil, de manera que se reconozca con claridad su silueta. La técnica es similar a la utilizada en la pintura parietal (recuérdense los bisontes de la cueva de Altamira), próxima a la “perspectiva tordue” (perspectiva torcida), en la que el autor combina diferentes ángulos de visión.

Posible función: la figura, de pequeño tamaño, se sitúa dentro del llamado “arte mobiliar” del Paleolítico Superior, formando parte del conjunto de pequeñas esculturas y otros útiles de hueso, asta o piedra, que forman este legado. Tanto las llamadas “Venus” como estas tallas de animales parecen estar relacionadas con ciertas funciones simbólicas, entre las que destacarían las que tienen un sentido mágico-propiciatorio. La finalidad simbólica de esta talla podrían estar relacionada con la misma que se le otorgaba a las pinturas parietales (magia propiciatoria, reproducción, supervivencia), dada la similitud del tema representado y de los recursos formales empleados. No obstante, el hecho de que pueda ser transportado otorga a este tipo de figurillas el carácter de “amuleto” propiciatorio para su portador.

UNA VISITA VIRTUAL A LAS CUEVAS DE LASCAUX

VISITA LAS CUEVAS DE LASCAUX (FRANCIA) Y PROFUNDIZA EN EL ARTE RUPESTRE EN LA SIGUIENTE DIRECCIÓN:
http://www.culture.gouv.fr/culture/arcnat/lascaux/en/

¿QUÉ ES EL ARTE?

Qué Es El Arte - Tomás Pérez Molina

View more presentations from Tomás Pérez Molina.

Hoy hemos desbrozado sólo una parte del camino; para seguir aproximándonos al arte y a los artistas, os propongo la consulta de esta presentación (que yo mismo preparé hace unos cursos) sobre algunas de las cuestiones que se han abordado hoy en clase.

BIENVENIDOS AL CURSO 2010-2011

El descedimiento de la cruz. Óleo sobre tabla. R. Van der Weyden, 1436

Fotografía: mujeres del caúcaso lloran el cadáver de un hombre.

Uno año más llega el momento de recibir a los nuevos alumnos y alumnas en este blog. Repasando el texto de bienvenida del curso pasado, me he sentido abrumado. No sé si seré capaz de, sin repetirme a mí mismo, invitaros a iniciar este viaje con la suficiente elocuencia. Para curarme en salud, he recurrido a los clásicos, fuente segura de sabiduría y conocimiento. He releído a Gombrich, a quien considero maestro de cabecera en esto de enseñar historia del arte, pues la introducción que él hace en su libro "Historia del Arte", sigue siendo una de las más interesantes y profundas aproximaciones que se han hecho al fenómeno de la creación artística.
Dice el maestro: "No existe, realmente, el Arte. Tan sólo hay artistas. Estos eran en otros tiempos hombres que cogían tierra coloreada y dibujaban toscamente las formas de un bisonte en las paredes de una cueva; hoy, algunos compran sus colores y trazan carteles para las estaciones del Metro. Entre unos y otros se han hecho y se hacen muchas cosas. No hay ningún mal en llamar arte a todas estas actividades, mientras tengamos en cuenta que tal palabra puede significar muchas cosas distintas, en épocas y lugares diversos, y mientras advirtamos que el Arte, escrito con mayúscula, no existe, pues el Arte con mayúscula ha de ser un fantasma y un ídolo. (...)".

Bueno, no está mal ¿eh?. De las palabras de Gombrich se desprende un largo viaje. Un viaje que no concluye cuando el curso acaba; esto sólo es el principio de una búsqueda, la primera etapa de una larga travesía. Es posible que cada uno de vosotros tenga ya una idea de lo que es el arte, o de quienes son los artistas, o para qué sirve, si es que el arte ha de servir para algo. Fantasmas e ídolos; en estas dos palabras reside parte del empeño en el que me gustaría embarcaros. Es posible, también, que algunos esperen que iniciemos este curso ofreciendo una breve definición de lo que es el arte, pero lamento defraudaros. Palabras como belleza, expresividad, perfección técnica, parecido o realidad, etc. forman parte del repertorio elemental con el que solemos acercanos a la obra artística. Pero sólo son, como veremos, palabras. ¿Quién decide lo que es "arte"? ¿Quién decide "quién es artista"? ¿Por qué el arte está en los museos? Son algunas preguntas pertinentes cuando uno trata de reflexionar sobre la naturaleza de la creación artística y sus misterios. Por eso, os invito a que vosotros mismos reflexionéis sobre estas cuestiones. Pronto hablaremos de ello en clase.
Para rematar este saludo, una última observación: no olvidéis que el estudio de esta materia es un viaje al interior del ser humano; a sus temores y esperanzas, a sus deseos y miserias. Un viaje, en fin, que nos permitirá conocer y disfrutar y, si los dioses quieren, también aprender y ser un poco más sabios. Pues el arte es el espejo del mundo, como señala Julian Bell, y nosotros vivimos en él.
¡Que lo disfrutéis, artenautas!

postescriptum: ¿Qué me decís de las imágenes que acompañan esta entrada? Se admiten todo tipo de comentarios.

Si habéis llegado hasta aquí, os propongo que reflexionéis y redactéis un breve informe sobre las siguientes cuestiones:

1. ¿Qué es el arte?
2. ¿Qué es arte? ¿Quién decide lo que "es" arte?
3. ¿Tiene el arte alguna función? ¿Para qué sirve?

El próximo lunes hablaremos en clase de ello.

JOAN MIRÓ REGRESA AL RIJKSMUSEUM

El museo holandés confronta los tres 'Interiores holandeses' del pintor con las obras del XVII que los inspiraron - Proceden del Metropolitan, MOMA y Guggenheim de Venecia.

Joan Miró (1893-1983) vuelve a Ámsterdam, en una suerte de eterno retorno al lugar de su inspiración. Paradójicamente, entre sus colegas de cabecera figuraron dos maestros holandeses del Siglo de Oro: se llamaban Jan Steen y Hendrick Sorgh y su especialidad era el costumbrismo de precisión fotográfica.

Si te interesa el artículo, puedes leerlo entero haciendo clic sobre el título de la entrada.

SELECTIVIDAD 2010: CLASICISMO VERSUS VANGUARDIA

EJERCICIO B:
1. Analiza y comenta la imagen 1. (La raya verde)
2. Características generales del Fauvismo y aportación específica de Matisse.
3. Explica el contexto artístico y social en el que se desarrolla este movimiento artístico.

Este año han querido sorprendernos con la primera de las Vanguardias históricas, el Fauvismo. Sea. Las obras propuestas: El retrato de la señora Matisse, también conocido como "La raya verde" y la "Habitación roja", conocido como "Armonía en rojo", nos ofrecen una muestra exacta del estilo pictórico de Matisse, lider de este movimeinto artístico.
El problema, como siempre que aparece cualquiera de las vanguardias de principios del siglo XX, es la escasa información (y la falta material de tiempo) con la que solemos aproximarnos a estos nuevos lenguajes pictóricos. Una vez realizado el comentario de la obra propuesta, síntesis en sí misma del estilo fauve, el alumno corre el riesgo de quedarse sin munición para abordar la siguiente pregunta; y es que, una vez hecho el comentario, la pregunta 2 supone, en el caso de que uno no sea un experto comisario de exposiciones o connaiseur, la práctica reiteración de los rasgos destacados en el análisis. En cuanto al contexto, nada relevante que señalar, salvo lo difícil que resulta enmarcar una sóla de las vanguardias en el magma indómito de las vanguardias de principios de siglo en general, aunque uno de los textos que acompañaban las obras, nos daba alguna pista para situar de forma "casi exacta" el nacimiento del fauvismo. En fin, si es por hablar, bien podríamos estar hablando sobre la crisis del lenguaje artístico de finales del siglo XIX y las nuevas fronteras abiertas por los postimpresionistas, con su insaciable apetito de libertad y su capacidad para romper con todo tipo de convenciones. Y luego tenemos el cambio de siglo y el auge de los valores de una sociedad, la liberal-burguesa, que pronto se verá estremecida por los horrores de la Gran Guerra.
Y yo me pregunto (dado que este curso es de introducción a la Historia del Arte): ¿No sería más práctico y fértil que todas estas "primeras vanguardias" (fauvismo, cubismo, expresionismo, etc.) formaran un sólo tema? Sería muy útil que el alumno pudiera "identificar" estilos o lenguajes, conocer autores relevantes y obras significativas y, desde luego, hablar de un contexto general en el que convergen numerosas variables, entre ellas el ansia de diferenciación y novedad que recorre los albores del siglo XX. Por todo lo anterior, me temo que ninguno de vosotros ha hecho este ejercicio, y eso que el tema lo teníamos fresco y recién hecho. ¿Me equivoco?

EJERCICIO A:
1. Analiza y comenta la imagen A (DAVID, de Donatello, 1430).
2. Explica las características de la escultura durante el Quattrocento, especialmente la de Donatello.
3. Realiza una aproximación al momento histórico-social en que se desarrollan las obras y artistas de los que estamos tratando. (El famoso CONTEXTO).

¿NO ES UN REGALO ESTE EXAMEN?

Antes de que empiece el examen de Historia del Arte, es normal que estemos algo nerviosos (o mucho!), ya que tememos que nos suelten algún bicho. Este año no ha habido sorpresas, afortunadamente. El clasicismo, en cualquiera de sus manifestaciones, variantes y tiempos, suele ser del gusto de cualquier comité de expertos o sabios de la materia, y también de la mayoría de los alumnos. Es habitual que el alumno se solace ante la visión de estas hermosas obras, fruto de una imparable evolución técnica y estilística que arranca en el s. XIII (en los albores del gótico) y que culmina en la rica y culta ciudad de Florencia, en el s. XV (el Quattrocento), bajo el gobierno de la familia Medici. Las obras del duomo de Florecia, sobre todo la decoración de las puertas del baptisterio, atraen a los mejores talentos. El concurso de 1401 marca un hito en la evolución de la escultura, como recordaréis. Ghiberti , Della Quercia y Brunelleschi nos mostraron el camino que otros, más jóvenes, recorrerían después, hasta llegar a la plena representación de la Naturaleza. Donatello es, naturalmente, el paradigma de este renacer de la escultura en el siglo que inaugura la Edad Moderna, que vuelve a situar al hombre en el centro de todas sus preocupaciones formales y filosóficas. La reivindicación del clasicismo de la Antigüedad y su carácter antropocéntrico, pero desde una perspectiva cristiana y neoplatónica, se convierten en el eje de muchas de estas obras. Pero no sólo eso: la construcción del espacio y de la profundidad, gracias al descubrimiento de la perspectiva, dotarán a las obras de una objetividad y naturalidad desconocidas hasta ese momento. ¡Qué bella es la perspectiva! (Paolo Ucello).
Una vez relajados, dado que sabemos que el examen ya no se nos va a ir de las manos, podemos pasar al lucimiento. ¿Quién no se habrá deleitado comentando el hermoso "David" de bronce, realizado por Donatello? Palabras o expresiones como: bulto redondo, bronce, clasicismo, naturalismo, canon, contraposto, curva praxiteliana, ambigüedad, fuente bíblica: David y Goliat, simbología política: el triunfo de la inteligencia frente a la fuerza, superfície pulida, efectos de claroscuro, etc., han debido de ir apareciendo, fluyendo de manera casi natural y armónica, como corresponde a una obra que plasma a la perfección la idea de belleza que se afirma en esta primera etapa del Renacimiento italiano.
Explicar las características generales de la escultura no debe haber supuesto ningún problema; además de la escultura de bulto redondo, hay que hablar del relieve y, naturalmente, de las distintas tipologías: destacando el retrato ecuestre (Gattmelata!), así como la variedad de temas: mitológico, bíblico, etc. o de materiales: bronce, mármol, barro, etc. El conocimiento profundo de la obra de Donattelo permitirá, además, insinuar hasta el "anticlasicismo" de alguna de sus obras, como la famosa "Magdalena". Y no olvidemos que detrás del maestro, viene nada menos que Miguel Ángel, ese gigante de la escultura.
El contexto. Bueno, pues eso: el contexto.

Estoy seguro de que todos habéis hecho este ejercicio ¿Me equivoco?
Espero vuestros comentarios para poder contrastar opiniones.

ENTREVISTA A RENZO PIANO

El Centro Georges Pompidou, en París, es una de las obras más reconocibles del arquitecto italiano Renzo Piano (Génova, 1937). Con una estructura tubular, alberga el Museo Nacional de Arte Moderno, una biblioteca y el centro de investigación musical IRCAM.

Se está celebrando en Pamplona un congreso de arquitectura con el sugerente título de "Más por Menos" (parafraseando la famosa máxima de la arquitectura funcionalista del s. XX, "Menos es más"). Renzo Piano, arquitecto italiano que ya ha recibido el prestigioso premio Pritzker (el equivalente al Nobel, para entendernos), ha sido entrevistado por el diario EL PAÍS (entrevista que se publica en la edición de hoy). Me ha llamado la atención poderosamente la frase entrecomillada con la que se invita a los lectores a leer la entrevista; la frase dice así: "ME COSTÓ APRENDER QUE EL ARTE MEJORA A LA GENTE".

Me ha parecido muy interesante una de sus respuestas (no importa la pregunta):
"La arquitectura es a la vez el arte de hacer edificios sólidos y permanentes para la gente y el arte de soñar con mejores ciudades. Las ciudades y los edificios deben entender a la gente, si no, son fallidos. Pero hay más. Yo aprendí tarde que el objetivo de la arquitectura es el arte."
¿No es fantástica esta visión de la arquitectura?

Si te interesa, puedes leerla en el siguiente enlace:
http://www.elpais.com/articulo/cultura/costo/aprender/arte/mejora/gente/elpepicul/20100610elpepicul_4/Tes

LA PARTE POR EL TODO: EL RETO FINAL.

Iglesia de Sant Joan, situada en Valls, provincia de Tarragona.

El campanario de la iglesia es un símbolo de la ciudad; su altura, 74 metros, lo convierten en un mirador privilegiado sobre el campo de Tarragona. Su altura lo convierte, además, en el mas alto de todas la iglesias parroquiales de cataluña. La iglesia de de Sant Joan Bautista fue construida en el s. XVI, en época renacentista, aunque sobre una construcción anterior de época gótica que, a su vez, ocupaba el lugar de una iglesia románica. ¡Cosas de la ocupación del territorio!

¡HA SIDO UN PLACER!

Un año más, un curso más, llegamos al final de un ciclo que es, en realidad, el principio de una nueva etapa. Yo podría decir, como Heráclito, que ningún curso es igual a otro porque vosotros, jóvenes aún con un espléndido horizonte ante vuestros ojos, tampoco sois los mismos. Dicho queda pues.

Pero estas dos primeras frases responden, en realidad, a los viejos tópicos; son palabras desgastadas por el uso, aunque puedan sonar frescas a vuestros oídos juveniles. Debo deciros que ha sido un año apasionante también para mí. No todos los años son iguales, ni tampoco vosotros. He tenido la enorme fortuna de poder compartir con vosotros mis modestos conocimientos y el saber que, aunque escaso, he ido acumulando con el tiempo, así como la pasión que siento hacia el arte como experiencia plástica y necesidad humana. Confío en que hayáis disfrutado, como yo, durante estos casi nueve meses del viaje que os prometí en septiembre. Ha sido emocionante asistir a vuestra búsqueda de conocimiento y de sentido; algunos de vosotros me habéis impresionado con vuestra capacidad de trabajo y sentido del deber, valores que muchos echan de menos y que vosotros habéis esparcido a raudales en el aula y en vuestro trabajo diario. Me complace el haber contribuido a formar vuestro gusto por el arte, a proporcionaros instrumentos para paladear una obra o para rechazarla, pero con criterio y conocimiento, despojándoos de prejuicios. Me he apasionado con vosotros cuando partíais en busca de la obra que se escondía en la parte por el todo. Para todos tengo un recuerdo y no dudéis que permaneceréis en mi memoria (o, al menos, si ésta fallara, en mi cuaderno de profesor que desde hace años conservo).
Ignacio, Alba, José Antonio (a los que ya conocía y apreciaba), Amanda, Maite, Leo, Raquel e, incluso, Rubén (a los que he conocido este curso). A Yaiza, Mónica, Santiago, Karen (qué gran trabajo has hecho este año!), Suni, Miriam, Irene, Rubén y Mario; a todos os recordaré con cariño y aprecio, más allá del trabajo realizado por cada uno de vosotros y vosotras, más allá del resultado académico, conservaré vuestro respeto y ganas de aprender. Os deseo lo mejor en vuestro futuro; que aquello por lo que lucháis y aquello con lo que soñáis, se cumpla y lo alcancéis y, si no fuera así, tampoco os dejéis llevar por el desaliento, porque la vida está llena de pequeñas alegrías y las grandes metas casi siempre están demasiado lejanas, mientras que aquello que nos puede hacer felices casi siempre lo tenemos cerca de nosotros. Disfrutad pues de la vida y, si os fuera posible, apurando la copa.

LA PARTE POR EL TODO: ALDO ROSSI

Berlin-Mitte: Schuetzenstrasse. Aldo Rossi. 1998.

"Es imposible pensar sin tener una obsesion, es imposible crear algo imaginativo a menos de que los fundamentos sean rigurosamente indisputables y repetitivos"

Aldo Rossi

¿No es una maravilla andar caminando por la ciudad y toparse con esta fantasia colorista? ¿Quién dijo que la vida en la ciudad debía de ser aburrida y rutinaria? Rossi demuestra que, partiendo de la tradición racionalista (el movimiento moderno: el funcionalismo) que recorre el s. XX, es posible dialogar con otros lenguajes artísticos sin traicionar la esencia de la arquitectura concebida como arte. El movimiento tardomoderno constituyó una nueva forma de entender el espacio urbano, superando el brutalismo de algunas de las propuestas arquitectónicas de los años setenta y ochenta, para ofrecernos una imagen más amable, humana quizás, de la ciudad en la que vivimos. El color, por su dimensión plástica, supone una provocación para aquellos que conciben la arquitectura como un contenedor ordenado por la razón, pero no deja indiferente a nadie. ¿Os ha dejado indiferentes a vosotros?

BREVE APUNTE BIOGRÁFICO DE ALDO ROSSI
Aldo Rossi (1931-1997) fue líder de La Tendenza, un grupo de arquitectos milaneses que, a comienzos de los años 60, comenzó a cimentar las bases sobre las que se habría de asentar el pensamiento urbano más influyente del último tercio del siglo pasado en Europa. Su punto de referencia estaba en el revisionismo marxista de Gramsci y su intento de construir una nueva cultura de izquierdas. Para incorporar la arquitectura y el urbanismo a este proyecto, la Tendenza planteó la necesidad de refundarlas como disciplinas autónomas. Nacía así la idea de repensar la ciudad desde términos estrictamente disciplinares, una tarea que se acometería trasladando a ella el pensamiento estructuralista. Aldo Rossi fue director de la revista CasabellaIstituto Universitario di Architettura de Venecia y del Politécnico de Milán, y autor de obras de arquitectura tan emblemáticas como el Cementerio de Módena (1971) y el edificio Gallaratese (Milán, XXXX). En 1989 recibió el premio Pritzker de arquitectura, el equivalente al premio Nóbel.
Fuente: Atributos Urbanos.